Un guide complet par Manny Guevarra

Introduction

Avez-vous déjà voulu créer une scène fantastique épique qui raconte toute une histoire d'un seul coup d'œil ? Créer un arrière-plan épique pour votre illustration, bande dessinée ou animation est beaucoup plus facile que vous ne le pensez !

Pour ce tutoriel, j'ai voulu recréer la scène de ma vidéo musicale animée ci-dessus comme une illustration plus dynamique qui raconte une histoire plus claire même sans la musique ou l'animation. Nous allons décomposer l'arrière-plan de l'illustration fantastique qui en résulte et utiliser ces informations pour peindre un monde fantastique que vos personnages pourront explorer !

Tous les personnages et décors de ce tutoriel sont issus de ma série de webcomics, EARTHEATERS ! Si vous êtes intéressé, vous pouvez le lire ci-dessous !

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Éléments fantastiques

Tout d'abord, explorons quelques éléments à inclure dans votre illustration qui signaleront immédiatement un cadre fantastique à votre public. Voici quelques éléments fantastiques amusants à essayer :

 

MÉGAFLORE 🌸

 

Les mégaflores sont des plantes de taille géante. Des exemples réels de mégaflores incluent les forêts de séquoias, et il est vrai que se tenir sous elles procure une sensation magique. Pour capturer ce sentiment magique, essayez de pousser la perspective sur des plantes que vous pourriez trouver ici sur Terre. Dans les œuvres fantastiques, vous pouvez transformer un objet qui tiendrait normalement dans la paume de votre main en quelque chose de gigantesque qui nanifie vos personnages !

Cela fonctionne bien non seulement avec les fleurs, mais aussi avec d'autres plantes et champignons tels que les arbres et les champignons - les possibilités sont infinies !

MÉGAFAUNE ET CRÉATURES MYTHIQUES 🐉

 

Comme la mégaflore, la mégafaune est de taille géante - mais cette fois, nous parlons de nos amis les animaux ! Le terme « mégafaune » fait généralement référence aux grands animaux terrestres pesant plus d'une tonne (1 000 kilos/2 205 lbs). Des exemples réels de mégafaune incluent les girafes, les éléphants et les hippopotames.

 

L'ajout de mégafaune peut instantanément ajouter de la grâce, de la majesté et de la fantaisie à votre illustration - surtout s'il s'agit d'une espèce que l'on ne trouve pas ici sur Terre. Points bonus pour les créatures magiques comme notre ami écailleux ci-dessous !

STRUCTURES ET RUINES 🏛

 

L'ajout de structures magnifiques - ou les ruines de celles qui sont tombées - qui dominent vos personnages peut créer un sentiment d'admiration saisissant et raconter silencieusement une histoire sur les personnes et les créatures qui habitent votre monde.

CORPS CÉLESTES 🌙

 

L'ajout de corps célestes tels que des planètes surdimensionnées, diverses lunes et des étoiles scintillantes le long de l'horizon n'ajoute pas seulement de la beauté à votre illustration ; ils aident à situer votre histoire dans un nouveau monde magique - une planète extraterrestre, un royaume alternatif ou un autre cadre fantastique !

▶ ASTUCE : N'oubliez pas que notre objectif ici est de raconter une histoire d'un seul coup d'œil. Avant de commencer à dessiner, réfléchissez à l'histoire que vous voulez raconter - la signification derrière ces éléments fantastiques et votre cadre général. Qui est votre personnage ? Que recherche-t-il ? Où cherche-t-il ? Accomplira-t-il sa destinée et terminera-t-il sa quête ?

 

Vivront-ils pour raconter l'histoire ?

Composition 101 : La règle des tiers

Ensuite, plongeons dans le dessin de notre pièce ! Voici quelques astuces de composition à considérer - en commençant par la Règle des Tiers, qui nous aidera à placer nos personnage(s) et les éléments d'arrière-plan qu'ils chercheront le long de l'horizon.

 

RÈGLE DES TIERS 1️⃣2️⃣3️⃣

 

La règle des tiers est un principe de photographie qui peut être appliqué aux illustrations pour créer un équilibre et une narration dans nos compositions. Elle stipule que lorsqu'une toile est divisée en tiers, notre sujet et les autres éléments importants de notre composition doivent être placés le long de l'intersection de ces tiers.

▶ ASTUCE : Vous pouvez utiliser les fonctions [Grille] et [Barre de règle] dans Clip Studio Paint pour vous aider à diviser votre toile en quadrants ! Pour afficher la Barre de règle, appuyez simplement sur (Ctrl + R) sur votre clavier ou sélectionnez le menu [Affichage] > [Barre de règle]. Pour ouvrir la Grille, sélectionnez simplement le menu [Affichage] > [Grille] :

Vous pouvez basculer le point de départ, la largeur, la hauteur, l'espacement et le nombre de divisions pour l'un ou l'autre outil en sélectionnant le menu [Affichage] > [Paramètres de la grille/barre de règle] :

 

Dans le cas de notre illustration fantastique, nos sujet(s) sont les personnage(s) qui regardent vers le monde fantastique que nous allons construire pour eux. Utilisons la Règle des Tiers pour indiquer à nos spectateurs que nos personnages se préparent à s'aventurer dans ce monde.

 

Nous ne voulons pas placer nos personnages sur les bords ou au centre de la toile, car la composition semblerait artificielle. Au lieu de cela, placez votre sujet le long d'une des intersections, en veillant à laisser un espace négatif dans la direction où il regarde pour suggérer un mouvement futur vers sa destination. (Dans la section suivante, nous utiliserons des Lignes directrices pour renforcer ce sentiment de mouvement.)

Ensuite, plaçons nos éléments d'arrière-plan le long de ces lignes pour attirer l'attention sur eux. Les deux éléments fantastiques proéminents que j'ai choisis pour mon illustration étaient la mégafaune et la mégaflore. La fleur de lotus géante est le point focal de l'arrière-plan, car c'est la destination ultime de mon sujet. Pour attirer l'attention sur elle, je l'ai placée juste à gauche du centre et le long de la ligne la plus haute - suivant directement les regards de mes personnages.

Voilà la première itération de notre croquis grossier ! Comme vous pouvez le voir, nous commençons à raconter notre histoire par la simple composition : un dragon et ses cavaliers inspectent les terres devant eux, se préparant à un vol vers le lotus géant au loin !

Composition 101 : Les lignes directrices

Une autre astuce de composition que nous pouvons utiliser pour renforcer le sens implicite du mouvement vers la destination de nos personnages est d'encadrer la composition avec des Lignes directrices.

 

LIGNES DIRECTRICES 📈

 

Les Lignes directrices sont un autre principe de la photographie. Ce sont des lignes formées par le langage des formes de votre composition qui guident les yeux de votre spectateur dans un voyage « à travers » votre dessin et les dirigent vers un sujet désiré.

En plus d'encadrer notre composition, l'ajout de Lignes directrices intentionnelles peut transformer la nature statique d'un langage de formes autrement sans but pour créer une dynamique fluide. Pour s'assurer que ces lignes fonctionnent ensemble dans un flux cohérent, veillez à les ajouter au premier plan, au plan moyen et à l'arrière-plan. Cela aidera à relier ces trois zones. (Nous parlerons également plus en détail des trois dans les sections suivantes !)

J'ai ajouté ici d'autres dragons volant vers la destination au point focal ; le vol vers le lotus géant est une mission de sauvetage pour les personnages qui y sont piégés, et nos cavaliers de dragons ont amené des renforts. L'ajout de ces sujets n'ajoute pas seulement de la clarté, mais renforce également le mouvement implicite de la pièce et aide à remplir une partie de l'espace négatif entre nos sujets au premier plan et la ligne d'horizon.

Composition 101 : Éviter les fusions

Lorsque vous ajoutez des personnages ou d'autres éléments lors des itérations ultérieures de votre croquis, veillez à ne pas encombrer votre composition originale ; laissez suffisamment d'espace pour vous assurer que le chemin devant chaque personnage est dégagé.

De plus, faites attention aux Fusions - et évitez-les si vous le pouvez !

 

FUSIONS ❌

 

Une fusion se produit lorsque deux objets dans une composition semblent se « fusionner ». Par exemple, remarquez comment les contours des dragons et des montagnes semblent se fondre ensemble ci-dessous :

Cela n'est pas seulement maladroit, mais cela élimine également une partie de la profondeur que nous pourrions créer si nous chevauchions les deux pour renforcer davantage la sensation tridimensionnelle de la pièce. Lorsque vous placez des personnages ou des sujets clés dans une composition, essayez de (a) les chevaucher ou (b) de les séparer des lignes existantes.

En gardant cela à l'esprit, le croquis de droite montre un bien meilleur placement pour nos amis :

Langage des formes

Un autre concept important à garder à l'esprit lorsque vous esquissez votre œuvre est le langage des formes.

 

LANGAGE DES FORMES 🔺🟡🟦

 

Le langage des formes est l'utilisation de formes familières telles que des triangles, des cercles et des carrés pour communiquer un sens. Par exemple, examinons à nouveau cette illustration précédente, qui représente une frontière territoriale entre les terres humaines et Drakken dans mon webcomic, EARTHEATERS :

Remarquez-vous des différences entre les deux côtés de l'illustration ?

 

Bien que les falaises aient la même hauteur, le côté gauche semble plus abrupt et menaçant ; il est non seulement plus sombre, mais aussi plus pur dans sa géométrie et dépourvu des grandes sculptures Drakken du côté droit. En fait, tout le côté « Humain » de l'illustration est rigide et géométrique - du flanc de la falaise à l'aqueduc construit par l'homme, la figure humaine sur la colline, et même les troncs des arbres.

Inversement, le côté « Drakken » de l'illustration est rempli d'un langage des formes qui présente une courbure organique souvent trouvée dans la nature. De plus, les formes ont toutes une connexion lâche, s'écoulant de la silhouette courbe du Drakken volant au-dessus, à travers la sculpture de la falaise, et puis descendant la colline - le tout parallèle à la cascade qui coule au centre, plutôt que de la couper en deux comme le fait l'aqueduc construit par l'homme.

La combinaison de ces formes juxtaposées crée un équilibre dans la pièce et raconte l'histoire de deux tribus en guerre qui cherchent à trouver l'harmonie :

Parce que le genre fantastique se déroule généralement en plein air, vous verrez beaucoup de feuillage et d'autres éléments naturels. Lorsque vous peignez ces formes, il est préférable d'utiliser le langage des formes organique et incurvé discuté ci-dessus, qui se compose de cercles, de spirales et des lignes tangentielles à ceux-ci.

 

En fait, la plupart des motifs de la nature suivent le « Nombre d'or » ou la « Suite de Fibonacci » représentés ci-dessous - des spirales des coquilles de nautile aux schémas de vol des oiseaux de proie et même aux bras des galaxies spirales :

 

▶ ASTUCE : Lorsque vous voulez qu'un élément se démarque, essayez d'utiliser un langage de formes plus nettes, comme la forme triangulaire de la montagne ci-dessous. Lorsque vous voulez que quelque chose apparaisse fiable et robuste, essayez d'utiliser un langage de formes rectangulaires, comme la falaise au premier plan. Lorsque vous voulez que quelque chose se fonde dans le décor et paraisse modeste et accessible, essayez d'utiliser un langage de formes circulaires, comme la colline au plan moyen :

Et avec ça, nous avons une composition solide pour notre illustration fantastique épique qui nous permettra de raconter une histoire d'un seul coup d'œil ! Maintenant, commençons à peindre !

Premier plan, plan moyen et arrière-plan

Comme vous pouvez le voir, nous avons commencé à diviser notre pièce en trois sections générales. Ces sections sont le premier plan, le plan moyen et l'arrière-plan :

Le premier plan est la zone de notre composition la plus proche de la « caméra » qui contient généralement notre sujet. L'arrière-plan est le plus éloigné de la caméra, et le plan moyen est la zone entre les deux. Pour séparer ces zones, nous allons vouloir peindre en utilisant des valeurs contrastées.

 

VALEUR 💡

 

La valeur est la « clarté » ou « obscurité » relative d'une couleur. Dans Clip Studio, vous pouvez facilement vérifier la valeur de n'importe quel calque en accédant à [Couleur d'expression] sous l'onglet [Propriété du calque].

Ensuite, sélectionnez le menu déroulant suivant et basculez la propriété de [Couleur] > [Gris]. Cela convertit l'intégralité du calque en niveaux de gris. Cette propriété de calque pratique peut être basculée entre [Gris] > [Couleur] à tout moment.

Lorsque vous peignez, essayez d'utiliser des valeurs contrastées pour distinguer votre premier plan, votre plan moyen et votre arrière-plan. Il peut y avoir des sections qui se fondent dans des valeurs similaires à d'autres, mais le maintien d'une valeur globale relativement uniforme pour chaque zone aide à compartimenter ces zones et ajoute à la sensation tridimensionnelle de l'œuvre.

Peignez votre premier plan avec une teinte plus foncée, en allant vers des teintes plus claires à mesure que vous vous approchez des objets les plus éloignés de l'arrière-plan - ou, dans certains cas, vous pouvez faire l'inverse si l'arrière-plan est plus éloigné de votre source de lumière :

La clé ici est la source de lumière. Dans notre illustration actuelle, il serait beaucoup plus logique qu'une vaste chaîne de montagnes ouverte soit illuminée par le soleil et que nos sujets soient abrités par le feuillage des arbres projetant des ombres depuis l'arrière de la caméra :

▶ ASTUCE : De nombreux artistes peignent d'abord uniquement en niveaux de gris, puis ajoutent de la couleur plus tard dans leur processus de peinture. Si vous voulez vous concentrer sur l'établissement des valeurs avant de vous soucier de la couleur, essayez cette astuce !

Palettes de couleurs

Les couleurs que vous utilisez dans votre illustration peuvent fortement influencer l'ambiance générale de la scène que vous souhaitez dépeindre. Par exemple, l'utilisation de bleus clairs et de violets peut créer une illustration éthérée, onirique. Peut-être votre personnage s'aventure-t-il dans un royaume flottant, suspendu dans le ciel et entouré de nuages légers.

Les bleus ci-dessus sont plus proches du violet que du vert sur le cercle chromatique. En revanche, les bleus suivants sont plus proches du vert pour créer différentes nuances de turquoise. Un schéma de couleurs tel que celui-ci conviendrait à des scènes sous-marines avec des châteaux engloutis et des créatures marines mystérieuses :

Les rouges et les jaunes sont généralement un peu plus audacieux et peuvent représenter le danger. Peut-être votre personnage se prépare-t-il à parcourir le chemin escarpé et dangereux menant à un grand volcan !

Certaines des couleurs ci-dessus peuvent également être considérées comme des « tons terreux ». En effet, la nature est puissante et formidable, mais elle peut aussi être apaisante et nourrissante. L'association de verts avec des crèmes et des roses peut également créer une scène chaleureuse et magnifique :

Pour cette illustration, j'ai combiné plusieurs de ces palettes :

Lorsque vous avez choisi votre palette de couleurs désirée, vous pouvez l'enregistrer dans Clip Studio sous le menu [Jeu de couleurs] représenté ci-dessous :

Si vous ne voyez pas le menu [Jeu de couleurs], naviguez jusqu'au menu [Fenêtre] dans la barre d'outils supérieure et sélectionnez [Jeu de couleurs] dans le menu déroulant :

Pour ajouter des couleurs à votre [Jeu de couleurs], faites simplement un clic droit sur n'importe quel carré et sélectionnez [Remplacer la couleur]. Vous pouvez ensuite choisir la couleur de chaque échantillon en cliquant simplement dessus ; l'outil [Pipette] apparaîtra automatiquement lorsque vous le survolerez.

Pinceaux

Une autre fonctionnalité utile dans Clip Studio Paint est la large sélection de pinceaux, tampons et modèles 3D qu'il propose pour simplifier le processus de peinture et améliorer le flux de travail artistique.

Voici trois des pinceaux les plus utiles qui ont été utilisés dans cette illustration - tous des pinceaux par défaut de Clip Studio Paint !

Pour cette illustration, j'ai utilisé le pinceau du milieu pour peindre des montagnes au plan moyen et à l'arrière-plan, en superposant les tampons avec plusieurs couleurs différentes pour créer un aspect de forêt luxuriante le long des crêtes montagneuses :

Si vous voulez essayer quelque chose de nouveau, la boutique Clip Studio Assets propose des milliers de pinceaux, stylos, modèles 3D, motifs et autres ressources disponibles en téléchargement - beaucoup d'entre eux gratuitement ! D'autres ressources peuvent être achetées en utilisant des Clip Studio GOLD ou des points Clippy qui peuvent être gagnés gratuitement via des événements ou en téléchargeant vos propres matériaux.

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Pour installer une ressource désirée dans Clip Studio Paint, cliquez simplement sur le bouton « Télécharger » en haut à droite de la liste de la ressource ; cela lancera automatiquement le processus de téléchargement et d'installation de la ressource.

 

Vous pouvez ensuite accéder à ce matériel via le menu [Matériel] > dossier [Téléchargements], où vous pouvez le faire glisser et le déposer dans un sous-outil de votre choix. (Si vous ne voyez pas votre ressource téléchargée, essayez de redémarrer l'application !)

Touches finales

Et maintenant pour les touches finales !

 

Comme spécifié ci-dessus, le pinceau [Aquarelle bords de couleur courants] a une texture nuageuse. Ce pinceau est utile non seulement pour peindre de vrais nuages, mais aussi pour créer du brouillard afin de séparer davantage le premier plan, le plan moyen et l'arrière-plan en utilisant ce qu'on appelle la Perspective atmosphérique.

PERSPECTIVE ATMOSPHÉRIQUE ⛅

 

Lorsque vous regardez des photographies - ou même simplement la nature de vos propres yeux - vous remarquerez peut-être que les éléments lointains, tels que les chaînes de montagnes distantes, deviennent plus difficiles à voir à mesure qu'ils s'éloignent du point de vue de la caméra. Cela est dû aux composants de l'atmosphère tels que la poussière, la pluie, la brume et le brouillard qui obscurcissent notre vue à mesure qu'ils s'accumulent avec la distance, créant ce que l'on appelle la Perspective atmosphérique.

 

Pour imiter cet effet dans notre illustration, nous pouvons placer des éléments comme du brouillard, de la brume ou de la pluie entre les calques, comme indiqué ci-dessous :

Pour utiliser le pinceau [Aquarelle bords de couleur courants], accédez à l'outil [Pinceau] > sous-outil [Aquarelle] et sélectionnez-le. Vous pouvez également accéder au menu de l'outil [Pinceau] en appuyant une fois sur (B) sur votre clavier.

En utilisant le pinceau [Aquarelle bords de couleur courants], j'ai choisi des bleus désaturés à haute valeur pour la brume de cette illustration :

J'ai ensuite peint sur un calque opaque en mode [Normal] pour créer la brume entre les sommets des montagnes et les forêts. Cet effet fonctionne également très bien en mode de calque [Écran] !

▶ ASTUCE : Tout au long du processus de peinture, vous pouvez également utiliser n'importe quel pinceau comme gomme en appuyant sur (X) de votre clavier ou en sélectionnant l'option de pinceau transparent en bas à gauche de votre roue chromatique, comme indiqué ci-dessous :

Gardez également à l'esprit qu'en raison de l'effet de Perspective atmosphérique, les objets éloignés peuvent apparaître non seulement plus clairs, mais aussi plus désaturés en couleur.

▶ ASTUCE : Vous pouvez toujours ajuster la saturation - ainsi que la teinte et la luminosité - d'une sélection en appuyant sur (Ctrl + U) de votre clavier pour faire apparaître le curseur Teinte/Saturation/Luminosité. Si vous souhaitez créer un calque de réglage masquable qui peut être activé et désactivé, naviguez simplement dans le menu [Calque] > [Nouveau calque de correction (J)] > [Teinte/Saturation/Luminosité].

Conclusion

Et c'est tout ! ✨

 

J'espère que ces conseils vous ont été utiles. Si c'est le cas, laissez un « ❤ » et dites-moi quel a été le conseil le plus utile ! N'hésitez pas également à consulter mes autres tutoriels de cette série. Et si vous finissez par créer une illustration fantastique épique, taguez-moi sur les réseaux sociaux @mannygart pour que je puisse la voir ! Merci beaucoup d'avoir lu !