Un guide complet par Manny Guevarra

Introduction

 

Merci beaucoup d'avoir consulté mon tout premier didacticiel Clip Studio Paint! Il s'agit d'un didacticiel étape par étape, convivial pour les débutants, sur la façon de dessiner des arrière-plans convaincants. Cependant, il existe plusieurs "hacks" avancés qui peuvent être utiles aux utilisateurs intermédiaires et avancés qui cherchent à améliorer l'art de leur personnage en améliorant leurs arrière-plans. Donc, quelle que soit votre expérience avec Clip Studio Paint, n'hésitez pas à suivre - si vous cherchez à démarrer ou à améliorer vos arrière-plans, ce didacticiel est fait pour vous !

 

Les arrière-plans peuvent souvent "faire ou défaire" les illustrations. Un arrière-plan bien exécuté peut non seulement mettre en valeur votre sujet, mais également l'améliorer, en guidant les yeux de vos spectateurs vers l'endroit où ils doivent aller et en améliorant l'expérience visuelle globale. Dans ce didacticiel, nous apprendrons plusieurs trucs et astuces dans Clip Studio Paint que nous pouvons utiliser tout au long de la pré-production, de la production et de la publication pour améliorer nos arrière-plans et faire ressortir l'art de notre personnage.

 

Alors passons directement à #BoostingBackgrounds !

Créer un contraste avec la composition

Avant même de commencer à dessiner ou à peindre, il existe plusieurs trucs et astuces de composition que nous pouvons utiliser dans les premières étapes de notre illustration pour nous préparer au succès. Créons plusieurs croquis miniatures pour bloquer les formes et les valeurs de base de notre futur arrière-plan afin de nous assurer qu'il dirigera l'attention vers notre sujet. Lors de la création de miniatures, gardez à l'esprit les points suivants :

 

LA RÈGLE DES TIERS

 

La règle des tiers stipule que, lorsqu'une toile est divisée en tiers, un sujet doit être placé le long de l'intersection de ces tiers.

 

Si le sujet est placé trop loin à gauche ou à droite de la toile, les yeux des spectateurs peuvent ne pas être attirés tout de suite. À l'inverse, si le sujet est placé directement au centre, la composition peut sembler peu naturelle. En plaçant notre sujet stratégiquement sur le fond en utilisant la règle des tiers, nous créons une juxtaposition et établissons un point focal par position seule.

 

Gardez également à l'esprit que l'espace négatif peut être utilisé pour impliquer le mouvement ; dans ce cas, nos personnages sont placés à droite du centre pour montrer le mouvement implicite du personnage A venant du côté gauche de la toile et sautant dans les bras du personnage B.

 

CONSEIL: vous pouvez utiliser les options [Grille] et [Barre de règle] dans Clip Studio Paint pour vous aider à diviser votre toile en quadrants. Pour ouvrir la Grille, sélectionnez simplement le menu [Affichage] > [Grille]. Pour ouvrir la barre de règle, appuyez sur Ctrl + R sur votre clavier ou sélectionnez le menu [Affichage] > [Barre de règle].

 

Vous pouvez basculer le point de départ, la largeur, la hauteur, l'écart et le nombre de divisions pour l'un ou l'autre des outils en sélectionnant le menu [Affichage] > [Paramètres de la grille/de la règle].

 

La règle des tiers est un principe de la photographie, et en l'appliquant à nos illustrations, nous pouvons créer des compositions plus naturelles.

 

CADRAGE AVEC LIGNES DE GUIDAGE

 

Une autre façon d'attirer l'attention sur nos sujets consiste à utiliser des éléments d'arrière-plan pour encadrer le premier plan. Dans le cas de cet arrière-plan sur le thème de la nature, nous pouvons utiliser le sentier pédestre et la ligne des arbres pour créer des lignes directrices, qui pointent les yeux des spectateurs dans la direction de notre sujet. Remarquez comment le feuillage encadre également nos sujets dans les deuxième et troisième vignettes.

 

En plus de cadrer le sujet, l'ajout de lignes directrices peut transformer la nature statique de lignes autrement sans but pour créer une pièce plus dynamique.

 

LANGAGE DE LA FORME

 

Une troisième façon de créer un contraste entre l'arrière-plan et le premier plan consiste à briser le langage de forme de notre composition. Si le langage de forme de la silhouette de votre personnage est doux et rond, essayez de créer des formes nettes et abruptes avec vos éléments d'arrière-plan. Si la silhouette est grande et mince, essayez de faire le contraire.

 

Dans le cas de nos personnages ici, brisons le langage des formes de leur silhouette droite avec des lignes courbes qui représentent plus précisément la nature sauvage des éléments organiques comme le feuillage. Sinon, la composition peut sembler rigide et nos personnages ne se démarqueront pas autant.

 

Bien mieux ! Nous pouvons toujours modifier les éléments de composition plus tard, mais commencer avec une esquisse de vignette solide nous évite d'avoir à faire des modifications de fond plus tard.

Créer un contraste avec la couleur

Maintenant que nous avons notre future illustration tracée, dessinons ! Tout au long du processus de dessin, nous avons plusieurs autres opportunités de créer un contraste entre notre sujet et l'arrière-plan. Nous pouvons le faire simplement en utilisant Color et ses diverses propriétés :

 

ÉVALUER

 

Une façon de distinguer notre premier plan de l'arrière-plan est d'utiliser la valeur, ou la "légèreté" ou "l'obscurité" relative d'une couleur. Le moyen le plus simple de voir la valeur d'un calque consiste à accéder à [Couleur d'expression] sous l'onglet [Propriété du calque] et à modifier le menu déroulant de [Couleur]> [Gris], ce qui convertit l'intégralité du calque en niveaux de gris. Cette propriété de calque pratique peut être basculée entre [Gris]> [Couleur] à tout moment.

 

Pour distinguer votre premier plan de votre arrière-plan, utilisez des valeurs contrastées ; vous pouvez peindre votre premier plan avec une teinte "plus claire" et votre arrière-plan avec une teinte "plus foncée", ou faire l'inverse si l'arrière-plan est plus proche de votre source de lumière. Si la valeur de votre arrière-plan est trop similaire à votre premier plan, votre sujet peut être difficile à distinguer comme dans la première vignette ci-dessous.

 

CONSEIL : de nombreux artistes peignent uniquement en niveaux de gris au début, puis ajoutent de la couleur plus tard dans leur processus de peinture une fois que les valeurs appropriées ont été établies. Si vous rencontrez des difficultés pour contrôler la valeur de votre composition, essayez ce hack !

 

TEINTE

 

La teinte est probablement ce que nous imaginons lorsque nous pensons à la "couleur". La teinte est la couleur dans sa forme la plus pure sans blanc, noir ou gris ajouté. L'utilisation de palettes de couleurs avec des teintes contrastées provenant de différentes zones d'une roue chromatique est une autre façon de créer un contraste dans votre illustration.

 

CONSEIL : Une fois que vous avez sélectionné une palette de couleurs que vous souhaitez utiliser, vous pouvez l'enregistrer dans l'onglet [Ensemble de couleurs] en cliquant avec le bouton droit sur n'importe quel cellulo et en sélectionnant [Ajouter une couleur]. À partir de là, vous pouvez facilement supprimer vos couleurs enregistrées à tout moment tout au long du processus d'illustration en cliquant simplement dessus.

 

SATURATION

 

Une fois que nous avons établi notre palette de couleurs et commencé à peindre notre arrière-plan, une façon de créer un contraste supplémentaire pour souligner notre sujet est de réduire la saturation de notre arrière-plan. Cela peut être fait pendant le processus de peinture lui-même en choisissant des couleurs dans la gamme ci-dessus dans les espaces colorimétriques HSV et HLS.

 

Cependant, cela peut également être fait en post-production en sélectionnant [Calque] > [Nouveau calque de correction (J)] > [Teinte/Saturation/Luminosité] et en ajustant le curseur Saturation. Cela créera un calque de correction qui peut être découpé dans n'importe quel autre calque ou dossier.

 

Désaturer votre arrière-plan par une petite marge aide à rendre votre sujet plus coloré et plus vif, se démarquant ainsi des éléments environnants.

Types d'éclairage et de calques

Bon, maintenant vient la partie amusante ! L'un des meilleurs moyens de faire ressortir l'art de votre personnage consiste à utiliser un éclairage intelligent et ciblé qui cadre davantage votre sujet. Il existe un nombre infini de façons de positionner votre source de lumière et d'éclairer votre sujet, mais l'une des meilleures façons de séparer votre premier plan de votre arrière-plan consiste à utiliser le rétroéclairage.

 

RÉTROÉCLAIRAGE

 

Le contre-jour peut être un excellent moyen d'accentuer la silhouette de votre sujet. Pour obtenir cet effet, placez votre source de lumière derrière votre sujet. Vous pouvez également utiliser le placement de votre source de lumière pour attirer davantage l'attention sur votre sujet, comme le placement du soleil ici :

 

Ensuite, nous devons créer au moins deux couches d'éclairage distinctes : une à appliquer comme masque d'écrêtage à notre art de personnage, et une autre à placer sous notre art de personnage.

 

Les deux principaux modes de mélange d'éclairage utilisés dans l'illustration ci-dessus sont [Glow Dodge] et [Add Glow]. Des deux, le mode de fusion [Glow Dodge] créera une lueur qui conservera davantage la couleur choisie, tandis qu'un calque [Add Glow] créera un effet plus brillant et plus délavé.

 

GLOW DODGE

 

Pour le calque d'éclairage supérieur attaché à notre illustration de personnage, utilisons le mode de calque [Glow Dodge]. En travaillant dans des couleurs saturées, de grande valeur et chaudes (plus proches du jaune que du bleu), nous pouvons créer un joli Rim Light pour accentuer les silhouettes de nos personnages.

 

ASTUCE : Pour plus de précision, dessinez le Rim Light avec l'outil [Stylo] et estompez les bords manuellement avec l'outil [Fusionner] réglé sur Propriétés de l'outil [Flou].

 

Pour intensifier la lueur, dupliquez le calque Rim Light et floutez-le uniformément via le menu [Filtre]> [Flou]> [Flou gaussien].

 

ASTUCE : Une autre méthode pour créer un halo de lumière uniforme autour de l'illustration de votre personnage consiste à accéder au calque ou au dossier de l'illustration du personnage et à sélectionner la zone autour de l'illustration avec l'outil [Baguette] en utilisant les paramètres décrits ci-dessous. Ensuite, créez un nouveau calque [Glow Dodge] au-dessus du calque ou du dossier d'art du personnage et fixez-le au calque en dessous. Ensuite, remplissez votre sélection de couleur et de flou à l'aide du filtre [Flou gaussien] spécifié ci-dessus. Plus le flou est fort, plus la lumière s'infiltrera dans l'art de votre personnage à partir des bords.

 

AJOUTER DE L'ÉCLAT

 

Lorsque vous éclairez votre arrière-plan, vous pouvez utiliser un calque [Ajouter un éclat] opaque pour produire une lumière plus délavée qui ne distraira pas votre premier plan. Gardez les reflets et autres détails au minimum plus un élément est éloigné de votre sujet, en utilisant des outils tels que l'outil [Airbush] ou [Pinceau] pour des traits plus lâches et moins définis.

 

Une zone à laquelle nous pouvons cependant ajouter des détails se situe autour de la source lumineuse elle-même - en particulier là où elle enveloppe notre sujet. Si votre source de lumière est visible dans votre composition, essayez d'ajouter des éléments tels que des reflets de lentille ou des particules de poussière flottantes. L'outil [Aérographe] est pratique pour créer ces éléments, en particulier lorsqu'il est défini sur les propriétés des outils [Spray] et [Droplet].

 

Nous développerons ces éléments dans la section suivante, "Utilisation de la perspective atmosphérique : effets de flou".

 

COMBUSTION LINÉAIRE

 

Des ombres d'apparence naturelle peuvent être obtenues en utilisant des couleurs désaturées, de faible valeur et froides (plus proches du bleu que du jaune) dans le mode de calque [Gravure linéaire].

 

ASTUCE : Pour donner un aspect dynamique à votre pièce et pousser davantage la séparation entre le premier plan et l'arrière-plan, essayez d'utiliser l'outil [Dégradé] avec la propriété [Premier plan à transparent] pour créer une ombre qui s'estompe du premier plan à l'arrière-plan. Dans ce cas, cela permet de placer nos sujets sous les arbres du dessus et de souligner les ombres du feuillage.

Créer une perspective atmosphérique avec des effets de flou

PERSPECTIVE ATMOSPHÉRIQUE

 

Maintenant que le soleil filtre à travers le feuillage et lave certains des éléments d'arrière-plan au loin, nous commençons à créer quelque chose appelé Perspective atmosphérique.

 

La perspective atmosphérique est le principe simple selon lequel, plus un objet est éloigné de notre point de vue, plus il est difficile à voir. Cela est dû à des composants de l'atmosphère tels que la poussière, la pluie, la brume et le brouillard qui obscurcissent notre vision à mesure qu'ils s'aggravent avec la distance. Se pencher sur la perspective atmosphérique est peut-être le meilleur moyen de distinguer votre sujet de l'arrière-plan et de faire vraiment ressortir l'art de votre personnage.

 

Cet effet peut être obtenu de différentes manières - par exemple, en plaçant des éléments comme le brouillard, la brume ou la brume pluvieuse entre les couches, comme on peut le voir ci-dessous :

 

FLOU RADIAL

 

Dans notre cas, nous allons utiliser le menu [Filtre] > les effets [Flou] sur les éléments intermédiaires et d'arrière-plan pour attirer l'attention sur le premier plan et simplifier un arrière-plan chargé.

 

Tout d'abord, commençons par utiliser le menu [Filtre]> [Flou]> [Flou radial] sur le calque avec notre lumière du soleil et nos reflets pour souligner qu'ils émanent juste derrière la silhouette de nos personnages. L'utilisation de [Flou radial] sur un calque attire les yeux des spectateurs vers le centre d'origine ; dans ce cas, si les yeux d'un spectateur attrapent l'une des traînées de lumière, ils peuvent alors la suivre jusqu'à l'art de notre personnage.

 

Faites glisser et placez le "X" rouge sur votre source de lumière, ou à l'endroit d'où vous souhaitez que le flou rayonne.

 

FLOU DE MOUVEMENT

 

Ensuite, nous appliquerons un [Flou de mouvement] aux particules de poussière au milieu du terrain en sélectionnant le menu [Filtre] > [Flou] > [Flou de mouvement]. Nous inclinerons le flou vers la droite de la toile pour suivre le mouvement implicite de la scène (c'est-à-dire le personnage A sautant dans les bras du personnage B). Cela aide à souligner le mouvement, ainsi qu'à diriger davantage les yeux des spectateurs vers le sujet.

 

FLOU GAUSSIEN

 

Enfin, utilisons le menu [Filtre]> [Flou]> [Flou gaussien] sur nos éléments d'arrière-plan pour vraiment nous pencher sur la perspective atmosphérique. Cela floutera uniformément tous les éléments d'arrière-plan sur le calque sélectionné.

 

Si vous n'êtes pas sûr de la force à utiliser avec l'outil [Flou gaussien], considérez votre illustration comme un plan cinématographique. Généralement en cinématographie, plus la caméra se rapproche du sujet mis au point, plus l'arrière-plan devient flou. Voici quelques exemples de plans "cinématiques" avec différents niveaux de flou :

 

Un "Medium Long Shot" représente des sujets à partir des genoux. Dans les plans plus longs, les arrière-plans peuvent être légèrement flous, mais la plupart des détails sont toujours perceptibles.

 

Un "Medium Shot" représente des sujets à partir de la taille. Dans les prises de vue moyennes, les arrière-plans commencent à devenir flous à mesure que nous nous concentrons davantage sur le premier plan.

 

Un "gros plan moyen" représente des sujets à partir de la poitrine ou des épaules vers le haut. Dans les gros plans, les arrière-plans deviennent très flous car le sujet au premier plan demande plus de mise au point.

 

Un "gros plan" remplit l'écran avec un ou quelques éléments, tels que les visages des sujets. La majeure partie de la mise au point et de l'écran étant occupée par le sujet, les gros plans et les gros plans extrêmes laissent les arrière-plans extrêmement flous.

 

Avec notre arrière-plan flouté, nous avons cimenté la juxtaposition entre nos sujets au premier plan et la forêt qui les entoure. Simplifier votre arrière-plan - que ce soit via des outils de flou, un travail au trait simplifié ou quoi que ce soit entre les deux - permet également aux téléspectateurs de reposer leurs yeux sur l'art de votre personnage qui saute maintenant de la page.

Pour la touche finale, ajoutons quelques feuilles qui tombent pour renforcer le mouvement dans la pièce et employons une dernière astuce pour guider les yeux des spectateurs vers le premier plan. Lorsque vous ajoutez des éléments tels que des feuilles, de la neige ou de la pluie, n'oubliez pas de penser à votre sujet dans un espace 3D et de placer des particules devant et derrière eux. Cela a non seulement l'air plus naturel, mais accentue l'objet au centre : l'art de votre personnage.

BONUS : Conseils d'utilisation des pinceaux

Comme vous pouvez le constater, il existe d'innombrables façons d'aborder les arrière-plans ! Tout au long du processus d'illustration de ce didacticiel, divers pinceaux de feuillage ont été utilisés pour créer cette scène d'automne idyllique. Que nous peignions un paysage forestier ou dessinions une scène de ville, de nombreux dessinateurs de bandes dessinées, illustrateurs et autres créatifs utilisent des ressources prédéfinies telles que des pinceaux, des tampons et des modèles 3D pour accélérer et améliorer notre flux de travail artistique.

 

Et "Clip Studio Assets" propose des milliers de pinceaux, stylos, modèles 3D, motifs et autres ressources disponibles en téléchargement - dont beaucoup sont gratuits ! D'autres actifs peuvent être achetés en utilisant Clip Studio "GOLD" ou via des points "Clippy" qui peuvent être gagnés gratuitement via des événements ou en téléchargeant vos propres matériaux.

 

 

Vous trouverez ci-dessous quelques conseils pour utiliser les pinceaux et autres ressources téléchargeables disponibles dans "Clip Studio Assets!"

 

INSTALLATION

 

Pour installer une ressource souhaitée dans Clip Studio Paint, cliquez simplement sur le bouton «Télécharger» en haut à droite de la liste des ressources; cela lancera automatiquement le processus de téléchargement et d'installation des ressources dans votre application Clip Studio. Vous pouvez ensuite accéder à ce matériel via votre dossier [Téléchargements] dans l'application de dessin Clip Studio Paint, où vous pouvez le faire glisser et le déposer dans un sous-outil de votre choix. (Si vous ne voyez pas votre ressource téléchargée, essayez de redémarrer votre programme Paint.)

 

EFFET FRONTIÈRE

 

ASTUCE : Lorsque vous travaillez avec n'importe quel pinceau, vous pouvez utiliser le menu [Propriété du calque] > [Effet de bordure] pour créer une bordure uniforme autour de tous les coups de pinceau dans le calque sélectionné. Dans l'espace de travail "Par défaut", cet effet se trouve sous le [Navigateur] et au-dessus du menu [Calque]. (Pour basculer entre les espaces de travail, allez dans le menu [Fenêtre] > [Espace de travail]).

 

"L'épaisseur des bords" et la "Couleur des bords" peuvent être facilement basculées, et cet effet peut être activé ou désactivé à tout moment.

 

Lorsque vous redimensionnez des calques avec [Effet de bordure] activé, la bordure conservera l'épaisseur spécifiée. Afin de changer cela et de transformer uniformément la bordure avec le contenu du calque, pixellisez simplement le calque en cliquant avec le bouton droit sur le calque souhaité et en sélectionnant [Rasteriser]. Cela empêchera également les bords de l'image transformée de devenir trop pixélisés, ce qui affectera négativement l'apparence de la bordure.

 

Cet effet peut être extrêmement utile lorsque vous travaillez avec des actifs tels que des pinceaux de feuillage. Vous souvenez-vous de la perspective atmosphérique ? Une façon d'obtenir cet effet consiste simplement à dessiner des éléments avec moins de détails à mesure qu'ils sont éloignés. Dans ce cas, la propriété de calque [Effet de bordure] peut également être un excellent choix pour créer une silhouette simple pour des objets distants, empêchant ainsi les éléments d'arrière-plan d'être trop détaillés et de distraire de notre premier plan.

 

De plus, l'application de l'[Effet de bordure] au calque contenant votre premier plan peut l'aider à se démarquer de l'arrière-plan, si cela est stylistiquement approprié.

 

EXTRAIRE DES ILLUSTRATIONS AU LIGNE

 

Certains des pinceaux, tampons et éléments importés les plus stylisés, tels que les modèles 3D, devront peut-être être modifiés pour s'adapter à la qualité des lignes et à la palette de couleurs de votre illustration. L'outil [Effet de bordure] peut être pratique pour créer des dessins au trait bordant le contenu de n'importe quel calque, mais un autre outil pratique de l'onglet [Propriété du calque] est l'outil [Extraire la ligne], situé juste à côté de [Effet de bordure]. Cet outil extrait le dessin au trait de l'ensemble du calque, comme indiqué ci-dessous :

 

 

Cela peut être utile pour les ressources importées telles que les modèles 3D dont le dessin au trait peut nécessiter un renforcement, ou si vous avez besoin du dessin au trait isolé d'un calque pour une raison quelconque. Pour utiliser le dessin au trait isolé et rendre les zones blanches transparentes, pixellisez simplement le calque sélectionné et accédez au menu [Edition]> [Convertir la luminosité en opacité].

 

Notez que, bien que l'outil [Extraire la ligne] inchangé puisse être activé et désactivé, les effets [Pixeliser] et [Convertir la luminosité en opacité] ne le peuvent pas. Vous pouvez également définir le mode de fusion du calque sur [Multiplier] ou [Gravure linéaire] pour différents niveaux de contraste.

 

Une fois le dessin au trait extrait, il peut ensuite être placé sur une copie du calque d'origine pour renforcer la qualité du trait, ou utilisé comme dessin au trait à colorier à l'aide de la palette de votre choix. C'est mieux pour les objets au premier plan dont les détails audacieux les feront ressortir encore plus.

Quels que soient votre niveau, votre expérience ou votre style artistique, il existe forcément des pinceaux utiles qui peuvent vous aider dans votre parcours artistique ! N'ayez pas peur d'expérimenter et de voir ce qui fonctionne le mieux pour votre style unique !

Conclusion

Et c'est un enveloppement!

 

Merci encore d'avoir consulté mon premier tutoriel ! J'espère que vous vous êtes amusé et que vous avez pu apprendre une ou deux astuces utiles en cours de route. Si vous avez aimé ce tutoriel et que vous aimeriez en voir plus, n'hésitez pas à me le faire savoir et à suggérer des sujets dans les commentaires !

 

Si vous souhaitez voir plus de ces personnages, n'hésitez pas à consulter mon WEBTOON ci-dessous!

 

 

Bravo et joyeux automne !