Introduction
Hey-hey! ^-^ Je m'appelle Oleksii, plus connu sous le nom d'AloneFlaver. Je suis un artiste ukrainien qui crée des ASTUCES pour la communauté Clip Studio Paint depuis des années, et je suis de retour avec un autre guide après une pause de près de deux ans. Cette fois, je vous accueille avec un article du concours ASTUCES du mois sur le thème « L'art avec les photos ». Veuillez profiter de ce guide soit en version texte, soit en version vidéo jointe avec ma narration (les sous-titres sont inclus — veuillez les activer dans les paramètres de la vidéo pour plus de commodité).
La photo
Alors, aujourd'hui, nous créons une œuvre d'art avec une photo que j'ai prise moi-même. Au début, je ne savais pas laquelle choisir. Mais ensuite, j'ai fait défiler jusqu'à cette image que j'ai prise à l'été 2023… C'est un bâtiment gouvernemental au centre de ma ville. Mykolaïv, Ukraine. Il a été détruit suite à une attaque de missile un an auparavant. Une nuit horrible avec de nombreuses âmes perdues. Je suis désolé que ce soit un choix si sombre. Je comprends que ma décision puisse influencer mes chances dans le concours de manière très négative. Mais j'ai juste senti que c'était la photo que je voulais vraiment choisir et diffuser. Quelque chose sur quoi je voulais vraiment travailler.
Et j'ai ainsi transformé cette photo en cette œuvre d'art. Le travail a été quelque peu douloureux, avec de nombreuses pensées qui me traversaient constamment l'esprit. Mais je l'ai terminé. Et aujourd'hui, vous apprendrez comment, et comment vous pouvez vous-mêmes créer quelque chose de similaire. Je visais un style d'arrière-plan quelque peu inspiré de l'anime.
Au fait, mon tout premier guide d'ASTUCES comprenait également des techniques d'utilisation de photos et de matte painting. Elles n'ont pas été utilisées lors du processus actuel, mais vous pourriez les trouver utiles en combinaison avec celles que nous allons étudier aujourd'hui.
Et aujourd'hui, nous utilisons la photo elle-même comme base, et nous appliquerons les détails et les changements nécessaires pour la transformer de quelque chose de réel en quelque chose d'artistique. Alors, commençons !
NB : J'utiliserai la version EX de Clip Studio Paint car elle possède une fonctionnalité spécifique qui nous sera d'une grande aide dans le processus. Le guide reste cependant valide pour tous les utilisateurs.
Effets initiaux
IMPORTANT : Je ne vais pas déplacer, modifier ou supprimer d'éléments importants ou significatifs de la photo. Il y aura des changements notables, mais la géométrie et la composition principales resteront les mêmes. Donc s'il vous plaît, si vous avez besoin de déplacer, couper ou déformer quelque chose dans votre photo, faites-le AVANT cette étape. Merci ! ^-^
Je poursuivais l'idée d'un « arrière-plan de style anime », alors j'ai immédiatement commencé par des actions qui donneraient à la photo l'apparence que je visais. Apprenons maintenant comment faire cela en pratique ! Importez la photo que vous avez dans Clip Studio Paint.
Base de l'œuvre
Faites trois copies de votre calque initial avec la photo, de manière à avoir 4 calques au total. Cachez le plus bas. Le calque caché est une sauvegarde au cas où vous voudriez tout recommencer ou si vous avez fait une erreur que seule l'image originale pourrait résoudre.
Maintenant, cachez les deux calques visibles du haut, de sorte que seul le troisième reste visible.
Nous avons besoin de cela pour voir l'effet que nous allons appliquer au calque. Ouvrez l'onglet Modifier et trouvez la fonctionnalité Lissage intelligent.
La fonctionnalité elle-même est destinée à lisser les artefacts et les imperfections des images basse résolution agrandies. Mais j'ai découvert que, si elle est utilisée correctement, elle peut fournir un effet de peinture distinct, similaire aux filtres artistiques. Je l'utilise donc dans certaines de mes œuvres depuis.
Dans la fenêtre apparue, vous devrez cocher l'option Supprimer le bruit (elle traitera un nettoyage supplémentaire de votre image du bruit et des plus petits détails), et définir l'intensité de l'effet sur Fort. Avec de telles préférences, les textures et les éléments de l'image s'éloigneront du réel et ressembleront davantage à une peinture. Découvrez cette comparaison « avant et après » :
Dessin au trait réalisé en une minute
Vous pouvez maintenant démasquer le deuxième calque, celui qui se trouve juste au-dessus de celui que nous venons de lisser. Comme je l'ai mentionné au début du guide, nous utilisons la version EX de Clip Studio Paint, et nous allons maintenant utiliser sa fonctionnalité unique. Même si vous utilisez une disposition par défaut de l'interface, vous la trouverez au-dessus de la liste des calques, dans la fenêtre Propriété du calque. Cliquez sur l'icône Extraire la ligne lorsque le calque récemment démasqué est sélectionné.
Cette fonctionnalité analyse le calque et le transforme en une image monochrome avec toutes les lignes de contour extraites. Pour le dire simplement, elle transforme n'importe quelle image et même n'importe quel calque d'objet en leurs versions de dessin au trait.
Mais il est très peu probable que vous obteniez un résultat parfait tout de suite. Une fois que vous avez activé la fonction, de nouveaux curseurs et boutons apparaîtront en dessous. Revenez-y et définissez la Précision sur le préréglage le plus élevé. Ensuite, vous devriez jouer avec les curseurs Remplissage noir, Largeur de ligne et Seuil de contour. Leurs paramètres dépendent vraiment de votre photo : sa résolution, son contraste, sa luminosité, la quantité d'éléments complexes et petits, etc. Pour des images comme la mienne (la résolution est de 2268 x 4032), vous pouvez mettre le Remplissage noir à 20, la Largeur de ligne à 0 et le Seuil de contour à 100, ou des valeurs similaires. Ces chiffres m'ont semblé optimaux pour mes besoins dans ce travail particulier.
Le curseur Remplissage noir régule la quantité et l'échelle des zones remplies de noir (les zones ombragées de la photo originale deviendront noires en premier). La Largeur de ligne contrôle l'épaisseur de toutes les lignes. Et le curseur Seuil de contour régule essentiellement la « propreté » de votre image par rapport aux plus petites lignes et textures.
L'extraction de lignes possède également plusieurs autres fonctionnalités, mais elles ne sont pas pertinentes pour nous dans ce type de travail.
Et maintenant que notre calque est beaucoup plus propre et ressemble même un peu à une page de manga, laissez-moi répondre à votre question : « Pourquoi faisons-nous cela ? »
Puisque nous visons un style similaire aux arrière-plans d'anime, j'ai identifié plusieurs facteurs clés qui mettraient en évidence la sensation nécessaire de l'œuvre. Le lissage intelligent nous a aidés à en réaliser un. Et ces lignes créeront un effet d'une œuvre d'art créée de manière plus traditionnelle, avec un dessin au trait qui a ensuite été mis en couleur. De plus, ces lignes nous éloigneront encore plus de l'aspect réaliste de l'image.
Pour voir l'effet dont je parle, réglez la préférence du calque sur Multiplier pour supprimer le blanc uni.
Nous avons utilisé la photo originale pour l'extraction des lignes et non la photo lissée afin d'obtenir les lignes les plus précises possible. Les lignes de la photo lissée ne seraient pas assez précises pour conserver l'effet recherché. Cependant, si elles vous semblent trop dures et strictes (ou s'il reste trop de « points » noirs sur la toile), vous pouvez utiliser en plus le Lissage intelligent sur le calque de ligne avec une intensité réglée sur Faible, ce que j'ai fait pour celui-ci.
Brume atmosphérique
N'importe qui trouverait l'aspect actuel de l'image trop désordonné et contrasté, nous devons donc compenser cela.
Si vous avez déjà prêté attention aux arrière-plans d'anime, la plupart d'entre eux présentent cette légère brume, particulièrement perceptible sur les bords entre des objets contrastés (comme les bâtiments et le ciel). Ce petit détail est crucial car il unit tous les objets du cadre sous un seul accent atmosphérique compositionnel, il aide le créateur à montrer l'interconnexion de tout et la présence de tous les éléments dans un même monde.
Pour ajouter cette brume atmosphérique, démasquez le calque supérieur et changez sa préférence de calque en Écran (cela permettra aux deux autres calques que nous venons de terminer d'être visibles à travers le calque supérieur et compensera les niveaux de l'image). Ensuite, allez dans Filtre → Flou → Flou gaussien… L'intensité du flou que vous devez définir maintenant dépend de la résolution de votre toile. La mienne, encore une fois, était de 2268 x 4032. Et une intensité de 12 me convenait parfaitement.
Et maintenant, nous avons ce résultat avec une comparaison directe sur un exemple des feuilles :
Retouche manuelle
Et avec cela, les préparatifs de base sont terminés ! Nous sommes maintenant prêts à passer au travail manuel sur l'image ! Le travail manuel est différent dans chaque cas. Parfois, vous devriez faire des choses que vous n'avez pas faites dans le projet précédent, et vice versa. Vous ne devriez pas avoir peur si quelque chose manque dans votre photo qui est présent dans la mienne. N'hésitez pas à modifier ces choses d'une manière similaire à la façon dont je modifie celles présentes dans la mienne.
Herbe
L'herbe près du bâtiment dégageait encore cette « ambiance de vraie photo », j'ai donc dû la modifier. Aucune technique compliquée ni connaissance approfondie de Clip Studio Paint n'est requise. Désactivez les deux calques de correction (ceux en mode Écran et Multiplier), et créez un nouveau calque au-dessus de celui qui reste visible.
Dans ce nouveau calque, vous devez peindre une nouvelle herbe. Choisissez simplement n'importe quel pinceau à herbe que vous possédez, qu'il s'agisse d'un pinceau par défaut, d'un pinceau trouvé dans Clip Studio ASSETS ou d'un pinceau que vous avez créé vous-même. Ma préférence va généralement au pinceau par défaut Prairie disponible pour tous les utilisateurs de CSP. C'est un simple motif de brins d'herbe qui donne un effet agréable.
Maintenant, tout ce que vous avez à faire est de prélever constamment des nuances de l'herbe originale et de dessiner la nouvelle dans le nouveau calque vide.
Vous n'avez pas besoin de changer constamment de calque pour obtenir une nouvelle nuance d'herbe. Assurez-vous simplement que votre Pipette est réglée sur la préférence Obtenir la couleur d'affichage et elle capturera n'importe quelle nuance sur la toile même si vous êtes actuellement sur un calque vide.
Continuez à étaler la nouvelle herbe jusqu'à ce qu'elle couvre plus ou moins toute l'herbe originale. Lorsque vous estimez en avoir ajouté suffisamment, vous pouvez également utiliser le lissage intelligent sur la nouvelle herbe pour qu'elle s'harmonise mieux avec le reste de l'image. Mais cela dépend du pinceau à herbe que vous avez choisi. Si vous utilisez celui que j'ai utilisé, je vous recommande d'utiliser le Lissage intelligent avec une intensité Forte, car la texture de ce pinceau est plutôt rugueuse et contient de nombreux petits traits en son cœur. Lorsqu'il y en a beaucoup au même endroit, ils peuvent paraître beaucoup trop nets s'ils ne sont pas lissés.
Ce sera la base de notre herbe. Nous y apporterons quelques modifications supplémentaires plus tard, mais elle peut être laissée telle quelle pour l'instant.
Textures retravaillées
Ensuite, nous devons examiner les textures des objets dans le cadre. Rappelez-vous : nous devons nous éloigner du réalisme et atteindre un effet semi-réaliste qui nous permettrait d'utiliser l'art final dans l'animation ou comme couverture, par exemple. La façon dont les textures de vos photos sont présentées peut révéler beaucoup de choses inutiles.
Démasquez tous les calques que nous avons modifiés et réglez la Pipette sur Prélever la couleur du calque afin qu'elle ne prenne que les nuances du calque sur lequel vous vous trouvez actuellement.
Choisissez le calque Normal avec la photo que nous avons lissée au début. Vous devriez examiner attentivement l'image entière et voir où les textures semblent encore trop réalistes. Choisissez le pinceau texturé que vous préférez — de préférence celui qui peut imiter les coups de pinceau à l'huile, mais suffisamment complexe pour voir les « imperfections du pinceau ». Voici ceux que j'ai choisis (avec mes remerciements à leurs auteurs, たま★にゃん et gyuukotu respectivement) :
Comme vous pouvez le voir, ils sont un peu inhabituels.
L'idée est de peindre par-dessus l'image existante là où c'est nécessaire. Vous pouvez littéralement laisser libre cours à votre imagination et choisir le pinceau que vous aimez. Dessinez avec de grands et de petits coups de pinceau. N'ayez pas peur. Prenez simplement une nuance de l'endroit que vous êtes sur le point de peindre et faites votre affaire. Votre objectif est d'ajouter une légère imitation de la peinture réelle à l'image. Votre cible est les textures qui semblent trop réalistes.
Pendant que vous faites cela, vous pouvez également accentuer les ombres de contact entre les objets. Le style anime a tendance à être plus dramatique et contrasté, alors n'hésitez pas à ajouter ces aspects à votre travail. Vous pouvez même choisir des nuances différentes de celles présentes sur la toile, et prendre des couleurs pour les ombres qui sont plus foncées que l'ombre réelle de la photo.
Voici les principaux conseils pour cette étape. Si vous souhaitez voir chaque coup de pinceau que j'ai fait pendant celle-ci, veuillez regarder la version vidéo du guide, elle présente une partie speedpaint de cette étape. Et pour mes lecteurs, veuillez jeter un œil aux captures d'écran avant et après l'étape de peinture.
Je n'ai pas appliqué de grands coups de pinceau car la composition contient beaucoup trop de petits détails comme des fils, des débris, des fissures, des blocs de pierre, etc. J'ai donc principalement concentré mon attention sur la texture de chaque objet et les ombres de contact.
Quelques conseils supplémentaires pour cette étape :
1. S'il y a un objet long comme des piliers, des murs, etc., ajoutez-y un dégradé de clair-obscur. Pour faire simple, ajoutez un dégradé avec une ombre qui passe très doucement à une teinte plus claire. Cela ajoutera du volume à l'objet.
2. La personnalisation des feuilles vous appartient. Je n'ai pas modifié les arbres ici, leur base restera la même jusqu'à la fin. Vous pouvez toujours utiliser des pinceaux texturés comme pour l'herbe à l'étape précédente, mais c'est à vous de voir.
Ombres géométriques
Nous arrivons enfin aux étapes qui sont, peut-être, les plus frappantes en termes de changements visuels. Les étapes clés pour les ambiances d'arrière-plan d'anime, la stylisation et la création de l'atmosphère générale de la composition. Ombre et lumière. Nous commençons par la première.
Cette étape est relativement simple. Le plus difficile est de décider de la position et de l'angle de la ou des sources lumineuses. Une fois cela fait, vous créez un nouveau calque avec la préférence Multiplier et le placez au-dessus de tout le reste.
Vous avez maintenant deux options : la première est de choisir une nuance relativement claire pour vos ombres. Plus la nuance que vous choisissez est proche du blanc pur, moins elle est visible dans un calque en mode Multiplier. Tandis que le noir pur agirait simplement comme une peinture normale et recouvrirait votre image, cela ne fonctionnera pas — vous avez donc besoin de quelque chose entre les deux.
L'autre option est de baisser l'Opacité de votre calque et de procéder avec la nuance que vous souhaitez : du noir pur à quelque chose de très proche du blanc. Je préfère cette méthode car elle me permet de réguler facilement l'intensité de l'ombre si nécessaire, et laisse une plus grande partie de la palette de couleurs à mon utilisation.
J'utilisais donc une nuance de bleu foncé et désaturé avec un calque d'opacité de 60%.
Vos amis sont maintenant l'Aérographe doux et l'instrument de Sélection en polyligne. Si vous voulez ajouter une ombre géante qui couvre la majeure partie de votre composition, augmentez simplement la taille du pinceau et ajoutez-la. Et si vous avez besoin de couvrir des éléments séparés plus petits dans la même ombre, vous pouvez soit augmenter la Dureté de l'aérographe dans ses paramètres, soit choisir un pinceau plus net.
Mais parfois, la géométrie des éléments de votre composition peut se chevaucher ou chevaucher d'autres éléments. Dans de tels cas, utilisez la Sélection. Je préfère la sélection en polyligne mentionnée, mais, honnêtement, n'hésitez pas à utiliser n'importe laquelle des options disponibles. Assurez-vous simplement de bien délimiter la géométrie, puis ajoutez des ombres dans la zone sélectionnée afin qu'elles semblent naturelles dans le cadre.
Maintenant, commencez à étendre l'ombre sur l'endroit jusqu'à ce que vous soyez satisfait~
Avant de montrer l'avancement jusqu'à présent, je souhaite préciser une chose. Lors de la prochaine étape, je vais appliquer quelque chose qui améliorera un peu la sensation de profondeur et de volume de la composition. Cependant, je recommande vivement de découper le ciel sur un calque séparé avant de continuer. Je ne vais PAS faire cela pour cette image, car les feuilles au premier plan sont trop complexes pour un travail manuel ici, et sélectionner chaque pixel de ciel entre elles n'est pas efficace. Je vais donc contourner cela avec une astuce. Mais si votre image a réellement un ciel « découpable », veuillez le faire pour votre propre commodité. Ne le cachez pas, laissez-le simplement sur un calque séparé.
Et maintenant, passons à l'astuce que j'ai mentionnée. Créons un autre calque en mode Multiplier au-dessus, réglons son Opacité à environ 30% et remplissons-le d'un dégradé. Le dégradé doit être constitué de la même nuance de bleu foncé en bas, et passer progressivement à la transparence vers le haut. Pour trouver le dégradé nécessaire, allez dans l'onglet Dégradé et choisissez la variante Premier plan vers transparent. Maintenant, il vous suffit de changer votre couleur principale pour que le dégradé change également.
Ajoutez ce dégradé à l'image entière, sans exception.
Maintenant, si vous avez découpé le ciel sur un calque séparé, placez simplement le dégradé en dessous. Mais si, comme dans mon cas, vous avez trop d'éléments qui ne vous ont pas permis de découper le ciel, vous devrez nettoyer manuellement la zone du ciel avec une gomme ou un pinceau transparent.
Source de lumière et effets
Et maintenant, il est temps de passer à la lumière ! Puisque nous observons une lumière traversant le trou du bâtiment, j'ai décidé qu'en faire une composition de coucher de soleil serait le bon choix. Et si vous faites du coucher de soleil une source de lumière clé de votre composition, il devrait normalement être une partie très lumineuse et vibrante de l'image. Regarder le coucher de soleil (ou toute lumière forte) rend les objets plus sombres moins clairs, et fait que les objectifs des appareils photo changent leur exposition afin que la lumière ne remplisse pas tout le cadre (l'appareil photo rend la scène beaucoup plus sombre pour garder tout plus ou moins visible). Mon exemple ci-dessous le montre en pratique. J'ai pris deux photos, sur l'une j'ai concentré l'appareil photo sur le soleil dans la version finale de mon œuvre, et sur l'autre je l'ai concentré sur la partie plus sombre du cadre, le pied du moniteur qui n'était pas éclairé. L'effet à droite est ce que je visais en créant l'œuvre.
Créez un nouveau calque en haut de votre liste et donnez-lui la préférence Ajouter (Lueur). Ensuite, vous devez choisir une nuance lumineuse similaire à celle de votre ciel. Le mien était d'une couleur vive et pratique, proche du blanc, alors c'est le blanc que j'ai choisi. Si votre ciel est bleu, orange ou de toute autre nuance, vous devriez vous en tenir à sa palette. N'oubliez pas que dans cette composition, lorsque nous faisons face au soleil, et que le reste du ciel est principalement masqué par des objets et de la végétation, vous n'avez pas vraiment besoin de beaucoup de détails comme des nuages. Vous pouvez même changer la couleur de votre ciel en blanc comme le mien, car avec l'exposition axée sur des éléments plus sombres, l'appareil photo essaie d'amplifier les informations qu'il reçoit et, ainsi, d'améliorer les détails vus dans les zones plus sombres. Ce qui fait que les zones plus claires comme le ciel sont éclaircies jusqu'à un état où elles pourraient devenir d'un blanc aveuglant.
Maintenant, contournez la zone de votre ciel et commencez à la remplir avec un aérographe doux. Plus précisément, dépassez légèrement les bords des objets qu'elle touche pour imiter la fuite de lumière. Cela liera les objets entre eux avec un volume atmosphérique supplémentaire. Laissez également quelques taches de lumière pointillées parmi les feuilles, pour accentuer les rayons lumineux qui passent à travers les parties vides entre elles.
Maintenant que la base de notre lumière est là, faisons-la briller. Littéralement. Créez un nouveau calque Densité couleur et choisissez une nuance qui représentera la couleur principale de votre source de lumière. J'ai choisi une nuance orange.
Maintenant, commencez à étendre de grands dégradés lumineux avec le même aérographe sur la même zone où votre ciel est visible. Mais cette fois, laissez-les pénétrer profondément dans les objets environnants. Agrandissez suffisamment le pinceau pour couvrir la zone en quelques coups seulement. Utilisez des touches légères, ne rendez pas la lumière trop intense. Ce devrait être un beau et léger dégradé depuis le centre du ciel et un peu dans les éléments qu'il entoure.
Maintenant, créez un autre calque Densité couleur et répétez le processus, mais agrandissez encore plus le pinceau et laissez la lumière couvrir les objets environnants encore plus loin. Mais cette fois, mettez l'Opacité du calque à des valeurs plus basses, comme je l'ai réglée à 21%. C'est un calque de support qui accentue la lumière que nous avons déjà et améliore sa connexion avec tous les autres éléments.
Retour à l'ombre
Maintenant, nous devons ajuster le contraste des ombres à l'intensité de la lumière. Créez un nouveau calque en mode Multiplier et placez-le sous les trois calques liés à la lumière que nous avons. Choisissez la même nuance de bleu foncé (ou celle qui vous convient) que nous avons utilisée pour les ombres précédentes. Réglez l'Opacité du calque à 50% et, avec un aérographe suffisamment grand, commencez à couvrir les zones d'ombres douces mais vastes selon leur géométrie.
La chose la plus importante maintenant est de mettre l'accent sur les zones qui, logiquement, devraient être les plus sombres. Et d'améliorer également le contraste avec la source de lumière.
Vous pouvez utiliser plus d'un nouveau calque Multiplier ici, car j'en ai également créé un autre avec les mêmes paramètres et l'ai utilisé sur les zones les plus éloignées ou les plus cachées du soleil.
N'oubliez pas les arbres cette fois-ci. Ajoutez de légères touches d'ombres à leurs amas de feuilles. Cela amplifiera l'effet du travail artistique et rapprochera l'impression qu'il dégage des exemples de style anime.
La partie de l'herbe plus proche du bâtiment a également été couverte d'ombre par moi, car c'est l'angle où elle devrait être projetée.
Mais la lumière est toujours là… En nous
Mais alors il y a ce trou tragique… Cela m'a rappelé que toute l'herbe ne devrait pas être couverte d'ombre, car toutes les parties du bâtiment ne sont pas présentes. J'ai donc supprimé l'ombre du coin opposé à la source de lumière. Ensuite, j'ai créé un calque avec la préférence Incrustation, et avec la même nuance orange, j'ai ajouté de doux coups de pinceau entre les zones claires et sombres de l'herbe. Un effet connu sous le nom de frange chromatique — la ligne colorée saturée sur le bord entre la lumière et l'ombre.
C'est vraiment subtil, car l'opacité du calque doit être réglée sur des valeurs plus faibles, mais cela a son effet. C'est cependant tout à fait facultatif, et relève davantage d'un choix stylistique.
Revenons maintenant au soleil. Nous avons besoin d'une dernière chose pour compléter son cœur. Créez un autre calque Ajouter (Lueur) et choisissez un grand aérographe. D'un rayon approximativement égal à celui de la lumière actuelle autour de votre soleil. Et faites un trait qui part du centre de la position de votre soleil et va vers le sol à l'angle que vous souhaitez (j'ai choisi quelque chose proche de 45°). Utilisez une couleur plus proche du rouge ou de l'orange si vous utilisez une gamme similaire à la mienne.
Maintenant, diminuez la taille du pinceau d'environ 30 à 50 % et choisissez une nuance plus proche du jaune. Répétez ensuite le trait à la même position et au même angle, mais avec le pinceau plus petit et la couleur changée (rendez-le légèrement plus court). Une fois cela fait, diminuez la taille encore plus et rendez la couleur plus lumineuse, à mi-chemin vers le blanc, et ajoutez un autre trait qui est également un peu plus court. Et enfin, diminuez le pinceau encore une fois et prenez la couleur blanc pur. Ajoutez le dernier petit trait blanc au cœur du soleil. Cela créera un rayon volumétrique et le soleil lui-même. Nous devions commencer par des nuances de rouge à plus grande échelle et passer à des couleurs jaunes et blanches plus lumineuses, car c'est ainsi que la diminution de la couleur fonctionne dans la vie réelle : plus on s'éloigne de la source de lumière, plus la nuance de la lumière se déplacera sur la palette jusqu'à ce qu'elle se dissolve. Un bon conseil de théorie des couleurs à noter.
De la même manière, vous pouvez ajouter de petits rayons traversant les feuilles. Mais c'est facultatif et je ne recommande pas de les rendre trop visibles.
La nouvelle herbe
En regardant l'ensemble de l'œuvre, j'ai remarqué qu'elle semblait encore un peu plate. Pour améliorer cet aspect, j'ai eu recours à une technique assez simple mais efficace. J'ai ajouté une herbe en couches dans le coin opposé à la source de lumière. C'est une technique de composition populaire et facile à utiliser.
Pour les préparatifs, j'ai créé un calque en mode Densité couleur et, oui, avec le même aérographe, j'ai couvert l'herbe qui est au soleil de lumière. Ce n'est pas LA technique que j'ai mentionnée, mais cette action seule rend déjà le tout plus riche et fait que l'herbe éclaircie s'accorde mieux avec le reste de la composition.
Ensuite, créez un nouveau calque Normal et placez-le sous celui en mode Densité couleur avec lequel nous venons de travailler. La technique de l'herbe en couches est honnêtement très simple. Tout ce dont vous avez besoin est de choisir un pinceau à herbe texturé (un, deux ou plusieurs — peu importe) et de commencer à ajouter des couches d'herbe les unes sur les autres. Commencez par la nuance la plus claire. Assurez-vous de choisir les couleurs qui correspondent à la gamme de l'œuvre. N'oubliez pas que nous créons un « premier plan » de l'herbe, donc la texture devrait être plus grande que l'herbe que vous avez déjà de la photo (le cas échéant). Lorsque vous avez ajouté la première portion d'herbe claire, choisissez une nuance plus foncée qui est suffisamment proche de la couleur précédente, et agrandissez un peu la texture du pinceau. Répétez le processus. Puis encore et encore, en rendant constamment la texture plus grande et la couleur plus foncée. Quatre à cinq couches devraient suffire. La couche d'herbe la plus proche de l'appareil photo devrait être la plus foncée et contenir la plus grande texture d'herbe.
Le pinceau à herbe que j'ai utilisé s'appelle 稲科ブラシ et a été créé par 彁. Il fait partie de leur ensemble que vous pouvez consulter ici :
Veuillez consulter le processus dans les GIF joints ou la version vidéo du guide si vous avez besoin d'un support visuel pour la description.
Dernières retouches
Le travail est presque terminé, nous n'avons plus qu'à ajouter quelques détails pour finaliser la stylisation. Ayant déjà considéré les lentilles et l'exposition, j'ai également décidé d'ajouter un léger effet bokeh autour des zones lumineuses. J'ai utilisé un pinceau Bokeh (Lointain) du Jeu de pinceaux Bokeh (Bokehブラシセット) de chudyshoujo :
Tout ce que j'ai fait, c'est de placer de grosses particules de bokeh sur un calque séparé en mode Ajouter (Lueur). J'ai utilisé le blanc comme couleur principale pour celles-ci, mais vous pouvez aussi choisir la même nuance que celle que vous avez utilisée pour la lumière et les rayons. Vous êtes libre de régler l'opacité de ce calque.
Ensuite, j'ai créé un autre calque en mode Ajouter (Lueur) et j'ai choisi le pinceau par défaut Jet de couleur courant avec des particules, vous pouvez le trouver dans l'ensemble de pinceaux Aérographe, il est également préinstallé pour tous les utilisateurs de Clip Studio Paint. J'ai parcouru les zones de fuite de lumière et j'ai ajouté les particules. C'est un choix purement artistique, sans imitation d'objectif ou quelque chose de similaire. Physiquement parlant, il pourrait s'agir de particules de poussière ou d'insectes volants. Mais, honnêtement, tout ce que je peux ressentir en eux, ce sont… des âmes.
Mais, de toute façon, même du point de vue compositionnel, ils ajoutent du volume et de la profondeur à l'espace de votre œuvre, alors envisagez de les ajouter ou d'autres petits éléments chaotiques comme des feuilles qui tombent ou des gouttes de pluie. Il est préférable de modifier la taille des particules plusieurs fois pendant que vous les ajoutez pour une sensation plus naturelle de la présence de cet élément dans le cadre — pour souligner la différence de leur taille et de leur distance par rapport à la « caméra ».
OPTIONNEL : Implémentation du bruit
L'ajout de bruit n'est pas obligatoire. Il est essentiel dans certains cas spécifiques, par exemple lorsque vous essayez d'obtenir un effet ou un style très concret, mais à moins que ce ne soit votre objectif dès le début, c'est à vous de décider de l'ajouter ou non. Je préfère mes œuvres avec un léger bruit, donc je l'ai ajouté. Habituellement, j'utilise un ensemble d'images pré-fabriquées contenant une texture de bruit, j'ai des variantes monochromes et colorées, mais en les appliquant, je n'ai pas aimé l'aspect qu'elles ont donné dans ce cas. J'ai donc créé une autre version de bruit avec l'instrument intégré de Clip Studio Paint. Et je vais vous apprendre à créer n'importe quel type de bruit dont vous pourriez avoir besoin !
Créez un nouveau calque au-dessus de tous les autres. Allez ensuite dans Filtre → Rendu → Bruit de Perlin.
Le calque sera rempli d'un motif de bruit, mais nous devons l'ajuster. Avec la fenêtre qui s'affiche devant vous, vous pouvez créer toutes sortes de bruits. Je n'examinerai pas toutes les variantes d'utilisation possibles et me concentrerai uniquement sur ce qui est nécessaire actuellement. Mais vous êtes libre de jouer avec les curseurs à votre guise pour atteindre l'effet nécessaire à vos cas uniques.
Le motif initial ne représentera pas un bruit de caméra.
Nous devons l'ajuster. Les trois premiers curseurs (Échelle, Amplitude et Atténuation) suffiront pour l'instant. Le premier régule la taille des amas de bruit. Pour une résolution proche de la mienne (2268 x 4032), je recommande de régler ce paramètre à 2.0. Selon votre résolution, vous pouvez choisir des nombres de 1.0 à 3.0, c'est mon échelle recommandée.
L'Amplitude et l'Atténuation concernent davantage la gamme de nuances représentées dans le bruit, et le contraste entre elles. C'est une partie plus subjective, mais j'aime l'aspect que le bruit prend avec une Amplitude à 2.0 et une Atténuation à 0.03. Un ensemble de paramètres pour un bruit contrasté.
Après cela, il suffit de changer la préférence du calque en Incrustation et de baisser l'Opacité. Le niveau d'opacité que j'ai défini pour le calque de bruit varie de 10 à 25 selon la façon dont il se comporte dans chaque œuvre. Pour celle-ci, je me suis arrêté à 15. Vous pouvez revenir en arrière et recréer le motif de bruit autant de fois que vous le souhaitez. Vous pouvez même le rendre coloré si vous lui appliquez une carte de dégradé arc-en-ciel/coloré (Édition → Correction tonale → Carte de dégradé), mais je ne l'ai pas fait cette fois-ci, donc seulement un conseil verbal pour l'instant.
Après cela… reposez-vous pendant environ une heure. Laissez vos yeux se détendre et « oublier » la toile. Ainsi, vous pourrez y revenir et la critiquer avec un regard neuf. Jetez un œil à l'ensemble de l'œuvre et assurez-vous d'apporter les corrections finales : nettoyez les coups de pinceau désordonnés, ajustez certains calques de correction, etc. Nettoyez-la, pour ainsi dire.
L'Espoir
Ce fut une… expérience compliquée de travailler avec cette photo. Mais j'ai essayé de rendre ce guide aussi léger que possible en termes d'ambiance. Oui, cette image… Son âme, son essence est ce à quoi ma famille doit faire face tous les jours ici, et nous ne sommes pas dans la pire situation possible à l'heure actuelle.
Mais, vous savez, quand j'ai montré ce travail à mon père qui nous protège tous actuellement sur la ligne de front, il a dit que ce qu'il voyait dans cette œuvre, c'était l'espoir. Ses mots m'ont vraiment touché le cœur. Et je l'ai ressenti aussi, grâce à lui. Alors, pour honorer mon père, j'ai appelé cette œuvre « L'Espoir ».
S'il vous plaît, soyez en sécurité. Soyez créatifs. Et restez humains. J'espère que mon œuvre et mon guide vous inspireront à créer quelque chose de beau et de paisible.
Merci de votre temps, et je vous souhaite une grande inspiration !
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