Introduction

Bonjour à tous, je souhaite la bienvenue aux anciens et nouveaux utilisateurs de CSP comme moi-même, et si vous ne me connaissez pas, je m'appelle Daniel, mais mes amis artistes comme moi m'appellent et me connaissent sous le nom d'Ado_draw.

Dans le cours d'article du didacticiel d'aujourd'hui, je montrerai les différentes choses que je considère et que je fais pour pouvoir créer une œuvre d'art de peinture à l'huile pas si parfaite mais bonne.

Et l'article s'intitule :

5 conseils pour créer une bonne pièce maîtresse de peinture à l'huile numérique.

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Maintenant, qu’entendez-vous par dessiner ou peindre [?]

 

Parce que pour moi, avant de me lancer dans quoi que ce soit, je voudrais toujours connaître sa fonction et ses implications.

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Cette question ci-dessus peut en avoir avant ou même au fur et à mesure de la progression de ce didacticiel. Je veux donc d'abord que nous brisions la glace.

 

Maintenant, quand on parle de dessin ou de peinture,

Les deux sont des formes d’expression visuelle et peuvent toutes deux être considérées comme des formes d’art, mais la principale différence est que le dessin est un processus qui se fait avec un crayon ou un stylo, et la peinture se fait avec un pinceau ou un pot de peinture.

 

Ou nous pouvons aussi dire que la peinture consiste généralement à appliquer de la couleur sur une surface en utilisant des médiums comme l'huile, l'aquarelle ou l'acrylique. Cela permet souvent une plus large gamme d’expression, de profondeur et de texture.

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Le dessin, quant à lui, consiste généralement à créer des lignes et des formes à l’aide de crayons, de fusain ou d’encre.

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Dans cet esprit, je voudrais souligner ou résoudre les problèmes ci-dessous avant de commencer correctement,

 

QUESTION:

[ Est-il approprié de commencer ma peinture à l'huile ou ma peinture en général par une esquisse ? ] 🔸 🔸 🔸

REMARQUE 🔹 que ce n'est pas un tabou lorsque nous esquissons grossièrement ou esquissons rapidement la forme du sujet avant de peindre ; parce que c’est ainsi que la peinture est réalisée dans le format traditionnel.

 

 

Et faire ce processus ne rend pas quelqu'un faible ou paresseux en art, cela construit seulement la base sur laquelle votre peinture est formée, et je conseille aux débutants d'utiliser principalement cette méthode qui rend les choses plus faciles, mais chaque fois que vous vous sentez qui ont suffisamment grandi, vous pouvez alors commencer directement à essayer de peindre sans le croquis approximatif comme le font la plupart des artistes.

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1. Faites un choix sur les ensembles de pinceaux secondaires à utiliser

En tant qu'artiste, qu'il s'agisse d'un artiste numérique ou d'un artiste traditionnel ; nous savons que les pinceaux se présentent sous différentes formes, comme par exemple, quand nous disons :

 

 

je. Forme d'un pinceau (sous-outil),

Les pinceaux ont la forme régulière habituelle telle que le carré, le cercle (ou le rond) et enfin le triangulaire,

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Maintenant, dans CLIP STUDIO PAINT (CSP), ces trois ensembles de pinceaux sont ensuite manipulés pour créer d'autres ensembles de pinceaux que j'appellerai pour l'instant « Pinceaux de formulaire ».

 

 

ii. Formes d'un pinceau (sous-outil),

Il peut s'agir soit de la pointe ronde d'un pinceau, qui a été personnalisée pour comporter de petits trous, soit de la forme ronde qui s'étire pour ressembler à une sphère, soit du bord extérieur flou du rond, etc.

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Ou pour la pointe du pinceau de forme carrée,

il s'étire pour ressembler à une forme rectangulaire ou il est légèrement plié pour paraître courbé,

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Ou pour la pointe du pinceau de forme triangulaire,

Sa forme peut également s'étirer pour apparaître comme un triangle à angle droit ou la création de petits points de forme triangulaire pour donner une sorte d'apparence d'éponge.

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Tous les éléments mentionnés ci-dessus sont quelques-unes des façons dont la pointe des pinceaux apparaît.

 

Maintenant, la raison pour laquelle nous avons besoin d'avoir une bonne clarté à ce sujet est que, pour créer son style unique d'œuvre d'art, une pièce maîtresse, il doit connaître les outils qu'il utilise et comment ils peuvent être réglés. pour convenir à votre travail ;

RÉFÉRENCE:

Comme dire "un bon samouraï a besoin de connaître son épée ou quand et comment l'aiguiser" ou "un enseignant a besoin de connaître ses élèves, de savoir comment leur enseigner efficacement"

Ceci dit, cela nous amène ensuite à l’aspect suivant.

 

 

2. Connaître le secret du fonctionnement des pinceaux.

Il s'agit de différents ensembles de pinceaux dans CSP, mais certains sont utilisés pour la peinture, certains comme les peintures acryliques, les aquarelles, les pastels ou le graphite qui peuvent être utilisés à différentes fins comme le remplissage, les détails, la texture, le flou ou même le maculage.

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Ces différents pinceaux ont tendance à avoir leurs propres paramètres uniques qui leur permettent de faire ce qu'ils font, et savoir comment ils fonctionnent vous aidera également, par exemple si vous souhaitez ajuster leurs paramètres. Voyons-les,

+ Pour les pinceaux de remplissage

Maintenant, disons que nous avons une allumette de croquis et que nous devons la remplir, ainsi les réglages des pinceaux à l'huile CSP qui peuvent faire le travail, ils le sont,

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+ Pour les pinceaux de peinture texturante

+ Pour les pinceaux de peinture de détail

+ Pour les pinceaux flous

+ Pour les pinceaux à maculer

3. Processus à garder à l’esprit lors de la peinture à l’huile en CSP

Le processus ou l'étape ci-dessous, que vous pourriez appeler, sont les différentes choses que je prends en considération ou que je fais pour améliorer mon processus de peinture, que ce soit (peinture à l'huile ou peinture en général).

 

 

je. Choisissez et connaissez le sujet

Choisir ou connaître son sujet est un facteur important que nous ne pouvons pas négliger ou exclure. Cet aspect implique que nous apprenions ce qui suit :

 

- La nature de ce que l'on peint (est-ce un personnage ou un objet).

 

- Les diverses couleurs nécessaires à la peinture. 🔸 🔸 🔸

- Et enfin, notez l'émotion que vous essayez d'exprimer aux téléspectateurs. 🔸 🔸 🔸

ii. Utiliser une photo de référence

Comme nous l’avons peut-être entendu à maintes reprises, avoir des références est important et le processus existe depuis très longtemps. Sachez donc qu'avant même de pouvoir commencer à tracer la grande esquisse de l'œuvre d'art, nous devons avoir de bonnes références qui dénotent le type d'expression dynamique que nous voulons que notre silhouette ait, les différents types de couleurs à ajouter et bien plus encore. ne vous attardez pas sur l'idée que vous avez juste besoin d'une référence, utilisez plusieurs références pour améliorer ce que vous voulez montrer à vos téléspectateurs.

 

Mais,

REMARQUE 🔹 ne jamais utiliser de référence comme votre œuvre ni la tracer et la publier, vous pouvez retracer votre référence pour mieux comprendre la façon dont le créateur a fait sa proportion et plus encore, mais je ne vous conseille pas de la publier. je crois qu'il s'agit d'un droit d'auteur sur le travail des créateurs

 

 

iii. Réaliser des croquis miniatures

Cet aspect « miniature » peut sembler sans importance pour la plupart, mais c'est un processus formidable que j'ai trouvé très important au cours de l'année. Cet aspect aide à montrer le format dans lequel l'apparence finale du travail de peinture sera, et ce processus peut être effectué en montrant plusieurs aspects (position en perspective) de la scène, comme prendre les exemples ci-dessous ;

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Gardez à l’esprit que ce processus n’est pas l’œuvre que vous montrerez finalement aux spectateurs, on peut librement élaborer les différentes idées dans notre tête tout en respectant le temps en peignant grossièrement l’œuvre comme le montre l’image ci-dessus.

 

 

4. Processus de peinture à l’huile :

À ce stade, nous pouvons maintenant commencer par l'utilisation ou la mise en œuvre de ce qui précède, pour démarrer le processus de peinture à l'huile de notre dernier article du didacticiel sur la peinture à l'huile.

 

Comme je l'ai mentionné précédemment, nous devons connaître le sujet ou l'objet que nous voulons dessiner et avoir une bonne référence. Cela dénote la structure très similaire de la figure, le positionnement et même la perspective avec laquelle vous souhaitez peindre la figure, ce qui pour ce tutoriel. Je vais dessiner un [Stylet Wacom] et voici ci-dessous quelques références d'un objet très similaire (une image d'un crayon et d'un stylet pour iPad).

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je. Faire un croquis au crayon du sujet

Bloquez rapidement la forme lourde du sujet avec une référence très similaire déjà en place, comme par exemple la forme extérieure du sujet,

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Sur cette note, nous pouvons maintenant,

 

 

ii. Ajouter d'autres calques

Dans cet aspect, nous utilisons à notre avantage la disponibilité des couches CSP ; car lorsque l'on peint de manière traditionnelle, nous sommes limités à peindre sur un seul plan en papier, mais en peinture numérique, nous avons le luxe de plusieurs couches (ou papiers) sur lesquelles nous pouvons peindre librement.

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iii. Proportionnalité

Ceci ne peut pas être surmonté, car il s'agit en grande partie de la relation entre la taille d'un élément par rapport à un autre dans une scène. Lorsque l’on dessine ou peint de manière réaliste, les proportions sont importantes. Si les proportions sont incorrectes, l'image résultante paraîtra moins réaliste ou abstraite.

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Alternativement, les artistes peuvent utiliser les proportions pour obtenir un effet, en donnant à leur travail une sorte d'étirement ou d'allure allongée,

 

comme le stylet a l'air plié et élastique comme des matériaux mais ne l'est pas dans la vraie vie, ou un autre exemple est le personnage qui tend la main pour porter le stylo qui, du point de vue de l'angle, donne à la main l'apparence d'un étirement ou main de personne gigantesque.

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Pour obtenir ce type d'effets, il faut utiliser des lignes de grille et courber certains des [axes x et y] créant plusieurs points d'interception comme indiqué ci-dessous,

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En regardant de près les différentes interceptions, nous remarquerons que chacune varie différemment en raison de la forme naturelle des objets ou des sujets, certains étant de forme ronde ou carrée,

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Maintenant, lorsque nous examinons la proportionnalité des différents objets et sujets dans l'image que l'on a créée, nous avons tendance à remarquer que les lignes des axes x et y sont incurvées depuis la pointe du stylet jusqu'au bas de l'image. Un stylet et le même processus peuvent également être utilisés sur le personnage, lui donnant ses différents looks.

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iv. Disposer l'arrière-plan

La pose d'arrière-plan a tendance à se faire de différentes manières en fonction de l'artiste, par exemple, certains artistes aiment peindre leur arrière-plan avant de déplacer la figure, tandis que d'autres artistes aiment ajouter leur arrière-plan à la fin de l'œuvre.

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Mais pour ce tutoriel d'aujourd'hui, j'aimerais que nous construisions le travail de peinture à l'huile de l'œuvre d'art en commençant par l'arrière-plan jusqu'à la figure.

 

Maintenant, avant de concevoir l'arrière-plan, nous devons d'abord considérer l'aspect suivant,

v. Texturation

Il s'agit d'un processus appliqué aux modèles pour fournir des surfaces réalistes, et c'est également une configuration permettant de créer de la profondeur et de l'effet.

Il est fortement conseillé d'utiliser des textures lorsque vous souhaitez peindre, car une surface plane sans textures peut sembler irréaliste et un style similaire à celui indiqué pour les deux images distinctes ci-dessous,

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Car même dans la vraie vie, la plupart des choses ne sont pas lisses, la raison pour laquelle j'ai dit la plupart des choses est que, lorsque certains objets ou choses ont une surface lisse comme un acier inoxydable par exemple tandis que d'autres ont une surface rugueuse comme celle d'un rocher pour exemple.

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J'aimerais que vous sachiez qu'il existe deux manières d'appliquer des effets de textures, l'une par effet de pinceau et l'autre par effet de calque, comme clairement indiqué ci-dessous.

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En gardant à l'esprit comment on s'appliquait alors chacun.

 

 

• Pour l'ajout d'effets de textures à un pinceau,

Nous pouvons ajouter des effets de texture à nos pinceaux sous-outils en localisant d'abord le pinceau que nous voulons comme pinceau de texture. Pour ce tutoriel, j'utiliserai le pinceau à l'huile, cliquez sur [Propriété de l'outil], dans le tableau de bord. est l'icône [détails du sous-outil], cliquez dessus, un autre tableau de bord apparaîtra avec différentes options, sélectionnez celui de [Texture],

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Maintenant que nous sommes dans les paramètres [Texture], nous pouvons alors ajuster les paramètres à ce que nous voulons et pour ce tutoriel, j'utiliserai simplement les paramètres de texture d'image ci-dessous.

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Et avec cela, nous avons terminé l'ajout de textures à notre pinceau sous-outil, vous pouvez également l'essayer sur d'autres pinceaux, et en regardant dans l'image ci-dessous se trouve l'application du pinceau sous-outil nouvellement créé.

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Si vous souhaitez plus d'études sur la façon d'ajouter de la texture à votre pinceau, vous pouvez essayer d'autres articles intéressants d'autres artistes comme moi sur le site de conseils CSP, mais vous trouverez ci-dessous quelques liens.

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Maintenant,

 

 

• Pour ajouter des effets de texture sur le calque,

Tout ce que nous avons à faire est d'abord d'avoir l'image à laquelle nous voulons ajouter la texture à un seul calque. Pour le didacticiel d'aujourd'hui, j'utiliserai l'image d'une allumette brûlante de peinture.

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Maintenant, dans le canevas CSP, cliquez sur l'icône [matériau] qui se trouve sur la barre de palette à gauche du paramètre de fenêtre par défaut CSP indiqué (1), cliquez sur [textures monochromatiques] indiqué (2 ), puis faites glisser l'effet de texture sur la toile indiquée (4), pour ce tutoriel, j'utilise le [faux bois] indiqué (3) pour donner à l'allumette un aspect bois,

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AVIS

Comment dans l'image ci-dessous, le tableau de bord [Couche] indiqué (1), un calque d'image a été créé pour l'effet de texture monochromatique ajouté indiqué (2), et avec l'ajout de texture ajouté, l'allumette peinte ressort de manière plus unique. 🔸 🔸 🔸

L'apparence finale de l'allumette après l'ajout d'effets de texture.

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Une fois ce qui précède fait,

vi. Définir la forme et ses couleurs de base

La première chose que je fais sur mon [image du stylet Wacom] pour définir les différents sujets et objets de la scène est d'ajouter librement les couleurs de base de l'œuvre d'art entière en utilisant un affichage approximatif des couleurs mais en plaçant les différentes couleurs nécessaires là où elles sont. sont censées être et peu importe à quoi cela ressemble à ce moment-là, le général consiste simplement à définir où les différentes couleurs désignées vont être placées et à en rester là, en gardant les choses simples.

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Passons à l'aspect de la définition et de la présentation des formes de la figure dans l'image, telles que la zone d'ombre, les zones de demi-teintes et la zone de lumière, comme le montre l'image ci-dessous,

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Maintenant, pour savoir comment l'étape ou l'aspect ci-dessus de l'image du stylet Wacom s'assemble ou est peinte pour devenir ce que vous voyez ci-dessus, nous devons également considérer un autre concept appelé :

vi. Valeurs et forme

En tant qu'[artiste débutant] en bref, ne confondez pas Forme et valeur, veuillez noter qu'il s'agit de deux concepts différents,

Forme créant l'illusion de la figure en utilisant la lumière, les demi-teintes, les ombres et même les effets d'ambiance,

Pendant ce temps, Value, comme indiqué précédemment, utilise des couleurs (teintes) et définit sa silhouette en utilisant des plages de couleurs contrastées.

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La valeur est l’un des éléments de l’art qui dicte la façon dont une couleur apparaît claire ou sombre. Que vous travailliez avec des peintures acryliques, des aquarelles, des pastels ou du graphite, un changement de ton basique dans la valeur d'une couleur peut communiquer la source de lumière, le point focal et la profondeur,

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ou il peut même définir la profondeur et même la distance d'un objet en utilisant une couleur grisâtre sombre ou décolorée,

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Au fil des années, j’ai découvert que le moyen le plus simple d’en apprendre davantage sur la lumière et les ombres consiste à utiliser une seule lumière dure. Il peut s'agir du soleil, d'une lumière provenant d'une fenêtre ou d'une lumière artificielle.

 

 

Lorsque je transforme l'un de mes croquis en un dessin plus développé, j'ai une approche plus consciente de la configuration de l'éclairage, de la composition et de la conception de la pièce, dans laquelle j'utilise une, deux ou trois valeurs pour définir mon objet. chiffre.

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Une lumière dure montre clairement chaque zone distincte à prendre en compte, exagérant la gamme tonale la plus large et lorsque vous êtes débutant, c'est le moyen le plus simple de voir la différence entre les tons.

 

Je conseille donc, en tant que débutant, de se lancer dans l'utilisation de Values, en examinant des configurations d'éclairage uniques démontrant la théorie de la forme sur une sphère.

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L’apprentissage de principes de forme simples vous permettra de voir les formes fondamentales qui composent toute la nature. Le cône, le cube, le cylindre et la sphère.

 

Les principes que nous verrons sur la sphère, peuvent s'appliquer à la courbe d'une tige, à la plénitude d'une théière ou d'un vase,

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Ensuite, vous pouvez maintenant mettre en pratique tout ce que vous avez appris sur un dessin et une peinture d'une pomme,

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Ou des mangues utilisant des couleurs la semaine prochaine,

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pour tester votre force et ce que vous avez appris.

Passons maintenant à l'image du didacticiel de peinture à l'huile [Wacom Stylus Pen].

 

Avec les valeurs maintenant bien connues,

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Je passe au concept suivant,

vi. Blocage et affinage

Dans cet aspect, nous devons créer un nouveau calque au-dessus du calque d'esquisse grossière, et nous commencerons ensuite à bloquer les lignes d'esquisse affichées en utilisant les couleurs de base ajoutées du sujet.

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Ensuite, après avoir bloqué les lignes d'esquisse grossières, nous pouvons maintenant passer à affiner l'image en ajoutant des petits détails comme prendre par exemple dans l'image ci-dessous, la forme du triangulaire rouge, du carré bleu et du cercle jaune sur le stylet ou le effet de décoloration sur la tablette et bien d'autres comme indiqué ci-dessous avec les flèches rouges.

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Et cela fait, nous avons terminé la pièce.

 

Voici ci-dessous l'aspect final.

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En conclusion (Pratique - pratique)

Comme tous les grands artistes le savent, la pratique d’un concept rend parfait. Je vais donc vous dire ceci sans une bonne pratique de la peinture à l'huile en utilisant ce qui a été expliqué ci-dessus comme lignes directrices, vous aurez toujours tendance à trouver la peinture à l'huile difficile, mais avec une pratique régulière, petit à petit, vous deviendrez bon dans ce domaine. Vous pouvez également essayer d'autres articles d'autres illustrateurs sur le site de conseils CSP. Et pour l’instant, je vais me déconnecter, à bientôt.