Einführung

Hallo zusammen, hier ist wieder Figmenter mit einem weiteren ausführlichen Clip Studio Paint Tutorial, wie man ein vampirähnliches Mädchen in Gothic-Mode in einem Raum mit gotischen Architekturelementen malt.

 

In diesem Tutorial werde ich meinen Workflow beschreiben, wenn ich malerische Werke wie das hier gezeigte erstelle. Beginnend mit:

 

1. Komposition und Konzept

2. vorläufige Problemlösung mithilfe von Linienzeichnungen

3. Malen und Auftragen von Pinselstrichen auf das Werk,

4. und schließlich das Hinzufügen von Nachbearbeitung, um das Werk fertigzustellen

 

Wenn Sie den tatsächlich aufgezeichneten Prozess sehen möchten, schauen Sie sich das Video an!

Workflow

Mein Workflow ist keine Standard-Pipeline. Vieles davon ist an einen der jüngsten Stile von Dave Rapoza bei der Erstellung seiner malerischen Werke angepasst. Ich habe hier und da nur Dinge hinzugefügt, um Anfängern zu helfen, die Anatomie, Perspektive, Komposition und Farbtheorie noch nicht beherrschen.

 

Der Grund, warum ich auf diese Weise arbeite, ist, dass ich jeden Aspekt des Porträts einzeln angehen möchte, anstatt alles auf einmal zu erledigen.

Teil 1 - Recherche und Studien

Das Erste, was ich tue, wenn ich mit der Erstellung eines Werkes beginne, ist, mir das Thema anzusehen und zu versuchen, es in mein Verständnis zu zerlegen.

 

Es ist sehr schwierig, mit nichts im Kopf und einer leeren weißen Leinwand zu beginnen. Daher schlage ich vor, mit kostenlosen Tools wie Google, Pinterest und Wikipedia zu recherchieren, um Ihr Wissen und Ihre visuelle Bibliothek für Ihr Thema und Sujet zu erweitern.

 

Organisieren Sie die visuellen Elemente und Notizen in einem kostenlosen Tool wie PureRef. PureRef ist ein sehr nützliches Tool zum Organisieren von visuellen Referenzen, und ich kann es nur empfehlen. Alternativ könnten Sie sie auch in einer separaten Clip Studio-Datei zur Überprüfung speichern.

Als Beispiel wollte ich bei diesem Werk eine vampirähnliche Dame malen und alle gotischen Elemente hinzufügen, die ich in das Werk packen konnte.

 

Bei meiner Recherche habe ich herausgefunden, dass gotische Elemente tatsächlich entweder eines von zwei Dingen sein können!

 

Gotische Architektur oder Gotische Mode.

 

 

Für die gotische Architektur nahm ich mir Zeit, die Elemente zu identifizieren, die den gotischen Stil definieren. Dann zerlegte ich sie in Strukturen, die ich verstehen kann. So konnte ich sie als Kompositionselemente im Werk verwenden.

 

Gotische Architektur-Innenräume haben folgende Elemente:

 

1. Spitzbögen und Bögen

2. Buntglasfenster (große Buntglasfenster)

3. Hohe Decken

4. Ornamentale Designs

 

Gotische Außenbereiche haben:

 

1. Strebebögen

2. Wasserspeier

3. Spitzstrukturen

4. Ornamentale Designs

 

Wir sind jedoch nur an den Innenbereichen interessiert, also notierte ich mir, was meiner Meinung nach nützlich sein würde, um unsere Komposition zu erstellen. Das sind die Spitzbögen, hohe Decken, ornamentale Designs/Säulen und Buntglasfenster.

 

Für die gotische Mode. Dieser Forschungsprozess ließ mich tatsächlich erkennen, dass gotische Mode nichts mit gotischer Architektur oder der Zeitperiode zu tun hat, in der gotische Architektur vorherrschend war. Gotische Mode ist eigentlich eine Kulmination des altertümlichen viktorianischen oder elisabethanischen Kleiderstils, gekennzeichnet durch dunkle und mysteriöse Merkmale.

 

Die meisten Kleider im viktorianischen Stil bestehen aus Korsetts, tiefen Schulterausschnitten, die Bertha-Kragen genannt werden, eleganten Kleidern und Rüschenröcken, um nur einige zu nennen.

Teil 2 - Ideenfindung, Thumbnailing und Skizzieren

Bei meinem Thumbnailing-Prozess verwende ich zunächst einen weichen Airbrush, um große, ausladende Formen in Graustufen zu erstellen. Nachdem ich die Elemente studiert hatte, die ich einbeziehen wollte, hatte ich bereits eine Komposition im Kopf. Ich hatte die Idee, das Mädchen in Gothic-Kleidung in einer Aufsicht zu rahmen, die ein Interieur im Gothic-Stil zeigt, wobei die Buntglasfenster als Rahmenelemente dienen, um die Augen des Betrachters auf ihr Gesicht zu lenken.

 

Und den Kontrast von Wert und Farbtemperatur nutzen, um das Auge auf ihr Gesicht und den Oberkörper zu lenken.

 

Hier versuche ich, ein kreisförmiges Buntglasfenster zu verwenden, um die Figur zu rahmen, und mit einem weichen Airbrush und nur Graustufen versuche ich, die allgemeine Atmosphäre und das Aussehen der Hintergrundelemente zu gestalten. Zu diesem Zeitpunkt füge ich nicht wirklich viele Details hinzu.

 

Einfache Hinweise auf Elemente der gotischen Architektur im Hintergrund genügen. Deshalb neige ich dazu, oft herauszuzoomen, um das Thumbnail des Werkes im Allgemeinen zu überprüfen. Ein gutes Thumbnail kann in Bezug auf die Komposition sehr hilfreich sein.

In dieser Phase wende ich auch eine Farbbalance- und Tonwertkorrektur-Ebene an, um die allgemeine Farbe und die Werte der Ebene anzupassen. Ich experimentiere zu diesem Zeitpunkt nur mit den Farben. Und die Korrekturebenen von Clip Studio Paint helfen dabei sehr.

Ich kann weiter in Graustufen arbeiten und Farben, Farbänderungen und Ebenen sehr großzügig mit diesen Werkzeugen anwenden.

 

Sobald ich mit dem grob kolorierten Thumbnail-Hintergrund zufrieden bin, kann ich das Modell von Clip Studio Paint frei verwenden, um die Pose der Figur für die Rahmung zu erstellen.

 

Obwohl ich mich mit Anatomie auskenne und das Motiv freihändig skizzieren kann, verwende ich Clips 3D-Modell, um mir weniger Sorgen um Komposition, Proportionen, Perspektive und Handpositionierung machen zu müssen. Da ich mich auch auf ihre Kleidung, ihre Mimik und die Linienführung konzentrieren muss.

Mit der Anatomie und der allgemeinen Pose kann ich die Charaktersilhouette testen, indem ich eine schwarze Schnittmaskenebene darüberlege. Ständiges Überprüfen, ob die Silhouette Ihres Charakters gut lesbar ist, stellt sicher, dass Sie eine gut lesbare Pose für Ihren Charakter erhalten. Deshalb verbringe ich viel Zeit mit diesem posierbaren 3D-Modell.

Sie werden mit der Zeit immer besser darin, allgemeine Silhouetten zu zeichnen und Posen zu erstellen, aber für Ihre ersten Versuche ist es sehr hilfreich, schnell Fehler beheben zu können. Das 3D-Modell von Clip Studio Paint ermöglicht es Ihnen, sich auf eine Sache gleichzeitig zu konzentrieren.

 

Sie können sich darauf konzentrieren, die Silhouette Ihres Charakters zu entwerfen, indem Sie schwarze Details malen, die die Gesamtform auf einer anderen Ebene ändern, um zu experimentieren.

 

Und das Schöne an der Verwendung des 3D-Modells ist, dass es völlig zerstörungsfrei ist. Sie können jederzeit die Proportionen ändern und die bereits festgelegte Pose beibehalten.

Teil 3 - Iterieren und Präzisieren der Formen

Und ich wiederhole den Prozess der Formklärung so oft wie nötig, auch wenn ich dabei eine sehr grobe Wertmalerei anfertige, um die Richtung des Stücks später besser zu verstehen.

Obwohl ich ein Bild des fertigen Werkes im Kopf habe, ist es immer noch unklar, und ich muss hier wirklich mit Linienzeichnungen weiter an den Formen arbeiten, die ich sehen muss, um mit der Beleuchtung und der Grundfarbe beginnen zu können. Und wie Sie hier sehen, habe ich ihr Gesicht, ihr Kleid und ihre Haare einige Male geändert, bevor ich völlig zufrieden war, dass ich alle Probleme in den Formen des Werkes gelöst hatte, damit es für mich Sinn machte.

 

Und ich wiederhole den Prozess der Formklärung so oft wie nötig, auch wenn ich dabei eine sehr grobe Wertmalerei anfertige, um die Richtung des Stücks später besser zu verstehen.

 

Sobald ich völlig zufrieden bin, dass ich alle Formen basierend auf dem, was ich auf dem Bildschirm habe, verstanden habe, gehe ich zur finalen Linienzeichnung über.

Teil 4 - Fertigstellen der Linienzeichnung

Nachdem ich mit den von mir festgelegten Formen vollständig zufrieden bin, lege ich die Linienzeichnung an, die die Grundlage des Gemäldes bilden wird.

 

Manche würden argumentieren, dass Linienzeichnungen bei einem malerischen Werk nicht mehr nötig sind. Und sie hätten bis zu einem gewissen Grad Recht.

 

Ich mache diesen Teil jedoch, um zwei Dinge anzusprechen.

 

1. Ich verwende die Linien, um Kanten für die Grundfarben zu erstellen.

2. Ich verwende eine Multiplikations-Ebenenmischoption, die später beim Auswählen von Farben für Schatten für die finale Pinselarbeit hilfreich sein wird.

3. Außerdem hilft es mir einfach, das Werk besser zu verstehen, wenn ich später male.

 

In diesem Stadium habe ich bereits Pläne, mehr verzierte Designs und Texturen in den Stoff der Kleidung einzufügen, um sie gotischer und viktorianischer aussehen zu lassen, und hier empfinde ich, dass Linienzeichnungen nicht benötigt werden, da sie die Form nicht definieren und zu klein wären, um als Basis für das Füllwerkzeug zu dienen. Es ist auch möglich, dass es den Rest des Werkes verschmutzen könnte, wenn ich später mit dem Verblenden beginne.

Teil 5 - Blocken der Flächen und Beleuchtung

Sobald die Linienzeichnung fertig ist, beginne ich damit, die Farbflächen auf separaten Ebenen unterhalb der finalen Lineart-Ebene anzulegen. Normalerweise stelle ich die Lineart-Ebene auf Multiplizieren.

 

Hier gibt es keine feste Regel. Stellen Sie einfach sicher, dass der Ebenenstapel für Sie Sinn ergibt und es einfach macht, später Beleuchtung und Schatten zu malen.

 

Ich persönlich lege Wert auf die Reihenfolge der tatsächlichen Dinge im wirklichen Leben.

 

Ich neige dazu, Kleidung über die Haut zu legen und andere Elemente wie das Korsett, Spitzen usw. der Kleidung obenauf.

 

Nachdem ich die anfänglichen flachen Farbebenen erstellt habe, gehe ich zurück und optimiere den Hintergrund, um die Szene zu beleuchten.

 

Ich muss den Hintergrund und das Motiv so aussehen lassen, als befänden sie sich in einer Szene, um die Illusion von Form durch die Beleuchtung hinzuzufügen.

 

Ich habe auch darauf geachtet, dass das Glas, das sie hält, eine halbtransparente Grundfarbe hat, damit das Malen darauf über eine Schnittmaske einfacher wird.

 

Nachdem alle Grundfarben gefüllt wurden, beginne ich, Ebenen mit Schnittmasken mithilfe des integrierten Makros hinzuzufügen. Ein Schnittordner für jede Grundfarbenebene.

 

Dann beginne ich, Farben mit Farbton- und Wertverschiebungen auszuwählen, um die Schatten und Glanzlichter jedes Elements an ihr zu definieren. Ich nehme auch einige Farben aus dem Hintergrund.

 

Für die Beleuchtung. Ich plane, sie von allen Seiten mit Licht zu treffen. Eine warme Farbe von oben, einige kühle Farben hinter ihr und an ihren Seiten.

 

Ich werde die Formen und die Beleuchtung im Auge behalten, wenn ich Schatten und Glanzlichter auf jeder Grundfarbenebene hinzufüge, bis ich zufrieden bin, dass die Formen definiert wurden. In diesem Stadium mache ich mir nicht so viele Gedanken über die Farben/Werte.

 

Ich werde dann vereinheitlichen und Anpassungen mit verschiedenen Methoden vornehmen, wie z.B. das Hinzufügen einer weichen Lichtebene, das Hinzufügen von Farbbalance-Korrektur-Ebenen und das Hinzufügen von Tonwertkorrektur.

 

Während ich die Beleuchtungs- und Schattenelemente male und mische. Behalte ich die Lichtquellen im Auge, die ich bereits früher etabliert habe. Dabei beachte ich, dass es Schlagschatten, Formschatten sowie verschiedene Glanzlichter entlang der Kanten geben wird, wo es Rim-Beleuchtung gibt.

 

Ich male auch einige Hauttöne über die Ärmel, um die Illusion zu erzeugen, dass sie halbtransparent sind.

 

Und füge warme Töne hinzu, wo ich denke, dass sie hingehören.

 

Ich verwende auch den weichen Pinsel mit weichen Lichtebenen, um leicht Farbunterschiede auf jeder Oberfläche hinzuzufügen. Zum Beispiel auf einigen Teilen ihrer exponierten Haut werde ich mehr warme Farben hinzufügen, während ich in einigen Bereichen kühlere Farben hinzufüge.

 

Ich neige auch dazu, von den prominentesten Merkmalen zu den nuancierteren, weniger auffälligen Merkmalen überzugehen. Dies stellt sicher, dass, wenn ich ein Element nicht beleuchten sollte, es etwas ist, das weniger wahrscheinlich bemerkt wird.

Teil 6 - Malerei und Pinselarbeit

Sobald ich mit den Farben, die ich an dem Mädchen im Werk sehe, völlig zufrieden bin. werde ich alles in eine neue, flache Ebene kopieren und beginnen, Farben auszuwählen und diesen Aquarellpinsel zu verwenden, um die Pinselstriche in den Bereichen hinzuzufügen, die es brauchen. Meine Hauptpriorität zu diesem Zeitpunkt sind zwei Dinge:

1. Weitere Details hinzufügen, wo nötig, und die Ornamente/verzierten Designs zu ihrer Kleidung hinzufügen.

 

2. Versuchen, alles zu entfernen, was entfernt auf die Linienführung hindeutet.

 

Was ich hier mache, ist einfach Farben auswählen, pinseln und mischen. Manchmal füge ich bei Bedarf eine weitere Farbe hinzu.

 

Wann immer ich ein Detail hinzufüge, das aus einem anderen Material besteht als das, wo es platziert ist, wie z.B. die Details an den Ärmeln und am Rock, würde ich es in einer anderen Ebene hinzufügen, da es von einer neuen Ebene profitieren würde, da sich Licht anders verhält, wenn es auf diese Oberflächen trifft.

 

Der Prozess des Malens ist recht mühsam, aber ich finde ihn befriedigend und lohnend. Und da die Farben fast alle bereits festgelegt wurden, können Sie das Malen erledigen, während Sie anderen Tutorials oder TED-Talks zuhören, ohne sich viele Sorgen machen zu müssen.

Der Pinsel, den ich für den Malprozess verwende, ist der エッジ鉛筆 Stift aus dem unten verlinkten Set.

Teil 7 - Malen des Hintergrunds

Ähnlich wie bei der Figur verwende ich Linienzeichnungen, um die Formen für den Hintergrund zu klären. Mit dem Symmetrie-Lineal in der Mitte beginne ich mit Shift-Tippen, um gerade Linien zu erstellen und die Formen zu skizzieren, wobei ich das ursprüngliche gotische Design im Auge behalte.

Und da wir die Farben und Werte der allgemeinen Wände und Fenster des Hintergrunds bereits festgelegt haben, verwende ich die Skizze als einfache Anleitung, während ich die Elemente des Hintergrunds noch weiter male und definiere. Einfach Farben auswählen und mit dem harten/weichen Pinsel malen, zuerst mit noch aktivierter Symmetrie, dann die Symmetrie später fallen lassen, wenn ich mehr Details hinzufüge.

 

Zu diesem Zeitpunkt verwende ich nur harte und weiche Airbrushes, weil ich weiß, dass ich möchte, dass das Publikum sich mehr auf die Figur konzentriert und dass der Hintergrund nur dazu dient, das Thema und die Umgebung zu verstärken. Ich möchte nicht, dass er von der Figur ablenkt. Daher werde ich keine weiteren Details hinzufügen, von denen ich denke, dass sie benötigt werden.

 

Ich füge die warme Innenbeleuchtung mit dem weichen Pinsel hinzu. Es ist ein Hinweis auf dieselbe Beleuchtung, die unsere Figur beeinflusst. Aber sie beeinflusst den Hintergrund weniger, weil wir festlegen, dass das Licht weiter von den Wänden entfernt und näher an unserer Figur ist.

Die gotischen Buntglasfenster können von Hand erstellt werden, aber wir werden die Lineale und Transformationswerkzeuge von Clip Studio Paint verwenden, um sie schneller zu erstellen.

 

Ich beginne mit dem Symmetrie-Werkzeug genau in der Mitte. Dann richte ich spezielle Lineale (Parallele Linien aus dem Dropdown-Menü) ein, zuerst für vertikale Linien, dann erstelle ich den Spitzbogen, gefolgt von einem speziellen parallelen Linien-Lineal für horizontale Komponenten.

Ich drücke dann Strg+T für das Freie Transformationswerkzeug und halte Strg gedrückt, um die Griffe zu verschieben und Perspektive zu erzeugen.

Das Buntglasfenster wird mit dem Ellipsenwerkzeug und dem Zeichnen auf einem symmetrischen Lineal mit 8 Radien erstellt. Anschließend wird ein runder Rahmen mit demselben Ellipsenwerkzeug ohne die 8-Wege-Radial-Symmetrie hinzugefügt. Danach wird dieselbe Perspektivtransformationsmethode wie bei den anderen Fenstern angewendet.

Teil 8 - Hinzufügen von Post-Effekten und Korrekturebenen mit großer Wirkung

Mithilfe von Korrekturebenen, weichen Lichtebenen mit Deckkraft, werde ich versuchen, dem Werk mehr Kontrast zu verleihen, aber auch mehr Konsistenz in Bezug auf die Gesamtfarbe und die Werte des Werkes zu schaffen.

 

Hier werden Sie sehen, wie ich beginne, aus dem Werk herauszuzoomen und dem Werk insgesamt mehr Aufmerksamkeit zu schenken.

 

In dieser Phase verwende ich typischerweise die folgenden Korrekturebenen.

 

1. Farbbalance für das gesamte Werk, um dem gesamten Werk mehr Kohärenz zu verleihen

2. Farbton-, Sättigungs-, Wert-, Ton- und Ebenenanpassung für verschiedene Ebenen, um das Werk zu verbessern.