Introducción

Hola a todos, doy la bienvenida tanto al antiguo como al nuevo usuario de CSP como yo, y si no me conocen, mi nombre es Daniel, pero mis amigos, artistas como yo, me llaman y me conocen como Ado_draw.

En el curso de artículos tutoriales de hoy, mostraré las diversas cosas que considero y hago para poder crear una obra maestra de pintura al óleo no tan perfecta pero sí buena.

Y el artículo se titula:

5 consejos para crear una buena obra maestra de pintura al óleo digital.

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Ahora bien, ¿qué entiendes por dibujar o pintar [?]

 

Porque para mí, antes de sumergirme en cualquier cosa, siempre querría saber su función e implicaciones.

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Esta pregunta anterior puede tener preguntas antes o incluso a medida que avanza este tutorial, así que primero quiero que rompamos el hielo.

 

Ahora bien, cuando hablamos de dibujo o pintura,

Ambas son formas de expresión visual, y ambas pueden considerarse formas de arte, pero la principal diferencia es que el dibujo es un proceso que se realiza con un lápiz o un bolígrafo, y la pintura se realiza con un pincel o un bote de pintura.

 

O también podemos decir que pintar normalmente implica aplicar color a una superficie utilizando medios como óleo, acuarela o acrílicos. A menudo permite una gama más amplia de expresión, profundidad y textura.

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Mientras que dibujar, por otro lado, generalmente implica crear líneas y formas usando lápices, carboncillo o tinta.

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Con eso en mente, me gustaría señalar o resolver lo siguiente antes de comenzar correctamente.

 

PREGUNTA:

[ ¿Es correcto empezar mi pintura al óleo o pintura en General con un boceto? ] 🔸 🔸 🔸

NOTA 🔹 que no es un tabú cuando hacemos un boceto aproximado o un boceto rápido de la forma del sujeto antes de pintar; porque así es como se pinta en el formato tradicional.

 

 

Y hacer este proceso no lo debilita ni lo hace perezoso en el arte, solo construye la base sobre la cual se forma su pintura, y aconsejo a los principiantes que utilicen principalmente este método, que facilita las cosas, pero cuando lo sienta. que han crecido lo suficiente, puedes comenzar a intentar pintar sin el boceto como lo hacen la mayoría de los artistas.

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1. Elija los conjuntos de pinceles de subherramientas que utilizará.

Como artista, ya sea un artista digital o un artista tradicional; Sabemos que los pinceles vienen en diferentes formas, como por ejemplo, cuando decimos,

 

 

i. Forma de un pincel (subherramienta),

Los pinceles tienen la forma habitual común, como cuadrado, círculo (o redondo) y, por último, triangular.

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Ahora en CLIP STUDIO PAINT (CSP), estos tres conjuntos de pinceles se manipulan aún más para crear otros conjuntos de pinceles que por ahora llamaré "Pinceles de forma".

 

 

ii. Formas de un pincel (subherramienta),

Puede ser la punta de un pincel de forma redonda, que se ha personalizado para que tenga pequeños agujeros, o la forma redonda se estira para que parezca una esfera o la ronda tiene el borde exterior borroso y más.

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O para la punta del pincel de forma cuadrada,

se estira para que parezca una forma rectangular o se dobla un poco para que parezca curvo,

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O para la punta del pincel con forma triangular,

Que también puede tener su forma estirada para parecer un triángulo de ángulo recto o la creación de pequeños puntos en la forma triangular para dar una especie de apariencia de esponja.

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Todo lo mencionado anteriormente son algunas de las formas en que surgen las puntas de los pinceles.

 

Ahora bien, la razón por la que necesitamos tener una buena claridad de esto es que, para que uno pueda crear su estilo único de obra maestra, necesita conocer las herramientas que utiliza y cómo se pueden configurar. para adaptarse a su trabajo;

REFERENCIA:

Como decir "cómo un buen samurái necesita conocer su espada o cuándo y cómo afilarla" o "un maestro necesita conocer a sus alumnos, saber cómo enseñarles eficazmente"

Dicho lo anterior, nos lleva al siguiente aspecto.

 

 

2. Conocer el secreto de cómo funcionan los pinceles.

Son diferentes conjuntos de pinceles en CSP, pero algunos se usan para pintar, algunos como pinturas acrílicas, acuarelas, pasteles o grafito que se pueden usar para diferentes propósitos, como rellenar, detallar, texturizar, difuminar o incluso difuminar.

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Estos diversos pinceles tienden a tener configuraciones únicas que les permiten hacer lo que hacen, y conocer cómo es también lo ayudará, digamos que desea ajustar la configuración. Vamos a verlos,

+ Para los pinceles de relleno

Ahora digamos que tenemos una cerilla de boceto y vamos a llenarla, de modo que los ajustes de los pinceles de pintura al óleo CSP que pueden realizar el trabajo, son,

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+ Para los pinceles de pintura texturizada.

+ Para los pinceles para pintar detalles

+ Para los pinceles difuminados

+ Para los pinceles difuminados

3. Proceso a tener en cuenta al pintar al óleo en CSP

El siguiente proceso o paso, como podría llamarlo, son las diversas cosas que pongo en consideración o hago para mejorar mi proceso de pintura, ya sea (pintura al óleo o pintura en general).

 

 

i. Elige y conoce el tema

Elegir o conocer el tema es un factor importante que no podemos descuidar ni excluir del cuadro. Este aspecto implica que conozcamos lo siguiente;

 

- La naturaleza de lo que estamos pintando (es un personaje o un objeto).

 

- Los diversos colores que se necesitan para la pintura. 🔸 🔸 🔸

- Y, por último, anota las emociones que intentas expresar a los espectadores. 🔸 🔸 🔸

ii. Haz uso de una foto de referencia.

Como hemos escuchado una y otra vez, tener referencias es importante y el proceso ha existido desde hace mucho tiempo. Entonces, debes saber que antes de que podamos comenzar a establecer el gran boceto de la obra de arte, necesitamos tener buenas referencias que denoten el tipo de expresión dinámica que queremos que tenga nuestra figura, los distintos tipos de colores que agregar y mucho más. No te obsesiones con la idea de que solo necesitas una referencia, utiliza referencias múltiples para mejorar lo que quieres mostrar a los espectadores.

 

Pero,

NOTA 🔹 Nunca uses una referencia como tu trabajo ni lo rastrees y publiques, puedes rastrear tu referencia para comprender mejor la forma en que el creador hizo su proporción y más, pero no te aconsejo que lo publiques. Creo que eso es copyright del trabajo de los creadores

 

 

III. Hacer bocetos en miniatura

Este aspecto de la "miniatura" puede parecer irrelevante para la mayoría, pero es un gran proceso que he considerado muy importante a lo largo del año. Este aspecto ayuda a mostrar en gran medida el formato en el que tendrá la apariencia final del trabajo de pintura, y este proceso se puede realizar mostrando múltiples aspectos (posición de perspectiva) de la escena, como en los ejemplos siguientes;

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Tenga en cuenta que este proceso no es el trabajo que finalmente mostrará a los espectadores; uno puede elaborar libremente las diversas ideas en nuestra cabeza y, al mismo tiempo, mantener el tiempo, pintando el trabajo en bruto como se muestra en la imagen de arriba.

 

 

4. Proceso de pintura al óleo:

En este punto, ahora podemos comenzar con el uso o implementación de lo anterior, para comenzar el proceso de pintura al óleo de nuestro artículo final del tutorial de pintura al óleo.

 

Como mencioné anteriormente, necesitamos conocer el tema u objeto que queremos dibujar y tener una buena referencia que denota la estructura muy similar de la figura, el posicionamiento e incluso la perspectiva con la que desea pintar la figura, que para este tutorial Dibujaré un [Wacom Stylus Pen] y aquí debajo hay algunas referencias de un objeto muy similar (una imagen de un lápiz y un lápiz óptico de iPad).

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i. Haz un boceto a lápiz del tema.

Bloquee rápidamente la forma pesada del sujeto con una referencia muy similar que ya esté en su lugar, como por ejemplo la forma exterior del sujeto.

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En ese sentido, ahora podemos,

 

 

ii. Agregar otras capas

En este aspecto, utilizamos las capas CSP disponibles a nuestro favor; Porque cuando uno pinta tradicional, estamos limitados a pintar en un plano de papel, pero en la pintura digital, tenemos el lujo de múltiples capas (o papeles) en los que podemos pintar libremente.

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III. Proporcionalidad

Esto no puede ser exagerado, ya que se trata en gran medida de la relación del tamaño de un elemento en comparación con otro en una escena. Al dibujar o pintar de manera realista, la proporción es importante. Si las proporciones son incorrectas, la imagen resultante parecerá menos realista o abstracta.

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Alternativamente, los artistas pueden usar la proporción para lograr un efecto, dándole a su trabajo una apariencia estirada o alargada.

 

como el lápiz óptico que parece materiales flexibles y elásticos, pero en la vida real no lo es, u otro ejemplo es el personaje que estira su mano para llevar el lápiz, lo que desde el punto de vista del ángulo hace que la mano parezca estirada o mano de persona gigantesca.

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Para lograr este tipo de efectos se requiere el uso de líneas de cuadrícula y curvar algunos de los [ejes xey] creando múltiples puntos de intersección como se muestra a continuación.

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Si observamos de cerca las distintas intersecciones, notaremos que cada una varía de manera diferente debido a que la forma de los objetos o sujetos parece natural, algunos tienen forma redonda o cuadrada.

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Ahora, cuando observamos la proporcionalidad de los diversos objetos y sujetos en la imagen que uno ha creado, tendemos a notar que las líneas de los ejes x e y son curvas y van desde la punta del lápiz óptico hasta la parte inferior de la imagen. El lápiz óptico y el mismo proceso también se pueden aplicar al personaje, dándole sus diferentes apariencias.

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IV. Diseñar el fondo

La colocación del fondo tiende a realizarse de diferentes maneras según el artista, ya que a algunos artistas les gusta pintar su fondo antes de mover la figura, mientras que a otros artistas les gusta agregar su fondo al final de la obra de arte.

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Pero para este tutorial de hoy, me gustaría que construyéramos el trabajo de pintura al óleo de la obra de arte comenzando desde el fondo hasta la figura.

 

Ahora, antes de diseñar el fondo, primero debemos considerar el siguiente aspecto:

v.Texturizar

Este es un proceso que se aplica a los modelos para proporcionar superficies realistas y también es una configuración para crear profundidad y efecto.

Es muy recomendable que cuando quiera pintar, utilice texturas, ya que una superficie plana sin texturas puede parecer poco realista y el estilo aparece como se muestra en las dos imágenes separadas a continuación.

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Porque incluso en la vida real la mayoría de las cosas no son lisas, la razón por la que dije la mayoría de las cosas es que, cuando algunos objetos o cosas tienen una superficie lisa como, por ejemplo, un acero inoxidable, mientras que otros tienen una superficie rugosa como la de una roca, ejemplo.

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Me gustaría que supieras que hay dos formas en las que se pueden aplicar efectos de texturas, una mediante el efecto de pincel y la otra como efecto de capa como se indica claramente a continuación.

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Teniendo en cuenta cómo se aplica cada uno.

 

 

• Para agregar efectos de texturas a un pincel,

Podemos agregar efectos de textura a nuestros pinceles de subherramientas ubicando primero el pincel que queremos que sea un pincel de textura. Para este tutorial usaré el pincel de pintura al óleo, haga clic en [Propiedad de herramienta], en el panel es el ícono [sub herramienta detalles], haga clic en él, aparecerá otro panel con diferentes opciones, seleccione el de [Textura],

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Ahora que estamos en la configuración de [Textura], podemos ajustar la configuración a lo que queramos, lo cual para este tutorial solo usaré la configuración de textura de imagen a continuación.

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Y con eso hemos terminado con la adición de texturas a nuestro pincel de subherramienta, puedes probarlo también en otros pinceles, y en la imagen a continuación se ve la aplicación del pincel de subherramienta recién creado.

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Si desea obtener más estudios sobre cómo agregar textura a su pincel, puede probar otros excelentes artículos de otros artistas como yo en el sitio de consejos de CSP, pero a continuación encontrará algunos enlaces.

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Ahora,

 

 

• Para agregar efectos de textura a una capa,

Todo lo que necesitamos hacer es primero tener la imagen a la que queremos agregarle la textura en una capa, y para el tutorial de hoy usaré la imagen de una cerilla quemada con pintura.

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Ahora, mientras esté en el lienzo de CSP, haga clic en el ícono [material] que se puede ubicar en la barra de paleta en el lado izquierdo de la configuración predeterminada de la ventana de CSP indicada (1), haga clic en [texturas monocromáticas] indicada (2 ), luego arrastre el efecto de textura en el lienzo indicado (4), para este tutorial, uso la [madera sintética] indicada (3) para darle a la cerilla una apariencia de madera,

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AVISO

Cómo en la imagen a continuación, el tablero [Capa] indicado (1) creó una capa de imagen para el efecto de textura monocromática agregado indicado (2), y con la textura agregada agregada hace que la cerilla pintada resalte de manera más exclusiva. 🔸 🔸 🔸

La apariencia final de la cerilla después de agregar efectos de textura.

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Hecho lo anterior,

vi. Definir la forma y sus colores base.

Lo primero que hago en mi [imagen del lápiz óptico Wacom] para definir los diversos sujetos y objetos en la escena es agregar libremente los colores base de toda la obra de arte utilizando una visualización aproximada de los colores, pero colocando los diversos colores necesarios donde están destinados a ser y además sin importar cómo se ve en ese momento, lo general es simplemente definir dónde se colocarán los distintos colores designados y dejarlo así, manteniéndolo simple.

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Pasando al aspecto de definir y dar formas, aparece la figura en la imagen, como el área de sombra, las áreas de medios tonos y el área de luces, como se muestra en la imagen a continuación.

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Ahora, para saber cómo se combina o se pinta la etapa o aspecto anterior de la imagen del [Wacom Stylus Pen] para convertirse en lo que ves arriba, debemos considerar también otro concepto llamado,

vi. Valores y forma

Como [artista principiante] en resumen, no confunda Forma con valor, tenga en cuenta que son dos conceptos diferentes.

Forma creando la ilusión de la figura usando luces, medios tonos, sombras e incluso efectos ambientales.

Mientras tanto, Value, como se señaló anteriormente, utiliza colores (tonos) y define su figura mediante el uso de rangos de colores de contraste.

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El valor es uno de los elementos del arte que dicta qué tan claro u oscuro aparece un color. Ya sea que esté trabajando con pinturas acrílicas, acuarelas, pasteles o grafito, un cambio tonal básico en el valor de un color puede comunicar la fuente de luz, el punto focal y la profundidad.

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o incluso puede definir la profundidad e incluso qué tan lejos está un objeto mediante el uso de un color grisáceo oscuro o descolorido,

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A lo largo de los años, he descubierto que la forma más fácil de aprender sobre la luz y la sombra es utilizando una única luz intensa. Podría ser el sol, la luz que entra por una ventana o una luz artificial.

 

 

Cuando convierto uno de mis bocetos en un dibujo más desarrollado, tendré un enfoque más consciente en la configuración de la iluminación, la composición y el diseño de la pieza, mediante el cual hago uso de uno, dos o tres valores para definir mi objeto de cifra.

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Una luz intensa demuestra claramente cada área distinta a tener en cuenta, exagerando el rango tonal más amplio y, cuando eres principiante, es la forma más sencilla de ver la diferencia entre los tonos.

 

Por lo tanto, le aconsejo que, como principiante que se sumerge por primera vez en el uso de Valores, observe configuraciones de iluminación únicas que demuestren la teoría de la forma en una esfera.

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Aprender principios de formas simples le permitirá ver las formas fundamentales que componen toda la naturaleza. El cono, el cubo, el cilindro y la esfera.

 

Los principios que veremos en la esfera se pueden aplicar a la curva de una varilla, a la plenitud de una tetera o un jarrón,

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Entonces ya puedes pasar a poner en práctica todo lo aprendido en un dibujo y pintura de una manzana,

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O mangos usando colores la próxima semana,

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para poner a prueba tus fuerzas y lo que has aprendido.

Ahora vamos al tutorial sobre el trabajo de pintura al óleo con la imagen [Wacom Stylus Pen].

 

Con los valores ahora bien definidos,

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Paso al siguiente concepto,

vi. Bloqueo y refinamiento

En este aspecto, necesitamos crear una nueva capa sobre toda la capa de boceto, y luego comenzaremos a bloquear las líneas de boceto que se muestran usando los colores base agregados del sujeto.

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Luego, después de haber bloqueado las líneas aproximadas del boceto, ahora podemos pasar a refinar la imagen agregando pequeños detalles como, por ejemplo, en la imagen a continuación, la forma triangular roja, el cuadrado azul y el círculo amarillo en el lápiz óptico o el efecto de desvanecimiento en la tableta y muchos otros, como se indica a continuación con las flechas rojas.

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Y con esto hemos terminado la pieza.

 

A continuación se muestra la apariencia final.

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En Conclusión (Práctica - práctica)

Como todos los grandes artistas saben, la práctica de un concepto hace la perfección. Así que te diré esto, sin una práctica adecuada de la pintura al óleo utilizando lo explicado anteriormente como guía, siempre tenderás a encontrar difícil la pintura al óleo, pero con una práctica constante, poco a poco, te volverás bueno. También puede consultar otros artículos de otros ilustradores en el sitio de consejos de CSP. Y por ahora cerraré sesión, nos vemos.