Ce tutoriel montrera comment créer et illustrer une créature dans son habitat naturel. De cette façon, non seulement le design du personnage est présenté, mais aussi l'espace où il vit. L'objectif est d'obtenir un design plus crédible et complet.

Développer l'idée

Avant tout, il est important de savoir ce que nous voulons illustrer. Dans ce cas, l'intention est de concevoir et de dessiner une créature fictive. Une fois cela déterminé, il est temps d'essayer différentes idées jusqu'à trouver la plus appropriée.

 

Il existe de nombreuses façons de trouver des idées ; de prendre trois mots aléatoires et de les développer en une illustration (par exemple : Grenouille, insecte, eau) ; de s'inspirer de photos, de musique, de vidéos ou de chercher un thème que nous voulons explorer. Pour cette idée, il était clair que nous voulions peindre une bête à peau submersible et un fond aquatique.

 

Il est recommandé d'avoir une idée claire du personnage avant de l'illustrer, une phrase pour le décrire peut suffire. Plus nous en comprenons sur lui et son monde, plus nous pourrons intégrer de détails et d'histoire dans l'œuvre.

 

Une fois que ce que nous voulons représenter est établi, il est temps d'élaborer des croquis simples qui développent l'idée. Ce n'est pas le moment de détailler ni de s'arrêter pour perfectionner, l'intention est simplement de trouver la meilleure composition pour exprimer ce que l'on veut raconter. Dans cette illustration, l'idée est de montrer clairement le design de la créature pendant qu'elle chasse sa nourriture.

Commencer à illustrer

Une fois le croquis idéal sélectionné, il est temps de le nettoyer. Cela signifie détailler avec plus de précision ce qui se passe dans l'image. Plus c'est clair et établi dans les premières phases, plus il sera facile d'avancer dans les suivantes.

 

Pour cela, nous allons créer un nouveau calque au-dessus de notre croquis. Cela se fait en cliquant sur l'icône en forme de feuille située dans le menu qui affiche les calques.

Ensuite, nous réduisons l'opacité du calque de croquis. Pour cela, il faut faire glisser la barre supérieure jusqu'à ce que le nombre de droite indique 50. Cela signifie que le calque de croquis a maintenant une opacité de 50 %. Il est recommandé de créer un nouveau calque rempli de couleur blanche et de le placer sous tous les calques pour qu'il agisse comme couleur de fond unie.

Maintenant, sur le calque situé au-dessus du calque de croquis, il est temps de dessiner une version plus définie de celui-ci. Comme ce sera la base de notre peinture, il est recommandé d'utiliser un pinceau qui n'a pas 100 % d'opacité afin que les traits soient plus doux et estompés. Dans cette démonstration, le pinceau inclus dans le programme et nommé "Oil paint wet brush" a été utilisé.

Remplir en clair-obscur

Il existe de nombreuses façons de faire progresser une illustration, ici, nous allons montrer comment le faire en établissant d'abord les lumières et les ombres principales de l'image avant la couleur. Pour cela, nous sélectionnerons le calque de fond et l'outil de dégradé du programme. Nous prendrons une nuance de gris clair et une autre plus foncée.

Nous appliquerons le dégradé sur le calque comme bon nous semble, en tenant compte du point le plus clair et du point le plus foncé de notre image.

Maintenant, nous allons remplir chaque élément de l'image avec des tons de gris, comme nous l'avons fait avec le fond. Nous allons créer un nouveau dossier en dessous du croquis propre et à l'intérieur, nous allons créer un nouveau calque.

 

Pour créer un nouveau calque, il faut cliquer sur l'icône en forme de dossier.

Nous utiliserons ce calque pour remplir la grenouille, nous utiliserons un pinceau avec 100 % d'opacité et une couleur unie qui se distingue du fond pour nous assurer que nous remplissons complètement la silhouette.

L'étape suivante consiste à bloquer les pixels de transparence du calque où nous avons colorié la grenouille. Cela signifie que le calque ne nous permettra de dessiner que là où il y avait déjà de la peinture, en d'autres termes, nous ne pourrons pas dessiner en dehors de la silhouette de la grenouille. Pour cela, nous devrons avoir le calque sélectionné et cliquer sur l'icône avec un cadenas et un carré situé dans le menu.

Une fois le calque avec la transparence bloquée, il s'agit d'appliquer l'outil de dégradé et un pinceau de préférence pour peindre la grenouille avec des tons de gris.

Nous répéterons ce processus, en créant un calque pour chaque nouvel élément à l'intérieur du dossier, jusqu'à ce que l'image entière soit colorée avec ces tons monochromes symboliques de la lumière et de l'ombre dans l'illustration.

Ajouter les ombres

Il est temps d'ajouter les ombres. Nous allons créer un nouveau calque au-dessus du calque correspondant à l'élément que nous allons ombrer. Dans ce cas, nous allons ombrer la grenouille, nous allons donc créer un calque d'ombre au-dessus du calque de la grenouille. Pour rendre le travail plus efficace, nous utiliserons la fonction de découpage sur le calque inférieur. Cette fonction permet de dessiner sur un nouveau calque uniquement là où il y a de la peinture sur le calque inférieur. Ainsi, nous pourrons dessiner l'ombre sans nous soucier de dépasser l'élément que nous ombrons. Pour l'activer, nous devrons sélectionner le calque d'ombre et cliquer sur l'icône avec deux ovales à gauche du menu.

Les calques de Clip Studio Paint permettent de choisir différents modes de combinaison entre eux. Le mode que nous utiliserons pour ombrer est le mode "multiplication", car il assombrit la couleur des calques avec lesquels il interagit. Cela se fait en sélectionnant le calque d'ombre, en cliquant sur le bouton où il est écrit "normal" ou sur la flèche vers le bas et en choisissant l'option "multiplication".

Enfin, nous prenons notre pinceau préféré (dans ce cas, le pinceau par défaut "Oil paint wet brush") et une nuance de gris intermédiaire pour peindre l'ombre. Il est important de tenir compte de la direction de la lumière lors de l'établissement de l'ombre. Par exemple, si la lumière vient d'en haut, l'ombre sera vers le bas ; si la lumière vient de la droite, l'ombre sera vers la gauche, etc.

Nous répétons ce processus jusqu'à ce que tous les éléments soient ombrés. Il est recommandé de garder les calques avec des noms cohérents et de les diviser en dossiers lorsqu'ils sont trop nombreux, car un fichier bien organisé signifie une plus grande efficacité au travail. Dans ce cas, un calque est créé avec le nom de chaque élément (Ex: Grenouille) qui abrite tous les calques qui s'y rapportent.

Ajouter la couleur

Une fois les ombres établies, il est temps d'ajouter de la couleur à l'image. Pour cela, nous créons un calque situé entre le calque d'ombre et le calque de couleur de base grise que nous avons créé à la troisième étape du tutoriel. Ce calque, comme le calque d'ombre, aura la fonction de découpage sur le calque inférieur activée. Nous peindrons ici les couleurs que nous voulons pour le design.

Petit à petit et en répétant ce processus, chaque élément de l'image est colorié. Il est recommandé de ne pas utiliser des tons trop saturés au début afin de les aider à maintenir une harmonie entre eux.

Maintenant que l'image a de la couleur, il est approprié d'ajuster les ombres pour qu'elles soient en harmonie avec le reste de l'image. Pour cela, nous irons sur le calque d'ombre, nous utiliserons la fonction de blocage des pixels de transparence et nous colorierons l'ombre avec une teinte orangée.

Ajouter la lumière

Pour ajouter de la lumière, nous créons un nouveau calque au-dessus du calque d'ombre (également avec la fonction de découpage sur le calque inférieur). Nous mettons le calque en mode de fusion "lumière vive" à 75 % d'opacité et nous appliquons des coups de pinceau bleu clair qui indiquent la lumière sur l'élément.

Nous avançons ainsi avec tous les éléments jusqu'à ce que la lumière soit présente dans les parties pertinentes de l'image. En règle générale, lorsque la lumière est froide, l'ombre est chaude et vice versa. C'est pourquoi dans ce cas, nous avons une ombre orange et une lumière bleue.

Accentuer la couleur

Jusqu'à présent, nous avons établi les couleurs de base de l'image, la lumière et l'ombre. La gamme initiale est peu saturée, dans cette étape, nous allons lui ajouter de la saturation petit à petit jusqu'à obtenir un résultat plus vif.

 

Nous créons un calque au-dessus de celui de lumière avec le mode de fusion en "superposition". Grâce à cela, nous pourrons ajouter de la saturation à la zone que nous souhaitons. Par exemple, si nous voulons ajouter un vert plus intense au dos de la grenouille, nous choisirons un vert clair en tenant compte de la couleur de base de l'élément et nous l'appliquerons avec un pinceau sur le calque.

 

Ainsi, petit à petit et avec plusieurs calques avec fonction de superposition et différentes opacités, nous augmentons la saturation et la couleur à notre guise. C'est ici qu'une bonne organisation des calques et des dossiers démontre son utilité.

 

En raison de la nature glissante de la peau de la grenouille, nous ajoutons de forts reflets blancs qui suggèrent sa texture d'amphibien.

Définir l'arrière-plan

Il est temps de définir l'arrière-plan, il est bon que toutes les parties de l'illustration progressent de concert. En effet, tous les éléments interagissent les uns avec les autres en étant présents dans le même espace. De cette façon, intégrer le personnage dans l'arrière-plan est plus simple, car tout évolue naturellement ensemble.

 

Nous créons un calque en dessous de tous les éléments qui se trouvent au-dessus de l'arrière-plan. Nous peignons les détails que nous voulons. Dans cette illustration, nous avons peint plus d'arbres à l'arrière-plan.

Un peu de lumière est également ajoutée à l'eau et au sable. Pour la terre, il est recommandé d'utiliser un pinceau avec une texture de points pour simuler le matériau du terrain. Celui-ci, par exemple, serait une bonne option.

Pour éviter que les arbres de l'arrière-plan n'attirent trop l'attention du spectateur et en tenant compte de leur éloignement. Nous créons un autre calque au-dessus des arbres et ajoutons du brouillard avec un aérographe de la couleur bleutée du décor. Nous ajoutons également le marron des arbres reflétés dans l'eau.

Rendu du personnage principal

Une fois les étapes précédentes terminées, nous aurons la base parfaite de notre illustration. À partir de maintenant, nous pourrions unifier tous les calques (il est recommandé, si vous le faites, de créer une nouvelle version du fichier pour en conserver une avec tous les calques divisés).

 

Nous créons un calque au-dessus de tous les autres et commençons à peindre avec notre pinceau préféré. Cette étape est la plus difficile à exécuter pour un débutant, car elle nécessite une maîtrise du pinceau et des principes artistiques de base tels que la théorie des couleurs.

 

Néanmoins, il y a un conseil également applicable à tout niveau artistique : peindre sans crainte, ce n'est pas grave d'appliquer la mauvaise couleur ou de ne pas trouver la gamme exacte d'ombre que nous désirons dès le premier coup de pinceau. L'avantage du numérique est la capacité de corriger ces actions sans abîmer la toile. L'essai et l'erreur et l'intuition sont de bonnes pratiques conseillées pour explorer le potentiel de l'illustration. Il est important de ne pas se frustrer et de continuer à essayer jusqu'à obtenir le résultat souhaité.

 

Dans cette illustration, nous commençons par ajouter des coups de pinceau clairs indiquant où la lumière frapperait les personnages.

Ensuite, des tons plus saturés et colorés sont ajoutés avec l'outil aérographe et le pinceau. Comme dans l'esprit de l'étape "accentuer la couleur", l'intensité des couleurs est progressivement construite. De cette façon, l'équilibre entre elles est mieux contrôlé.

Avec du temps et de la dédicace, les détails de la figure sont progressivement détaillés avec le pinceau. Il est recommandé de concentrer les détails sur l'aspect le plus important du personnage, il s'agit généralement de son visage. Nous utilisons le zoom que le programme permet de faire sur l'image pour donner les coups de pinceau avec plus de précision.

Dans cette partie du processus, il n'y a pas de raccourcis, il suffit de continuer à peindre jusqu'à ce que la figure soit entièrement rendue. La patience et l'effort sont essentiels pour un résultat optimal.

Rendu de l'arrière-plan

Les couleurs de l'arrière-plan sont d'abord modifiées pour les rendre plus sombres et saturées. Pour ce faire, la fonction de correction "Teinte/Saturation/Luminosité" est utilisée jusqu'à l'obtention du résultat souhaité. Pour accéder à cette fonction, il faut aller dans le menu tout en haut de l'application dans "Édition > Correction tonale > Teinte/Saturation/Luminosité" ou appuyer sur "Ctrl + U" sur le clavier.

Après cela, comme à l'étape précédente, il s'agit de peindre et d'ajouter progressivement la couleur et les détails. Dans cette illustration, nous modifions la taille de l'arrière-plan pour corriger la perspective. Nous utilisons l'outil "Transformation" pour cela. On y accède avec les commandes "Ctrl + Shift + T" ou dans le menu du haut via "Édition > Transformer > Transformation libre".

Les pinceaux recommandés pour cela sont : l'aérographe, le pinceau préféré et un pinceau granuleux (comme celui utilisé pour le sable) dans les zones où nous voulons donner de la texture (dans ce cas, ils sont utilisés pour les particules de poussière dans l'air). Au cours du processus, les ombres et les lumières de la grenouille sont également repeintes pour qu'elles restent cohérentes avec l'arrière-plan.

 

Un conseil pour intégrer certains éléments de l'image avec le reste est de prendre les couleurs d'un élément et de l'ajouter subtilement au bord de l'autre. Cela, en théorie, est dû au reflet de la lumière d'un objet sur un autre. Par exemple, prendre la teinte rougeâtre de la langue de la grenouille et la placer sur le bord inférieur de la mouche.

Rendu du personnage secondaire

Cette étape peut être réalisée en même temps que le rendu du personnage principal. Cependant, pour ce tutoriel, son explication est divisée pour montrer comment peindre son pelage. En effet, la mouche a une texture différente de celle de la grenouille et nécessite donc un processus distinct.

 

La première chose est de définir la silhouette du personnage, en effaçant toute ligne qui dépasse de manière impertinente de la figure. Pour cette raison, les pattes d'un des côtés sont éliminées, il est plus facile de les ajouter comme détails à la fin que de les prendre en compte à cette partie du processus.

Avec l'aérographe et le pinceau, les couleurs sont estompées à l'intérieur du personnage. Définissant ainsi la trompe lilas et les yeux noirs de la mouche. Pour les ailes, on tient compte des ailes des insectes dans la vie réelle, qui possèdent des transparences en raison de leur matériau. Cet effet est obtenu soit en effaçant soigneusement l'intérieur de l'aile, soit en utilisant un pinceau avec la couleur bleue du fond à l'intérieur de celles-ci.

 

Pour que l'effet du pelage du corps fonctionne, il est recommandé d'estomper les couleurs en suivant un motif rayé du clair au foncé. Commencez par le haut avec une nuance de marron plus lumineuse, descendez vers une nuance plus claire et répétez ainsi jusqu'à la fin. Il est également utile de créer le même effet, mais beaucoup plus subtil, de droite à gauche. Cela est fait pour imiter la façon dont l'ombre et la lumière fonctionnent et interagissent dans les poils.

Pour ajouter la texture de poils à la mouche, il est recommandé d'utiliser des pinceaux spécialisés. Dans cette illustration, nous avons utilisé les suivants :

Détails finaux

C'est la dernière phase de l'illustration, il ne reste que les détails finaux pour la considérer comme terminée. Une recommandation est de laisser le dessin reposer un jour ou deux, ainsi on y revient avec une vision renouvelée et l'énergie rechargée. Cela peut produire des améliorations et de nouvelles décisions dans la direction de l'œuvre. Dans ce cas, par exemple, en reprenant l'illustration, il a été décidé de rendre l'arrière-plan plus bleu et saturé.

 

Les détails ajoutés à cette étape sont : les pattes et les yeux de la mouche ; estomper l'arrière-plan pour lui donner un aspect plus lointain. Pour obtenir cet effet, on sélectionne la partie de l'image que l'on veut estomper et on utilise l'outil de flou gaussien. On y accède dans le menu supérieur "Filtre > Flou > Flou gaussien ".

Pour rendre le design plus intéressant, des dents pointues ont été ajoutées à la bouche de la bête. Des taches circulaires ont également été dessinées, en créant un nouveau calque avec le mode de fusion multiplication et un ton vert foncé.

 

Des effets ont été implémentés dans l'image pour donner de l'action à l'œuvre. Comme peindre la salive sur la langue de la grenouille et les ailes battantes de la mouche. Cela est réalisé en dupliquant les ailes, en les faisant pivoter ("Édition > Transformer > Rotation") et en leur appliquant un filtre de flou de mouvement ("Filtre > Flou > Flou de mouvement").

 

Pour intensifier la brillance des personnages, nous avons créé un calque avec le mode de fusion "Incrustation (brillance)" à 35% d'opacité. Avec soin et en utilisant l'aérographe, nous avons repassé les zones souhaitées avec un bleu ciel pour leur donner l'effet.

Il est important de retourner l'image au moins une fois pendant le processus pour s'assurer que tout est en ordre. Nous pouvons trouver cette fonction dans "Édition > Rotation/Inversion du canevas > Retourner horizontalement". Si nous trouvons une erreur, il s'agit de peindre jusqu'à la résoudre.

Une fois tout résolu, nous retournons le canevas à sa position initiale et éditons l'image à notre guise pour obtenir le résultat souhaité. Il est facile de se perdre dans cette partie du processus en ne sachant pas quand considérer une œuvre comme terminée. Une fois que nos progrès cessent d'avoir un effet positif sur l'œuvre, il est préférable de la considérer comme achevée.

 

Dans cette illustration, les tons et la saturation des couleurs sont corrigés, des détails sont ajoutés à l'arbre le plus proche et la texture du sable est révisée. L'œuvre est ainsi achevée.