Ce tutoriel montrera comment créer et illustrer une créature dans son habitat naturel. De cette manière, non seulement le design des personnages est présenté, mais également l'espace où il habite. Ceci est destiné à réaliser un design plus crédible et complet.

Développer l'idée

Tout d’abord, il est important de savoir ce que nous voulons illustrer. Dans ce cas, l’intention est de concevoir et dessiner une créature fictive. Une fois que déterminé, il est temps d'essayer différentes idées jusqu'à ce que vous trouviez la bonne.

 

Il y a plusieurs façons de se faire des idées. en prenant trois mots aléatoires et en les développant dans une illustration (par exemple: grenouille, insecte, eau); Inspirez-vous de photos, de musique, de vidéos ou recherchez un thème que vous souhaitez explorer. Pour avoir cette idée, il était clair que nous voulions peindre une bête avec une peau submersible et un fond d’eau.

 

Il est conseillé de bien comprendre l’idée du personnage avant de l’illustrer, une phrase pour le décrire suffit peut-être. Plus nous le comprenons et son monde, plus nous pourrons mettre en œuvre les détails et l’histoire.

 

Une fois que ce que nous voulons représenter est établi, il est temps de faire de simples croquis qui développent l’idée. Il n’est pas temps de détailler ou d’arrêter pour perfectionner, l’intention est simplement de trouver la meilleure composition pour exprimer ce que vous voulez dire. Dans cette illustration, l’idée est de montrer clairement le dessin de la créature tout en chassant sa nourriture.

Commencer à illustrer

Lorsque l'esquisse idéale est déjà sélectionnée, il est temps de la nettoyer. Cela signifie détailler plus précisément ce qui se passe dans l'image. Plus les choses sont claires et bien établies dès le début, plus il sera facile d'aller de l'avant aux étapes suivantes.

 

Pour ce faire, nous allons créer un nouveau calque au-dessus de notre dessin. Ceci est réalisé en cliquant sur l'icône en forme de feuille située dans le menu qui montre les calques.

Ensuite, nous réduisons l'opacité du calque d'esquisse. Pour ce faire, vous devez faire glisser la barre supérieure jusqu'à ce que le nombre à droite indique 50. Cela signifie que le calque d'esquisse a maintenant une opacité de 50%. Il est conseillé de créer un nouveau calque rempli de blanc et de le placer sous tous les calques pour qu'il agisse comme une couleur d'arrière-plan uniforme.

Dans le calque situé au-dessus du calque d'esquisse, il est temps d'en dessiner une version plus précise. Comme cela constituera la base de notre peinture, il est conseillé d’utiliser un pinceau n’ayant pas une opacité de 100% afin que les traits soient plus doux et plus pâles. Dans cette démonstration, le pinceau inclus dans le programme intitulé "Pinceau humide pour peinture à l'huile" a été utilisé.

Remplir de clair-obscur

Il existe de nombreuses façons de faire progresser une illustration. Nous allons montrer ici comment procéder en réglant d’abord les principaux éclairages et ombres de l’image avant la couleur. Pour ce faire, nous allons sélectionner le calque d'arrière-plan et l'outil Dégradé du programme. Nous prendrons une teinte gris clair et une teinte plus foncée.

Nous appliquerons le dégradé sur le calque à notre guise, en tenant compte du point le plus clair de notre image et du plus sombre.

Nous allons maintenant remplir chaque élément de l'image avec des nuances de gris, comme nous l'avons fait avec l'arrière-plan. Nous allons créer un nouveau dossier sous celui de l'esquisse propre et à l'intérieur, nous allons créer un nouveau calque.

 

Pour créer un nouveau calque, cliquez sur l'icône du dossier.

Nous allons utiliser cette couche pour remplir la grenouille, nous utilisons un pinceau avec une opacité de 100% et une couleur unie qui se détache sur le fond pour nous assurer que nous remplissons toute la silhouette.

L'étape suivante consiste à bloquer les pixels de transparence du calque où nous avons coloré la grenouille. Cela signifie que le calque ne nous permettra de dessiner que là où il y avait déjà une peinture, autrement dit, nous ne pourrons pas dessiner en dehors de la silhouette de la grenouille. Pour ce faire, nous devons sélectionner le calque et cliquer sur l’icône avec un cadenas et un carré situés dans le menu.

Une fois le calque bloqué, il suffit d'appliquer l'outil de dégradé et un pinceau de préférence pour peindre la grenouille avec des tons de gris.

Nous allons répéter ce processus en créant un calque pour chaque nouvel élément du dossier, jusqu'à ce que toute l'image soit colorée avec ces tonalités monochromatiques symboliques d'ombre et de lumière dans l'illustration.

Ajouter des ombres

Il est temps d'ajouter les ombres. Nous allons créer un nouveau calque au-dessus du calque correspondant à l'élément que nous allons ombrer. Dans ce cas, nous allons ombrager la grenouille, nous allons donc créer une couche d'ombre au-dessus de la couche de la grenouille. Pour rendre le travail plus efficace, nous utiliserons la fonction d’ajustement à la couche inférieure. Cette fonction vous permet de dessiner sur un nouveau calque uniquement là où il y a de la peinture sur le calque inférieur. Ainsi, nous pouvons dessiner l’ombre sans nous soucier de sortir de l’élément ombré. Pour l'activer, nous devrons sélectionner le calque d'ombre et cliquer sur l'icône avec deux ovales à gauche du menu.

Les calques Clip Paint Studio vous permettent de choisir différents modes de combinaison. Le mode que nous allons utiliser pour ombrer est la "multiplication", car il obscurcit la couleur des couches avec lesquelles il interagit. Ceci est réalisé en sélectionnant la couche d'ombre, en cliquant sur le bouton où il est dit "normal" ou la flèche qui indique en bas et en choisissant l'option "multiplication".

Enfin, nous prenons notre pinceau de préférence (dans ce cas le "pinceau humide de peinture à l'huile" par défaut) et une nuance de gris intermédiaire pour peindre l'ombre. Il est important de prendre en compte la direction de la lumière lors de la définition de l'ombre. Par exemple, si la lumière vient d'en haut, l'ombre sera placée vers le bas; si la lumière vient de droite, l'ombre sera placée à gauche, etc.

Nous répétons ce processus jusqu'à ce que tous les éléments soient ombrés. Il est conseillé de conserver les couches avec des noms cohérents et de les diviser en dossiers quand ils sont trop nombreux, car un fichier bien ordonné signifie une plus grande efficacité du travail. Dans ce cas, un calque est créé avec le nom de chaque élément (Ex: Frog) qui contient tous les calques s'y rapportant.

Ajouter de la couleur

Une fois les ombres définies, il est temps d'ajouter de la couleur à l'image. Pour ce faire, nous créons un calque entre le calque d'ombre et le calque de couleur de base gris que nous avons créé à la troisième étape du didacticiel. Ce calque, comme le calque d'ombre, aura pour fonction de s'adapter au calque inférieur activé. Nous allons peindre ici les couleurs que nous voulons pour le design.

Progressivement et en répétant ce processus, chaque élément de l'image est coloré. Il est conseillé de ne pas utiliser de tons très saturés au début pour maintenir une harmonie entre eux.

Maintenant que l’image a de la couleur, il convient d’ajuster les ombres afin qu’elle soit en harmonie avec le reste de l’image. Pour ce faire, nous allons passer au calque d’ombre, nous utiliserons la fonction de blocage des pixels de transparence et nous colorierons l’ombre avec un ton orange.

Ajouter de la lumière

Pour ajouter de la lumière, nous créons un nouveau calque au-dessus du calque d’ombre (avec également la fonction d’ajustement au calque inférieur). Nous plaçons le calque avec le mode de fusion "lumière vive" à une opacité de 75% et appliquons avec des coups de pinceau bleu clair qui indiquent la lumière dans l'élément.

Nous avançons avec tous les éléments jusqu'à ce que la lumière soit présente dans les parties pertinentes de l'image. En règle générale, lorsque la lumière est froide, l'ombre est chaude et inversement. C'est pourquoi nous avons dans ce cas une ombre orange et une lumière bleue.

Souligner la couleur

Jusqu'à présent, nous avons défini les couleurs de base de l'image, la lumière et l'ombre. La plage initiale est peu saturée. Dans cette étape, nous allons ajouter progressivement la saturation jusqu'à obtenir un résultat plus vivant.

 

Nous créons un calque au-dessus de la lumière avec le mode de fusion en "superposition". Grâce à cela, nous pouvons ajouter de la saturation à la zone souhaitée. Par exemple, si nous voulons ajouter un vert plus intense au dos de la grenouille, nous choisirons un vert clair tenant compte de la couleur de base de l'élément et l'appliquerons avec un pinceau sur le calque.

 

Ainsi, petit à petit et avec plusieurs couches avec une fonction superposée et des opacités différentes, nous augmentons la saturation et la couleur à notre goût. C’est là qu’une bonne organisation des couches et des dossiers montre son utilité.

 

En raison de la nature glissante de la peau de la grenouille, nous ajoutons de puissants paillettes blanches qui impliquent sa texture amphibienne.

Définir le fond

Il est temps de définir le fond, il est bon que toutes les parties de l'illustration avancent en tandem. Puisque tous les éléments interagissent les uns avec les autres quand ils sont présents dans le même espace. De cette manière, l'implémentation du personnage en arrière-plan est plus simple, car tout évolue naturellement de concert.

 

Nous créons un calque sous tous les éléments qui vont au-dessus de l’arrière-plan. Nous peignons les détails que nous voulons. Dans cette illustration, nous peignons plus d'arbres en arrière-plan.

Un peu de lumière est également ajoutée à l'eau et au sable. Pour la terre, il est conseillé d'utiliser un pinceau avec une texture de points pour imiter le matériau du sol. Ceci, par exemple, serait une bonne option.

Pour éviter que les arbres en arrière-plan occupent trop d'attention du spectateur et en tenant compte qu'ils sont au loin. Nous créons une autre couche au-dessus des arbres et ajoutons du brouillard avec un aérographe de la couleur bleuâtre de la scène. Nous ajoutons également le brun des arbres reflété dans l'eau.

Rendre le personnage principal

Une fois les étapes précédentes terminées, nous aurons complété la base parfaite de notre illustration. À partir de maintenant, nous pourrions unifier toutes les couches (il est recommandé, si nous le faisons, de créer une nouvelle version du fichier afin de n'en conserver qu'une avec toutes les couches divisées).

 

Nous créons avant tout un calque et commençons à peindre avec notre pinceau de préférence. Cette étape est la plus difficile à exécuter avec un niveau débutant, car elle nécessite la maîtrise du pinceau et des principes artistiques de base tels que la théorie des couleurs.

 

Malgré tout, il existe un conseil tout aussi applicable à tous les niveaux artistiques: peindre sans crainte, il n’est rien qui arrive d’appliquer la mauvaise couleur ou de ne pas trouver l’étendue exacte de l’ombre que nous voulons avec le premier pinceau. L'avantage du numérique est la possibilité de corriger ces actions sans gâcher le canevas. Les essais et les erreurs, ainsi que l’intuition, sont des pratiques recommandées pour explorer le potentiel de l’illumination. Il est important de ne pas être frustré et de continuer à essayer jusqu'à ce que vous obteniez le résultat souhaité.

 

Dans cette illustration, nous commençons par ajouter des coups de pinceau clairs indiquant l'endroit où la lumière aurait un impact sur les caractères.

Ensuite, des tons plus saturés et colorés sont ajoutés avec l'outil aérographe et le pinceau. Comme dans la mentalité de l'étape "accentuer les couleurs", l'intensité des couleurs se construit progressivement. De cette façon, l'équilibre entre eux est mieux contrôlé.

Avec le temps et le dévouement, les détails de la figure sont détaillés avec le pinceau. Il est conseillé de concentrer les détails sur l’aspect le plus important du personnage. Nous utilisons le zoom qui permet au programme d'être exécuté sur l'image pour donner les traits plus précisément.

Dans cette partie du processus, il n'y a pas de raccourcis, continuez simplement de peindre jusqu'à ce que la figure soit entièrement rendue. La patience et les efforts sont la clé d'un résultat optimal.

Rendre le fonds

Premièrement, les couleurs de fond sont modifiées pour le rendre plus sombre et plus saturé. Pour ce faire, la fonction de correction "Teinte / Saturation / Luminosité" est utilisée jusqu'à l'obtention du résultat souhaité. Pour accéder à cette fonction, vous devez accéder au menu situé en haut de l'application dans "Edition> Correction des tons> Teinte / Saturation / Luminosité" ou appuyer sur "Ctrl + U" sur le clavier.

Ensuite, comme dans l’étape précédente, il s’agit de peindre et d’ajouter progressivement de la couleur et des détails. Dans cette illustration, nous modifions la taille du fonds pour corriger la perspective. Nous utilisons l'outil "Transformation" pour cela. Pour y accéder, utilisez les commandes "Ctrl + Maj + T" ou le menu ci-dessus dans "Edition> Transformation> Transformation libre".

Les pinceaux recommandés à cet effet sont: l'aérographe, le pinceau préféré et un pinceau granulé (comme celui utilisé pour le sable) dans les zones où on souhaite lui donner une texture (dans ce cas, ils sont utilisés pour les taches de poussière dans l'air). Les ombres et les lumières de la grenouille sont également repeintes dans le processus pour maintenir la cohérence avec l'arrière-plan.

 

Une astuce pour implémenter certains éléments de l'image avec le reste consiste à prendre les couleurs d'un élément et à les ajouter subtilement au bord de l'autre. Ceci, en théorie, est dû à la réflexion de la lumière dans un objet sur un autre. Par exemple, prenez le ton rougeâtre de la langue de la grenouille et placez-la sur le bord inférieur de la braguette.

Rendre le personnage secondaire

Cette étape peut être effectuée en même temps que le rendu du personnage principal. Cependant, pour ce tutoriel, son explication est partagée pour vous apprendre à peindre sa fourrure. Depuis, la mouche a une texture différente de celle de la grenouille et nécessite donc un processus différent.

 

La première chose à faire est de définir la silhouette du personnage en effaçant toute ligne qui se démarque de manière impertinente dans la figure. Par conséquent, les jambes de l’un des côtés étant supprimées, il est plus facile de les ajouter en tant que détails à la fin que de les prendre en compte dans cette partie du processus.

Avec l'aérographe et le pinceau, les couleurs du personnage sont floues. Définissant ainsi le tube lilas et les yeux noirs de la mouche. Pour les ailes, les ailes des insectes dans la vie réelle sont prises en compte, ce qui est transparent en raison de leur matériau. Cet effet est obtenu soit en effaçant soigneusement l'intérieur de l'aile, soit en utilisant un pinceau avec la couleur bleue du fond à l'intérieur.

 

Pour que l'effet du pelage du corps soit efficace, il est conseillé de brouiller les couleurs en suivant un motif rayé clair à foncé. Commencez par le haut avec un ton marron clair, descendez vers un autre plus clair et ainsi de façon répétée jusqu’à la fin. Cela aide également à créer le même effet, mais beaucoup plus subtil, de droite à gauche. Ceci est fait pour émuler comment l'ombre et la lumière fonctionnent et interagissent dans les cheveux.

Pour ajouter la texture des cheveux à la volée, il est conseillé d'utiliser des pinceaux spécialisés à cet effet. Dans cette illustration, nous utilisons les éléments suivants:

Détails finaux

C’est la dernière phase de l’illustration, il ne reste que les derniers détails à compléter. Une recommandation est de laisser le dessin reposer pendant un jour ou deux, afin qu'il y revienne avec une vision renouvelée et une énergie rechargée. Cela peut produire des améliorations et de nouvelles décisions dans la direction des travaux. Dans ce cas, par exemple, lorsque vous reprenez l'illustration, il est décidé de rendre l'arrière-plan plus bleu et saturé.

 

Les détails ajoutés à cette étape sont les suivants: les pattes et les yeux de la mouche; flou l'arrière-plan pour lui donner une apparence plus lointaine. Pour obtenir cet effet, la partie de l'image que nous voulons rendre floue est sélectionnée et l'outil Flou gaussien est utilisé. Il est accessible dans le menu principal "Filtre> Flou> Flou gaussien".

Pour rendre la conception plus intéressante, des dents acérées ont été ajoutées à la gueule de la bête. Des points circulaires ont également été dessinés, créant un nouveau calque avec le mode de fusion par multiplication et une teinte vert foncé.

 

Des effets ont été mis en œuvre sur l'image pour donner une action au travail. Comment peindre la salive sur la langue de la grenouille et les ailes qui voltigent la mouche. Ceci est réalisé en dupliquant les ailes, en les faisant pivoter ("Edition> Transformer> Rotation") et en les plaçant dans un filtre de flou de mouvement ("Filtre> Flou> Flou de mouvement").

 

Pour intensifier la luminosité des caractères, nous créons un calque avec le mode de fusion dans "Surexposer (luminosité)" à 35% d'opacité. Avec soin et en utilisant l'aérographe, nous examinons les zones désirées avec un bleu clair pour leur donner l'effet.

Il est important de retourner l'image au moins une fois pendant le processus pour s'assurer que tout est en ordre. Nous pouvons trouver cette fonction dans "Edition> Rotation / inversion du canevas> Retourner horizontalement". Si nous trouvons une erreur, il suffit de peindre jusqu'à ce que nous la résolvions.

Une fois que tout est résolu, nous retournons la toile à sa position initiale et éditons l'image à notre guise pour obtenir le résultat souhaité. Il est facile de s’égarer dans cette partie du processus en ne sachant pas quand quitter un travail fini. Une fois que nos avances cessent d'avoir un effet positif sur le travail, il vaut mieux y mettre fin.

 

Dans cette illustration, les tons et la saturation des couleurs sont corrigés, des détails sont ajoutés à l'arbre le plus proche et la texture du sable est examinée. Ceci conclut le travail.