Bonjour les créateurs de Clip Studio !

 

J'adore créer des aquarelles numériques dans Clip Studio, c'est le meilleur programme que j'aie utilisé pour les techniques d'aquarelle, et je découvre de plus en plus de techniques et de fonctionnalités incroyables au fur et à mesure.

 

NOTE : Ce tutoriel est davantage axé sur mon processus avancé que sur les bases, il ne sera donc probablement facile à suivre que si vous avez déjà une certaine expérience de Clip Studio.

Aquarelle numérique - Qu'est-ce qui est possible ?

J'ai toujours aimé l'aquarelle traditionnelle et je l'ai beaucoup utilisée dans mes illustrations au fil des ans, j'ai même réalisé un livre entier pour enfants à l'aquarelle ! Mais pendant longtemps, l'aquarelle NUMÉRIQUE n'était pas une option. J'avais l'habitude de peindre à l'aquarelle traditionnelle, puis de la scanner dans Photoshop et de faire mon encrage par-dessus ! Dieu merci, ces jours sont révolus et nous pouvons maintenant utiliser l'aquarelle numérique.

 

Alors, qu'est-ce qui est possible ? Dans une certaine mesure - tout ! En utilisant des textures scannées et les outils déjà disponibles dans Clip Studio, je pense que vous pouvez créer les résultats que vous aimez vraiment, rapidement et à un niveau professionnel. Il vous suffit de maîtriser quelques techniques propres à Clip Studio et à l'aquarelle numérique.

 

Donc, si tout est possible, je vous suggère de rassembler de superbes illustrations de référence pour savoir où vous aimeriez que vos œuvres à l'aquarelle aillent - recueillez des références sur Pinterest ou ailleurs, auprès d'artistes aquarellistes que vous aimez. Certains de mes artistes aquarellistes préférés sont ci-dessous (veuillez suivre les liens pour voir le travail des artistes) :

EDMUND DULAC

Un illustrateur de l'âge d'or. J'aime ses couleurs vibrantes et ses textures naturelles. Ainsi que la façon dont il utilise la chaleur et la froideur des couleurs.

ARTHUR RACKHAM

Un illustrateur légendaire et révolutionnaire de la fin du XXe siècle. J'aime son imagination explosive, ses lignes puissantes et ses belles couleurs.

Aquarelle numérique - Mon style d'aquarelle

Maintenant, je sais que chacun a un style et une approche très différents de l'art, je vais donc me concentrer sur mes propres techniques personnelles. Mais je tiens à dire que vous pouvez appliquer tout ce que je décris dans ce tutoriel à VOTRE PROPRE style artistique - il n'y a aucune limitation ici, juste beaucoup d'options !

 

Tout cela pour dire que vous pouvez voir certaines de mes œuvres ci-dessous, utilisant ces techniques, et utilisant Clip Studio pour créer de l'art à l'aquarelle numérique :

Et voici ma peinture que je vais discuter et parcourir dans ce tutoriel. Elle s'appelle 'Regarde en haut' :

Ces techniques donnent de très bons résultats à la fois sur affichage numérique ET sur impressions traditionnelles, donc si vous créez une aquarelle que vous aimez, je vous recommande de la faire imprimer dans votre imprimerie locale pour la vendre potentiellement en tant qu'impression ou simplement l'accrocher à votre mur.

 

Vous pouvez voir plus de mes œuvres sur mon site web :

 

Et mon Instagram :

Processus et aperçu

Ainsi, mon processus, que je vous recommande de suivre au moins pour ce tutoriel, comporte quelques étapes importantes avant d'arriver à la peinture à l'aquarelle :

 

PARTIE 1

Croquis préliminaire, Traits, Couleurs plates

 

PARTIE 2

Base d'aquarelle

Traits colorés

Ombre à l'aquarelle

Lumières

Effets

Dessin préliminaire

Je développe généralement mes meilleurs croquis / mises en page sous forme de vignettes. Il y a quelque chose dans le fait de simplifier une page en un minuscule croquis qui m'aide vraiment à créer une mise en page bien équilibrée. De plus, à une si petite taille, il est si rapide d'effacer des zones et de les refaire, ou simplement de commencer un nouveau croquis préliminaire.

 

Voici ce que j'ai fait dans mon carnet de croquis traditionnel, puis j'en ai pris une photo avec mon iPad pour l'importer dans Clip Studio :

Ce croquis préliminaire était vraiment petit, environ 1/4 de page de mon petit carnet. J'ai aussi fait d'autres croquis, mais j'ai décidé de m'en tenir à celui-ci. Il a un joli flux ou une belle énergie. Je ne veux pas dire cela d'une manière étrange, je veux juste dire que les lignes et les éléments ont un joli sens du mouvement et de la concentration, comme ceci :

N'ayez pas peur de remplir page après page de croquis préliminaires avant de trouver celui qui convient à votre idée d'illustration. Ne vous inquiétez pas si vous passez beaucoup de temps à l'étape du croquis, c'est l'un des moments les plus importants de votre processus - Tous les croquis préliminaires que vous n'utilisez pas peuvent toujours être utilisés plus tard pour une autre illustration.

 

Maintenant que nous avons terminé l'ébauche, il est temps de faire les lignes au crayon dures.

Traits de crayon

Maintenant, importez votre croquis préliminaire dans Clip Studio, et assurez-vous que la taille de la page est au moins au format A4 / Lettre, et que la résolution est réglée à au moins 350dpi (600dpi est ce que j'utilise souvent).

 

Importez votre croquis préliminaire, puis baissez son opacité, et sur un nouveau calque, commencez à créer votre encrage.

 

Quelques notes sur l'encrage à l'aquarelle :

 

• Parfois, moins c'est plus avec l'encrage pour les illustrations à l'aquarelle. Si vous regardez les exemples d'Edmund Dulac que j'ai utilisés ci-dessus, vous pouvez voir qu'il utilisait des lignes fines et assez uniformes. Mais en même temps, vous pouvez utiliser des lignes plus audacieuses, il vous suffit de trouver ce qui fonctionne pour vous.

 

• J'utilise souvent une ligne fine pour les illustrations à l'aquarelle, et dans cette peinture, j'ai utilisé le pinceau d'encrage par défaut 'Stylo texturé' pour une ligne nette mais dentelée. J'augmente la stabilisation à 20 pour aider à lisser les lignes, et je règle la taille du pinceau à 0,5.

 

• Quelque chose que je trouve très pratique lors de l'encrage et tout au long du processus de peinture, est le panneau 'Vue secondaire'. Vous pouvez essentiellement charger n'importe laquelle de vos images de référence préférées, par exemple une œuvre encrée que vous aimez vraiment, et l'utiliser comme référence pendant que vous dessinez :

Maintenant, une fois que vous avez testé votre stylo, commencez à tracer vos lignes dures sur le nouveau calque. Concentrez-vous sur la texture du contour et les formes qui se chevauchent. Vous n'avez pas besoin de vous soucier des ombres, sauf si vous voulez un aspect texturé à l'encre - concentrez-vous simplement sur les contours et la texture des vêtements, etc. :

N'oubliez pas de garder votre encrage aussi propre que possible. Cela contribuera à obtenir un résultat optimal. Quelques exemples d'encrage qui fonctionne bien pour les œuvres à l'aquarelle :

Je base mon encrage pour les illustrations à l'aquarelle sur des références comme Edmund Dulac. Pour analyser son encrage, ignorez la couleur et observez simplement le trait. C'est très propre, clair. Notez comment il développe les ombres avec son aquarelle, et non avec son encrage :

Couleurs plates

Le remplissage de couleurs plates est une étape très utile, mais pas absolument nécessaire dans le processus artistique de l'aquarelle numérique. En gros, les couleurs plates sont des sélections de couleurs que nous utilisons pour contrôler le flux de notre peinture à l'aquarelle, afin que les coups de pinceau que nous faisons restent dans les lignes - c'est super utile pour garder les choses ordonnées. Mais, si vous voulez un aspect plus naturel et plus libre, vous pouvez sauter le processus de remplissage. Ainsi, contrairement à de nombreux artistes de bande dessinée qui définissent leurs sélections de couleurs plates avec n'importe quelle couleur aléatoire, j'aime prendre mes décisions de couleurs de base lorsque je fais mon - en gros, je trouve que c'est une étape très utile dans le processus pour décider des couleurs que je veux utiliser dans ma peinture. Alors, d'abord :

1. désactivez le calque d'ébauche, nous n'en avons plus besoin, nous avons maintenant l'encrage final comme référence

2. créez un calque sous le calque d'encrage

3. sélectionnez le pinceau aérographe doux par défaut et commencez à peindre vos couleurs très librement - il s'agit de l'ambiance, pas de la précision :

Ne vous inquiétez pas de rester dans les lignes, ces couleurs ne sont que des notes pour votre futur moi afin de vous aider à créer une 'sensation' ou une émotion à travers votre sélection de couleurs.

 

Une fois que vous avez une idée générale des couleurs que vous souhaitez utiliser, sélectionnez votre calque de ligne, verrouillez la transparence, puis définissez le calque de ligne comme 'calque de référence' à l'aide de l'icône de phare :

Cela fera de l'encrage une référence pour vos couleurs plates, qui seront créées sur un calque différent.

 

--

 

Maintenant que nous avons une idée approximative des couleurs, passons aux COULEURS PLATES.

 

Créez un nouveau calque SOUS le calque d'encrage, puis sélectionnez l'outil pot de peinture et utilisez les paramètres ci-dessous :

Juste pour détailler certains des paramètres :

 

'Fermer les lacunes' est très important, car il fermera toutes les lacunes de votre encrage lorsque vous créerez vos aplats. Sans cela, même la plus petite lacune fera déborder votre pot de peinture sur d'autres zones de votre œuvre.

 

'Tolérance' définira un niveau de tolérance pour permettre d'ignorer les variations de couleur (dans ce cas, tout gris de votre encrage).

 

'Échelle de la zone' signifie que le pot de peinture remplira un peu au-delà de la ligne, ce qui est très utile pour vous assurer de ne pas avoir d'espaces flous autour de votre encrage.

 

'Référence multiple' indique à Clip à quel calque se référer dans le processus de remplissage - dans ce cas, nous voulons que le pot de peinture se réfère à l'encrage. Ainsi, même si nous sommes sur un calque différent sous l'encrage, nos remplissages seront contraints aux contours de l'encrage.

 

Commencez maintenant à remplir votre calque d'aplat avec la couleur 'générale' de chaque objet. Référez-vous à votre croquis de couleur précédent en utilisant l'outil pipette pour sélectionner les couleurs, puis cliquez pour remplir chaque élément avec une couleur de base unie.

Continuez à ajuster vos couleurs jusqu'à ce qu'elles soient parfaites. Je n'aimais pas le faible contraste entre l'arrière-plan et le premier plan, alors j'ai assombri la partie inférieure de la scène et l'arrière-plan :

Maintenant, passons à la partie peinture 'Aquarelle' !

Base d'aquarelle

L'aquarelle traditionnelle est construite en couches, du clair au foncé, et l'aquarelle numérique semble bien fonctionner si vous suivez le même processus.

 

Tout d'abord, vous devrez télécharger ces pinceaux incroyables, qui changent la vie et sont époustouflants, et qui sont entièrement gratuits grâce au généreux créateur ×ェ× :

Veuillez vous familiariser avec ces pinceaux sur une page vierge, ce sont tous des pinceaux très utiles, et j'aime vraiment les utiliser tels quels, et les ajuster pour répondre à mes besoins. Quoi qu'il en soit, le pinceau principal dont vous aurez besoin pour créer votre base d'aquarelle se trouve dans cet ensemble, ici :

 

(NOTE : JE NE PARLE PAS JAPONAIS, ALORS J'AI AJOUTÉ LE MOT 'uni' POUR M'AIDER À ME SOUVENIR DE QUEL PINCEAU IL S'AGIT)

Ce pinceau est très bon pour beaucoup de choses, il est polyvalent et possède un bord aquarelle, que vous pouvez activer et désactiver, selon ce que vous voulez faire. Il mélange doucement les couleurs de premier plan et d'arrière-plan, donc si nous sélectionnons du rouge/rose comme premier plan et du bleu comme couleur d'arrière-plan :

Nous obtiendrons un joli mélange doux des deux couleurs :

En utilisant la pression du stylet, vous pouvez commencer avec un bord dur, puis en adoucissant et en frottant une zone, elle peut devenir un bord doux, tout comme l'aquarelle normale. Exemple ci-dessous :

Ainsi, une fois que vous avez pris le coup de main avec ce pinceau, retournez à votre document d'illustration et créez un nouveau calque appelé 'Base' ou quelque chose de similaire, pour y déposer votre base d'aquarelle.

 

Sélectionnez le calque des aplats, puis, à l'aide de l'outil baguette magique, cliquez sur la zone que vous souhaitez commencer à peindre. Assurez-vous que 'référer uniquement au calque sélectionné' est également le paramètre de la baguette magique que vous utilisez, et que votre outil baguette magique est réglé sur une mise à l'échelle de zone de 0. Ici, j'ai sélectionné le grand nuage vert pour commencer :

Maintenant, désactivez votre calque d'aplats et sur votre calque 'Base d'aquarelle', commencez à peindre délicatement votre couche de base d'aquarelle :

Continuez sur chaque élément séparé, en créant une base d'aquarelle pour chaque élément. N'oubliez pas de vraiment jouer avec les couleurs, n'ayez pas peur d'utiliser des références pour choisir de belles couleurs et d'expérimenter ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Parfois, les couleurs les plus surprenantes fonctionnent bien ensemble.

Je n'ai pas enregistré de timelapse de cette peinture en particulier, cependant, voici un timelapse d'une autre peinture que j'ai réalisée récemment, où j'ai posé les couleurs de base de l'aquarelle :

OK, maintenant, parfois cette technique ne fonctionne pas pour toutes les zones, et les grandes zones de couleur nécessitent une approche différente. Par exemple, je voulais ajouter de la texture et de la profondeur à l'arrière-plan derrière la fille qui regarde le ciel.

 

Pour remplir de grandes zones, j'aime le pinceau aquarelle à dispersion triangulaire qui est inclus dans l'ensemble que je vous ai recommandé de télécharger précédemment :

Ce pinceau mélange également la couleur d'arrière-plan et de premier plan, alors assurez-vous de sélectionner ces deux couleurs avant de commencer.

 

Pour remplir une zone avec ce pinceau, je suggère d'utiliser quelques calques.

 

J'ai créé un nouveau calque et l'ai rempli d'un peu de texture, en utilisant des formes de triangles et de cercles dispersés, en augmentant la dispersion dans les paramètres du pinceau :

J'ai ensuite créé un nouveau calque par-dessus et peint soigneusement l'arrière-plan à nouveau en utilisant le même pinceau triangulaire, jusqu'à obtenir une belle couche de couleur solide, comme ceci :

 

NOTE : J'ai également terminé de peindre la base d'aquarelle pour la foule et la fille à cette étape :

C'est tout pour notre base d'aquarelle - cela n'a peut-être pas l'air de grand-chose encore, mais faites confiance au processus, une fois que nous aurons ajouté nos ombres, nos lumières et nos extras, ça va être superbe !

Colorisation de l'encrage

C'est facultatif, et ce n'est pas quelque chose que beaucoup de mes références font, mais j'aime coloriser mon encrage dans au moins certaines zones. Je trouve que cela ajoute de l'unité à l'œuvre. Je le fais même dans mes bandes dessinées ! En gros, tout ce que vous avez à faire est de verrouiller d'abord la transparence de votre calque d'encrage, afin de pouvoir coloriser directement l'encrage sans vous soucier de le détruire.

Je sélectionne ensuite des couleurs unies, comme le rouge ou le bleu (c'est une partie très intuitive du processus et difficile à conseiller), et je colore les différentes zones de mon illustration. Dans les zones les plus proches des lumières vives, je rends l'encrage presque blanc, une couleur jaune vif.

 

Vous devez vraiment suivre votre instinct dans cette partie du processus. Expérimentez.

Certains des objets, comme les formes d'étoiles, j'ai donné une couleur de ligne brillante pour les faire 'ressortir' dans la composition.

 

N'oubliez pas que vous pouvez laisser certaines parties en encrage noir, changez simplement les couleurs des lignes que vous jugez les meilleures.

 

Vous devriez obtenir quelque chose d'un peu plus cohérent, comme ceci :

Ombres à l'aquarelle

Le calque d'ombre est très important en peinture à l'aquarelle - considérez-le comme une autre couche de peinture que vous appliquez sur l'œuvre. Il apporte de la profondeur, du dynamisme et de la focalisation à votre composition.

Actuellement, votre œuvre devrait être à peu près à ce stade, avec toutes vos bases d'aquarelle posées en généreux lavis de couleur :

 

CONSEIL IMPORTANT : si vos bases d'aquarelle ne sont pas assez lumineuses, dupliquez le calque. Cela doublera la saturation de votre base d'aquarelle. Vous pouvez ensuite ajuster l'opacité du calque dupliqué jusqu'à ce qu'elle soit parfaite, puis fusionner les deux calques. C'est plus ou moins ce que j'ai fait ci-dessous pour obtenir des lavis de couleur très vibrants mais lisses.

Pour créer le calque d'ombre, je prends le même pinceau rond que nous avons utilisé pour poser notre base d'aquarelle, et je sélectionne une ombre profonde.

 

Une note sur la couleur de l'ombre - Comme la couleur de base de mon illustration est principalement le vert, j'ai choisi la couleur complémentaire rouge comme couleur d'ombre. Si la couleur de base principale était le bleu, j'opterais pour une couleur d'ombre brun-orange.

 

Vous pouvez utiliser la roue chromatique. Si votre couleur principale dans votre illustration est d'un côté, choisissez une couleur d'ombre de l'autre côté de la roue, qui serait une couleur complémentaire.

Voici donc la couleur que j'ai choisie pour mon ombre, un rouge violacé, avec la couleur d'arrière-plan d'un rouge vif, qui s'est subtilement mélangée à la couleur de premier plan pendant que je peignais :

Je crée ensuite un calque appelé 'ombres' au-dessus du calque d'aquarelle de base, mais en dessous de l'encrage. Je règle l'opacité à 61%, mais vous pouvez ajuster ce niveau en fonction de l'intensité que vous souhaitez donner à vos ombres :

Puis je commence délicatement mais avec confiance à peindre mes ombres rouges. J'utilise les sélections de mon calque d'aplats pour m'aider à rester dans les lignes, tout comme je le fais avec le calque de base.

Choses à retenir lors de la peinture des ombres :

 

• Il y a des ombres douces et des ombres dures, selon la proximité ou l'éloignement de chaque objet par rapport à l'autre.

• Si un objet est éloigné de l'objet en dessous, son ombre portée sera plus éloignée.

• Les ombres portées aident vraiment à définir la forme en dessous (voyez comment mes formes de nuages ci-dessus courbent et déforment les ombres portées tombant sur leurs surfaces.

Vous devriez obtenir une réelle profondeur commençant à apparaître dans votre œuvre grâce à l'interaction des ombres :

Je n'ai pas enregistré de timelapse de cette illustration en particulier, mais ci-dessous est un exemple d'une autre de mes illustrations où je peins le calque d'ombre :

Et cette séquence en timelapse ci-dessous montre comment le calque d'ombre peut aider à définir la forme de l'objet avec beaucoup de détails :

Lumières

Les lumières peuvent vraiment faire ressortir une illustration, surtout dans un médium aussi délicat que l'aquarelle numérique. Mais elles doivent également être utilisées avec parcimonie.

 

Je n'ai pas utilisé beaucoup de lumières dans l'illustration 'Regarde en haut' dont nous avons discuté, à l'exception de l'encrage que j'ai transformé en jaune vif ou en blancs :

Mais j'ai créé un calque, et en utilisant une couleur blanche et le pinceau aquarelle rond, j'ai parsemé quelques lumières texturées pour créer une atmosphère de luminosité dans les zones qui en avaient besoin :

Sur une page de ma bande dessinée Les Tentations, vous pouvez voir l'effet avant et après l'ajout de lumières. J'ai d'abord créé un calque sous l'encrage et sélectionné le Stylo Texturé par défaut (que nous avons utilisé précédemment dans le tutoriel).

Voici la page sans les lumières :

Ensuite, en pensant à une lumière venant d'une direction des personnages, j'ai dessiné des lumières sur les côtés des objets, et une lumière de contour entourant totalement la figure principale de l'illustration (Jésus) :

Voici une petite vidéo de moi peignant les lumières :

Vous voulez que vos lumières travaillent pour vous, pour apporter de la focalisation ainsi que du réalisme. De plus, n'en faites pas trop !

 

Dans cette illustration, j'ai sélectionné l'arrière-plan et j'ai délicatement peint un reflet blanc à l'aide du pinceau aquarelle rond, comme vous pouvez le voir ci-dessous. J'ai également utilisé des lignes de focalisation menant à la tête du personnage principal, pour attirer l'attention, ainsi qu'un contour blanc entourant tout le personnage :

Effets

Parfois, les effets sont essentiels pour donner à une peinture à l'aquarelle numérique un aspect plus traditionnel. Voici quelques conseils que je recommande vivement.

Donc, à ce stade, 'Regarde en haut' avait l'air bien, mais il fallait plus de profondeur dans certaines zones, alors j'ai créé un calque réglé sur 'lumière dure' (ou vous pouvez utiliser 'lumière vive' si vous préférez). J'ai également créé un autre calque en mode 'incrustation' (ou 'couleur plus foncée') pour assombrir certaines zones de la peinture :

Puis j'ai délicatement peint des lavis texturés sur chacun de ces calques, pour créer plus de profondeur et de contraste, en utilisant le même pinceau aquarelle triangulaire que nous avons utilisé précédemment :

Quelques gros plans des détails que j'ai peints en utilisant des couleurs vertes, bleues et rouges :

Une autre technique importante est un calque 'lumière douce', utilisant un calque de texture aquarelle.

 

J'ai développé la texture ci-dessous à partir de mes fichiers, et elle fonctionne bien, n'hésitez pas à l'utiliser vous-même :

Ou, si cela ne vous convient pas, le fichier inclus dans le set d'aquarelle de ×ェ× que nous avons téléchargé précédemment, vous le trouverez ici, que vous pouvez simplement faire glisser sur votre toile et régler sur 'lumière douce' :

Voici donc à quoi ressemblait le gros plan de l'illustration avant la texture 'lumière douce' :

J'ai réglé la texture aquarelle sur 'lumière douce' et j'ai joué avec l'opacité de ce calque :

Le résultat, un changement subtil mais magnifique :

En option, vous pouvez continuer à ajouter des textures. J'aime ajouter une belle texture de papier à mon illustration à l'aquarelle :

Vous pouvez trouver ces types de textures de papier, souvent sans couture, sur Google ou sur des sites web de textures. Expérimentez pour trouver ce qui vous convient !

 

Je règle ce calque sur 'produit' et diminue l'opacité :

Et le résultat final est ci-dessous :

Conclusion

C'est à peu près tout !

 

Toutes les techniques ci-dessus peuvent être appliquées à votre œuvre et à votre style particuliers - utilisez simplement les principes que j'ai définis en détail et appliquez-les à vos dessins.

 

Quelques notes finales sur l'illustration à l'aquarelle :

• Utilisez des références pour vos peintures à l'aquarelle et pour la couleur, cela aide vraiment !

• n'ayez pas peur d'expérimenter

• utilisez des textures de superposition pour rendre votre travail à l'aquarelle plus dynamique

• Clip Studio possède BEAUCOUP d'outils. Je n'en ai couvert que quelques-uns. Ils peuvent tous vous aider à créer un meilleur art et une expérience plus agréable et gratifiante, alors informez-vous sur tout ce que Clip a à offrir.

 

Veuillez me faire part de vos questions dans les commentaires.

 

Taguez-moi sur Instagram à @dropthedrawings pour me montrer ce que vous avez créé !

 

Et consultez mon art ici :

Merci beaucoup d'avoir lu, j'espère que vous apprécierez d'essayer ces techniques !