Salut les créateurs de Clip Studio !

 

J'adore créer de l'aquarelle numérique dans Clip studio, c'est le meilleur programme que j'ai utilisé pour les techniques d'aquarelle, et je découvre de plus en plus de techniques et de fonctionnalités étonnantes au fur et à mesure.

 

REMARQUE : ce didacticiel concerne davantage mon processus avancé que les bases, il ne sera donc probablement facile à suivre que si vous avez déjà une certaine expérience de Clip Studio.

Aquarelle numérique - Qu'est-ce qui est possible ?

J'ai toujours aimé l'aquarelle traditionnelle, et je l'ai beaucoup utilisée dans mes illustrations au fil des ans, j'ai même fait tout un livre pour enfants à l'aquarelle ! Mais pendant longtemps, l'aquarelle NUMÉRIQUE n'était pas une option. J'avais l'habitude de peindre à l'aquarelle traditionnelle, puis de la numériser dans photoshop et de faire mon dessin au trait par-dessus ! Dieu merci, cette époque est révolue depuis longtemps et nous pouvons maintenant utiliser l'aquarelle numérique.

 

Alors qu'est-ce qui est possible ? Dans une certaine mesure - n'importe quoi ! En utilisant des textures numérisées et les outils déjà disponibles dans Clip studio, je pense que vous pouvez créer les résultats que vous aimez vraiment, rapidement et à un niveau professionnel. Il vous suffit de maîtriser quelques techniques particulières au clip studio et à l'aquarelle numérique.

 

Donc, si quelque chose est possible, je vous suggère de rassembler de superbes illustrations de référence sur l'endroit où vous souhaitez que vos aquarelles aillent - rassemblez des références de Pinterest ou d'ailleurs, d'aquarellistes que vous aimez. Certains de mes aquarellistes préférés sont ci-dessous (veuillez suivre les liens pour voir le travail des artistes):

EDMOND DULAC

Un illustrateur de l'âge d'or. J'aime ses couleurs vives et ses textures naturelles. Aussi la façon dont il utilise la chaleur et la fraîcheur des couleurs.

ARTHUR RACKHAM

Un illustrateur légendaire et révolutionnaire de la fin du 20e siècle. J'aime son imagination explosive, ses lignes puissantes et ses belles couleurs.

Aquarelle numérique - Mon style d'aquarelle

Maintenant, je sais que tout le monde a un style et une approche de l'art très différents, donc je vais me concentrer sur mes propres techniques personnelles. Mais je tiens à dire que vous pouvez appliquer tout ce que je décris dans ce tutoriel à VOTRE PROPRE style artistique - il n'y a pas de limites ici, juste beaucoup d'options !

 

Tout cela pour dire, vous pouvez voir certaines de mes œuvres d'art ci-dessous, en utilisant ces techniques et en utilisant Clip Studio pour créer de l'art à l'aquarelle numérique :

Et c'est ma peinture que je vais discuter et parcourir dans ce tutoriel. Cela s'appelle "Rechercher":

Ces techniques ressortent très bien à la fois dans l'affichage numérique ET dans les impressions traditionnelles, donc si vous créez une aquarelle que vous aimez, je vous recommande de la faire imprimer dans votre imprimerie locale pour potentiellement la vendre sous forme d'impression ou simplement la mettre sur votre mur.

 

Vous pouvez voir plus de mes œuvres d'art sur mon site Web :

 

Et mon instagram :

Processus et aperçu

Donc, mon processus, que je vous recommande de suivre au moins pour ce tutoriel, comporte quelques étapes importantes avant de passer à l'aquarelle :

 

PARTIE 1

Croquis, Lignes, Appartements

 

PARTIE 2

Base Aquarelle

Lignes colorées

Ombre Aquarelle

Points forts

Effets

Dessin rugueux

Je développe généralement mes meilleurs dessins / mises en page bruts sous forme de vignettes. Il y a quelque chose à propos de la simplification d'une page en un petit croquis qui m'aide vraiment à créer une belle mise en page équilibrée. De plus, à une si petite taille, il est si rapide d'effacer des zones et de les refaire, ou simplement de commencer un nouveau croquis.

 

C'est ce que j'ai fait dans mon carnet de croquis traditionnel, puis j'en ai pris une photo dans mon ipad pour l'amener en studio de clip :

Ce croquis approximatif était vraiment petit, environ 1/4 de page de mon petit carnet de croquis. J'ai aussi fait d'autres croquis, mais j'ai décidé de m'en tenir à celui-ci. Il a un flux ou une énergie agréable. Je ne veux pas dire cela d'une manière étrange, je veux simplement dire que les lignes et les éléments ont un bon sens du mouvement et se concentrent sur eux, comme ceci :

N'ayez pas peur de remplir la page et les pages de croquis avant de trouver celui qui convient à votre idée d'illustration. Ne vous inquiétez pas si vous passez beaucoup de temps au stade de l'ébauche, c'est l'un des moments les plus importants de votre processus - Tous les croquis que vous n'utilisez pas, vous pouvez toujours les utiliser plus tard pour une autre illustration.

 

Maintenant que nous avons terminé le brouillon, il est temps de faire les traits de crayon durs.

Lignes de crayon

Maintenant, importez votre croquis dans Clip Studio et assurez-vous que la taille de la page est d'au moins A4/Lettre et que la résolution est définie sur au moins 350 dpi (600 dpi est ce que j'utilise souvent).

 

Importez votre esquisse puis réglez votre opacité à un niveau bas, et sur un nouveau calque, commencez à créer votre lineart.

 

Quelques notes sur lineart à l'aquarelle :

 

• Parfois, moins c'est plus avec lineart pour les illustrations à l'aquarelle. Si vous regardez les exemples que j'ai utilisés ci-dessus d'Edmund Dulac, vous pouvez voir qu'il a utilisé des lignes fines et assez régulières. Mais en même temps, vous pouvez utiliser des lignes plus audacieuses, il vous suffit de déterminer ce qui fonctionne pour vous.

 

• J'utilise souvent une ligne fine lorsque je fais des illustrations à l'aquarelle, et dans cette peinture, j'ai utilisé le pinceau d'encrage par défaut «Textured Pen» pour une belle ligne propre mais pleine de dents. J'augmente la stabilisation à 20 pour aider à lisser les lignes et je règle la taille du pinceau sur 0,5.

 

• Quelque chose que je trouve très pratique lors de l'encrage et tout au long du processus de peinture, c'est le panneau « Vue secondaire ». En gros, vous pouvez charger n'importe laquelle de vos images de référence préférées, par exemple une illustration encrée que vous aimez vraiment, et l'utiliser comme référence lorsque vous dessinez :

Maintenant, une fois que vous avez testé votre stylo, commencez à tracer vos lignes dures sur le nouveau calque. Concentrez-vous sur la texture du contour et les formes qui se chevauchent. Vous n'avez pas à vous soucier des ombres, à moins que vous ne vouliez un aspect texturé à l'encre - concentrez-vous simplement sur les contours et la texture des vêtements, etc.

N'oubliez pas de garder votre dessin au trait aussi propre que possible. Cela aidera à obtenir un résultat de premier ordre. Quelques exemples de dessins au trait qui fonctionnent bien pour les aquarelles :

 

Je base mon dessin au trait pour l'illustration à l'aquarelle sur des références comme Edmund Dulac. Pour analyser son dessin au trait, ignorez la couleur et observez simplement le dessin au trait.

 

C'est très propre, clair. Notez comment il développe des ombres avec son aquarelle, pas son encre :

Appartements

L'aplatissement est une étape très utile, mais pas complètement nécessaire dans le processus d'art numérique de l'aquarelle. Fondamentalement, les plats sont des sélections de couleurs que nous utilisons pour contrôler notre flux de peinture à l'aquarelle, de sorte que les traits que nous effectuons restent dans la ligne - il est très utile de garder les choses en ordre. Mais, si vous voulez un look plus naturel et plus lâche, vous pouvez ignorer le processus des appartements.

 

Ainsi, contrairement à de nombreux artistes de bandes dessinées qui définissent des sélections plates sur n'importe quelle couleur aléatoire, j'aime prendre mes décisions de couleur de base lorsque je fais mon - fondamentalement, je trouve que c'est une étape très utile dans le processus de décider des couleurs que je veux utiliser dans ma peinture .

 

Alors, d'abord :

1. éteignez la couche rugueuse, nous n'en avons plus besoin, nous avons terminé lineart maintenant comme référence

2. créer un calque sous le calque Linework

3. Sélectionnez la peinture en aérosol douce par défaut et commencez à peindre dans vos couleurs de manière très lâche - tout est question d'humeur, pas de précision :

Ne vous inquiétez pas de rester dans les lignes, ces couleurs ne sont que des notes pour votre futur moi pour vous aider à créer une « sensation » ou une émotion à travers votre sélection de couleurs.

 

Une fois que vous avez une idée générale des couleurs que vous souhaitez utiliser, sélectionnez votre calque de ligne et verrouillez la transparence, puis définissez le calque de ligne comme "calque de référence" à l'aide de l'icône du phare :

Cela fera de la ligne de travail une référence pour vos appartements, qui seront créés sur un calque différent.

 

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Alors maintenant, nous avons une idée approximative de la couleur, passons aux APPARTEMENTS.

 

créez un nouveau calque SOUS le calque de dessin au trait, puis sélectionnez l'outil Pot de peinture et utilisez les paramètres ci-dessous :

Juste pour décomposer certains des paramètres :

 

« Fermer l'écart » est très important, car il comblera tous les écarts dans votre lineart lorsque vous créerez vos appartements. sans cela, même le plus petit espace fera que votre pot de peinture se répandra dans d'autres zones de votre œuvre d'art.

 

« Tolérance » définira un levier de tolérance pour permettre d'ignorer les variations de couleur (dans ce cas, tout gris dans votre lineart).

 

"Area Scaling" signifie que le pot de peinture se remplira un peu au-delà de la ligne, ce qui est très utile pour s'assurer que vous n'obtenez pas d'espaces flous autour de votre lineart.

 

« Refer to multiple » indique à Clip à quelle couche se référer dans le processus de remplissage - dans ce cas, nous voulons que le pot de peinture se réfère au lineart. Ainsi, même si nous sommes dans une couche différente sous le lineart, nos remplissages seront contraints aux contours lineart.

 

Maintenant, commencez à remplir votre calque d'appartements avec la couleur « générale » de chaque objet. Reportez-vous à votre croquis de couleur précédent à l'aide de l'outil Pipette pour sélectionner les couleurs, puis cliquez pour remplir chaque élément avec une couleur de base plate.

 

Continuez à jouer et à obtenir vos couleurs juste. Je n'aimais pas le faible contraste entre l'arrière-plan et le premier plan, j'ai donc assombri la partie inférieure de la scène et l'arrière-plan :

Passons maintenant à la partie peinture 'Aquarelle' !

Base Aquarelle

L'aquarelle traditionnelle est constituée de couches allant du clair au foncé, et l'aquarelle numérique semble bien fonctionner si vous suivez le même processus.

 

Tout d'abord, vous devrez télécharger ces incroyables pinceaux époustouflants, qui changent la vie, qui sont totalement gratuits grâce au généreux créateur ×ェ× :

Veuillez vous familiariser avec ces pinceaux sur une page blanche, ce sont tous des pinceaux très utiles, et j'aime vraiment les utiliser tels quels et les peaufiner pour répondre à mes besoins. Quoi qu'il en soit, le pinceau principal dont vous aurez besoin pour créer votre aquarelle de base se trouve dans cet ensemble, ici :

 

(REMARQUE : JE NE PARLE PAS JAPONAIS, J'AI DONC AJOUTÉ LE MOT « plain » POUR M'AIDER À ME SOUVENIR DE QUEL PINCEAU C'EST)

Ce pinceau est très bien pour beaucoup de choses, il est polyvalent et a un bord aquarelle, que vous pouvez activer et désactiver, selon ce que vous voulez faire. Il mélange doucement les couleurs de premier plan et d'arrière-plan, donc si nous sélectionnons le rouge/rose comme premier plan et un bleu comme couleur d'arrière-plan :

Nous obtiendrons un joli mélange doux des deux couleurs :

En utilisant la pression du stylo, vous pouvez commencer par un bord dur, puis au fur et à mesure que vous adoucissez et frottez une zone, elle peut devenir un bord doux, tout comme l'aquarelle ordinaire. Exemple ci-dessous :

Donc, une fois que vous avez maîtrisé ce pinceau, revenez à votre document d'illustration et créez un nouveau calque appelé "Base" ou quelque chose de similaire, pour poser votre aquarelle de base.

 

Sélectionnez le calque flats, puis à l'aide de l'outil Magic Want, cliquez sur la zone dans laquelle vous souhaitez commencer à peindre. Assurez-vous que « se référer au calque sélectionné uniquement » est également le paramètre de baguette magique que vous utilisez et que votre outil de baguette magique est défini sur une mise à l'échelle de la zone 0. Ici, j'ai sélectionné le grand nuage vert pour commencer :

Maintenant, désactivez votre calque plat et sur votre calque « Aquarelle de base », commencez à peindre doucement dans votre couche de base d'aquarelle :

Continuez sur chaque élément séparé, en créant un lavis d'aquarelle de base pour chaque élément. N'oubliez pas de vraiment jouer avec les couleurs, n'ayez pas peur d'utiliser des références pour choisir de belles couleurs et expérimentez ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Parfois, les couleurs les plus surprenantes se marient bien.

Je n'ai pas fait d'enregistrement timelapse de cette peinture en particulier, cependant, voici un timelapse d'une autre peinture que j'ai faite récemment, où j'ai posé les couleurs de base de l'aquarelle :

OK, parfois, cette technique ne fonctionne pas pour toutes les zones, et les grandes zones de couleur nécessitent une approche différente. Par exemple, je voulais ajouter de la texture et de la profondeur à l'arrière-plan derrière la fille regardant le ciel.

 

Pour remplir de grandes surfaces, j'aime le pinceau aquarelle à dispersion triangulaire fourni dans l'ensemble que je vous ai recommandé de télécharger précédemment :

Ce pinceau mélange également la couleur d'arrière-plan et de premier plan, alors assurez-vous de sélectionner ces deux couleurs avant de commencer.

 

Pour remplir une zone avec ce pinceau, je suggère d'utiliser quelques couches.

 

J'ai créé un nouveau calque et l'ai rempli d'un peu de texture, en utilisant des triangles et des cercles dispersés, en augmentant la dispersion dans les paramètres du pinceau :

J'ai ensuite créé un nouveau calque sur le dessus et soigneusement peint à l'arrière-plan à l'aide du même pinceau triangulaire, jusqu'à ce que j'obtienne une belle couche de couleur unie, comme ceci :

 

REMARQUE : j'ai également fini de peindre à l'aquarelle de base pour la foule et la fille à cette étape :

C'est à peu près tout pour notre aquarelle de base - cela n'a peut-être pas encore l'air de grand-chose, mais faites confiance au processus, une fois que nous avons mis nos ombres, nos reflets et nos extras, ça va avoir fière allure !

Linéaire à colorier

C'est facultatif, et ce n'est pas quelque chose que beaucoup de mes références font, mais j'aime colorer mon lineart dans au moins certains domaines. Je trouve que cela ajoute de l'unité à l'œuvre d'art. Je le fais même dans mes bandes dessinées !

 

Fondamentalement, tout ce que vous avez à faire est d'abord de verrouiller la transparence de votre calque lineart, de sorte que vous puissiez colorer le dessin au trait directement sans vous soucier de détruire votre dessin au trait.

Je sélectionne ensuite des couleurs unies, comme le rouge ou le bleu (c'est une partie très intuitive du processus et difficile à conseiller), et colorie les différentes zones de mon illustration. Dans les zones fermées aux lumières de la veilleuse, je fais le lineart presque blanc, une couleur jaune vif.

 

Vous devez vraiment suivre votre instinct dans cette partie du processus. Expérience.

Certains objets, comme les formes d'étoiles, j'ai donné une couleur de ligne brillante pour les faire « pop » dans la composition.

 

N'oubliez pas que vous pouvez laisser certaines parties en noir, changez simplement les couleurs des lignes qui vous semblent les plus belles.

 

Vous devriez vous retrouver avec quelque chose d'un peu plus cohérent, comme ceci :

Ombres à l'aquarelle

La couche d'ombre est très importante dans la peinture à l'aquarelle - considérez-la comme une autre couche de peinture que vous appliquez sur une œuvre d'art. Il apporte de la profondeur, de la dynamique et de la concentration à votre composition.

Actuellement, votre œuvre d'art devrait être à peu près à ce stade, avec toutes vos aquarelles de base disposées dans de généreux lavis de couleur :

 

CONSEIL IMPORTANT : si vos aquarelles de base ne sont pas assez lumineuses, dupliquez le calque. Cela doublera la saturation de votre aquarelle de base. Vous pouvez ensuite ajuster l'opacité du calque dupliqué jusqu'à ce qu'il soit juste, puis fusionner les deux calques ensemble. C'est plus ou moins ce que j'ai fait ci-dessous pour obtenir des lavis de couleur très vibrants mais lisses.

Pour créer le calque d'ombre, j'obtiens le même pinceau rond que nous avons utilisé pour poser notre aquarelle de base et sélectionnez une ombre profonde.

 

Une note sur la couleur de l'ombre - Comme la couleur de base de mon illustration est principalement verte, j'ai sélectionné la couleur complémentaire Rouge comme couleur d'ombre. Si la couleur de base principale était le bleu, j'opterais pour une couleur d'ombre brun orangé.

 

Vous pouvez utiliser la roue des couleurs. Si votre couleur principale dans votre illustration est d'un côté, choisissez une couleur d'ombre de l'autre côté de la roue, qui serait une couleur complémentaire.

Voici donc la couleur que j'ai choisie pour ma couleur d'ombre, un rouge violacé, avec la couleur de fond rouge vif, qui s'est subtilement mélangée à la couleur de premier plan au fur et à mesure que je peignais :

Je crée ensuite un calque appelé "ombres" au-dessus du calque aquarelle de base, mais en dessous du lineart. J'ai réglé l'opacité sur 61 %, mais vous pouvez ajuster ce niveau en fonction de l'intensité de vos ombres :

Ensuite, je commence doucement mais avec confiance à peindre dans mes ombres rouges. J'utilise les sélections de mon calque plat pour m'aider à rester dans les lignes, tout comme je le fais avec le calque de base.

Points à retenir lorsque vous peignez des ombres :

 

• Il y a des ombres douces et des ombres dures, selon la proximité ou la distance de chaque objet par rapport à l'autre

• Si un objet est éloigné de l'objet en dessous, son ombre portée sera plus éloignée.

• Les ombres portées aident vraiment à définir la forme en dessous (voyez comment mon nuage se forme au-dessus de la courbe et déforme les ombres portées tombant sur leurs surfaces.

Vous devriez vous retrouver avec une réelle profondeur qui commence à apparaître dans votre illustration en raison de l'interaction des ombres :

Je n'ai pas enregistré de timelapse de cette illustration particulière, mais vous trouverez ci-dessous un exemple d'une autre de mes illustrations où je peins dans le calque d'ombre :

Et ce clip timelapse ci-dessous montre comment le calque d'ombre peut aider à définir la forme de l'objet avec beaucoup de détails :

Points forts

Les reflets peuvent vraiment faire ressortir une illustration, en particulier dans un support aussi délicat que l'aquarelle numérique. Mais il faut aussi les utiliser avec parcimonie.

 

Je n'ai pas utilisé beaucoup de reflets dans l'illustration « Rechercher » dont nous avons discuté, à l'exception du dessin au trait que j'ai changé en jaune vif ou en blancs :

Mais j'ai créé un calque, et en utilisant une couleur blanche et le pinceau aquarelle rond, parsemé de quelques reflets texturés pour créer une atmosphère de luminosité dans les zones qui en avaient besoin :

Sur une page de ma bande dessinée The Temptations, vous pouvez voir l'effet avant et après de l'ajout de reflets. J'ai d'abord créé un calque sous le lineart et sélectionné le stylo texturé par défaut (que nous avons utilisé précédemment dans le didacticiel).

Ceci est la page sans les faits saillants:

Ensuite, en pensant à une lumière provenant d'une direction des personnages, j'ai dessiné des reflets sur les côtés des objets, et une lumière de jante entourant totalement la figure principale de l'illustration (Jésus) :

Voici une petite vidéo de moi peignant dans les temps forts :

Vous voulez que vos faits saillants fonctionnent pour vous, pour faire ressortir la concentration ainsi que le réalisme. N'en abusez pas non plus !

 

Dans cette illustration, j'ai sélectionné l'arrière-plan et doucement peint en blanc à l'aide du pinceau aquarelle rond, comme vous pouvez le voir ci-dessous. J'ai également utilisé des lignes de focus menant à la tête du personnage principal, pour mettre le focus, ainsi qu'un contour blanc entourant l'ensemble du personnage :

Effets

Parfois, les effets sont essentiels pour donner à une aquarelle numérique un aspect plus traditionnel. Voici quelques conseils que je recommande vivement.

Donc, à ce stade, 'Look Up' avait l'air bien mais il fallait plus de profondeur dans certaines zones, donc je crée un calque défini sur 'hard light' (ou vous pouvez utiliser 'vivd light' si vous le souhaitez). J'ai également créé un autre calque sur la gravure de couleur pour assombrir certaines zones de la peinture :

Ensuite, j'ai doucement peint en lavis texturés sur chacune de ces couches, pour créer plus de profondeur et de contraste, en utilisant le même pinceau aquarelle triangulaire que nous avons utilisé auparavant :

Quelques gros plans des détails que j'ai peints en utilisant des couleurs vertes, bleues et rouges :

Une autre technique importante est une couche de «lumière douce», utilisant une couche de texture aquarelle.

 

J'ai développé la texture ci-dessous à partir de mes fichiers, et cela fonctionne bien, sans frais pour l'utiliser vous-même :

Ou, si cela ne vous convient pas, le fichier inclus dans l'ensemble d'aquarelles de ×ェ× que nous avons téléchargé plus tôt, vous le trouverez ici, que vous pouvez simplement faire glisser sur votre toile et régler sur « lumière douce » :

Voici donc à quoi ressemblait le gros plan de l'illustration avant la texture « lumière douce » :

J'ai défini la texture de l'aquarelle sur « lumière douce » et j'ai joué avec l'opacité de ce calque :

Le résultat, un changement subtil mais beau :

En option, vous pouvez continuer à ajouter des textures. J'aime ajouter une belle texture de papier à mon illustration à l'aquarelle :

Vous pouvez trouver ces types de textures de papier, souvent sans couture, sur google ou sur le site de texture. Expérimentez ce qui fonctionne pour vous !

 

J'ai défini ce calque sur « multiplier » et réduit l'opacité :

Et le résultat final est le suivant :

Conclusion

C'est à peu près ça!

 

Toutes les techniques ci-dessus peuvent être appliquées à votre œuvre et à votre style particuliers - utilisez simplement les principes que j'ai définis en détail et appliquez-les à vos dessins.

 

Quelques notes finales sur l'illustration à l'aquarelle :

• Utilisez la référence pour vos aquarelles et pour la couleur, ça aide vraiment !

• n'ayez pas peur d'expérimenter

• utilisez des textures superposées pour rendre votre travail d'aquarelle plus dynamique

• Clip Studio a BEAUCOUP d'outils. Je n'en ai couvert que quelques-uns. Ils peuvent tous s'additionner pour vous aider à créer un meilleur art et une expérience plus agréable et enrichissante, alors renseignez-vous sur tout ce que Clip a activé.

 

S'il vous plaît laissez-moi savoir dans les commentaires si vous avez des questions.

 

Taguez-moi sur instagram à @dropthedrawings pour me montrer ce que vous proposez !

 

Et découvrez mon art ici :

Merci beaucoup d'avoir lu, j'espère que vous apprécierez d'essayer ces techniques!