Introduction

Salut ! Je suis Sweetpea!

 

Aujourd'hui, je vais vous expliquer mon processus pour dessiner une illustration steampunk ainsi que quelques trucs et astuces de Clip Studio Paint pour votre processus de rendu. Concevoir une illustration steampunk peut sembler intimidant avec tous les boulons, écrous et engrenages, mais dans ma démonstration, je vais vous montrer à quel point cela peut être facile et amusant ! Allons-y !

 

 

Définition

Avant de commencer, définissons ce qu'est le steampunk. Le steampunk est un style de design et de mode qui combine des éléments historiques avec des caractéristiques technologiques anachroniques inspirées de la science-fiction. Dans le steampunk, la technologie est généralement fortement influencée par la révolution industrielle avec des technologies à vapeur.

 

Maintenant que nous sommes sur la même longueur d'onde, passons à la conception.

Étape 1 : Idéation

L'idéation est la première étape de tous mes projets de design, c'est là que nous allons définir les parcours possibles que nos designs pourraient prendre et les réduire à celui qui correspond le mieux à nos préférences. Vous pouvez le considérer comme le plan directeur de notre design, plus spécifiquement de notre design steampunk. Il y a deux façons dont j'aime commencer mon processus d'idéation : une carte mentale ou une invite.

Carte mentale

Lorsque j'utilise une carte mentale, je choisis une idée centrale et la place au centre, puis j'y associe des idées et des thèmes. J'utilise cette méthode depuis mes années de collège, où on l'appelait alors un remue-méninges (brain dump), et je l'utilisais pour rédiger des essais. Je suis sûre que beaucoup d'entre vous ont fait quelque chose de similaire à l'école. Mais maintenant, je l'utilise pour la planification de scénarios, la conception artistique et tous les autres travaux/loisirs créatifs que je pratique. Je suppose qu'on utilise vraiment certaines des choses que l'on a apprises à l'école… qui l'eût cru ?

J'utilise cela même si ce n'est pas pour des personnages, mais simplement pour une commande de design de logo ou de t-shirt graphique. C'est l'un de mes principaux outils en tant qu'artiste. J'espère que cela pourra vous aider aussi.

Cet exercice vous aidera à stimuler votre créativité ! N'ayez pas peur de noter des choses aléatoires, toutes les idées ne seront pas choisies ou utilisées dans ce processus de cartographie. Il s'agit simplement d'essayer de trouver notre point de départ. Cela n'a même pas besoin d'être soigné ; on m'a dit, après que quelqu'un ait vu une de mes cartes que j'avais laissée par accident, que cela ressemblait aux gribouillis d'un fou. Lol. Souvent, j'utilise des descriptions en un seul mot et des annotations abrégées que moi seule peux comprendre. Alors, quelle que soit la façon dont vous le faites, faites-le de la manière la plus confortable pour vous.

Une fois que vous avez terminé votre carte mentale et que vous ne pouvez plus ajouter de mots, sélectionnez ceux qui vous semblent les plus percutants. Ceux que vous voyez fonctionner ensemble pour créer une illustration convaincante. Ces idées vous aideront à façonner votre design et à prendre des décisions pour l'avenir.

Invite

Ceci est pour ceux d'entre vous qui veulent avoir une histoire/intrigue pour le personnage que vous souhaitez concevoir. Vous pouvez l'utiliser même si vous n'avez pas de manga ou quoi que ce soit de ce genre. Vous pouvez l'utiliser même si vous souhaitez simplement créer un OC (Original Character). Cela vous donnera simplement un point de départ pour votre processus de design. Créer une invite est simple, vous pouvez en imaginer une, ou utiliser un générateur d'invites pour vous aider à créer une histoire pour votre personnage. Cela peut vous aider à choisir des caractéristiques distinctives pour votre personnage, comme les vêtements qu'il porte, d'où il vient, etc., influençant son concept global.

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Lorsque je commence un projet de design, j'aime toujours utiliser l'une des deux méthodes listées ci-dessus. Cela me donne un point de départ, de sorte que je ne me sens pas aussi stressée face à d'innombrables options.

Étape 2 : Référence/Inspiration

Une fois que vous avez élaboré votre plan, il est temps de passer aux références. Les références sont une partie importante de la conception de personnages et d'arrière-plans, et particulièrement pour les designs steampunk, car les détails peuvent être écrasants. Je sais que pour ceux d'entre vous qui aiment dessiner de mémoire, cela peut sembler limitatif, mais ce n'est pas une obligation. Le ciel est la limite pour vos choix de design, mais nous voulons aussi que les spectateurs de votre art sachent ce que vous représentez dès qu'ils le regardent. Cela vous aidera également à voir des choses/détails que vous n'auriez pas pu vous rappeler simplement de mémoire. Cela aidera votre art à faire un pas en avant par rapport à ce qu'il aurait été. Donc, à moins que vous ne soyez comme Kim Jung Gi qui a un cerveau surhumain, avoir de bonnes références peut faire la différence entre un bon et un mauvais design. Alors s'il vous plaît, NE SAUTEZ PAS CETTE ÉTAPE !

Ambiance/Atmosphère

Avec les idées et les thèmes principaux en tête, nous pouvons commencer à choisir nos références. Vous y trouverez des images qui montrent le cadre et l'ambiance que vous souhaitez représenter. Vous devrez également trouver des références pour le style vestimentaire de vos personnages afin de représenter avec précision leur atmosphère. Sont-ils grunge ? Sont-ils BCBG ? Sont-ils pauvres ? Sont-ils féroces ? Sont-ils paresseux ? Ce sont le genre de questions que vous devez vous poser.

Palette de couleurs

À partir de là, vous déterminerez également votre palette de couleurs pour votre illustration. Je vous recommanderais de ne pas prélever de couleurs directement sur l'image, car les photos contiennent de nombreux pixels et des teintes variées, vous pourriez donc ne pas obtenir la bonne couleur, ce qui fausserait votre rendu. La lumière peut également affecter les couleurs et vous ne souhaitez peut-être pas avoir le même éclairage. De plus, cela peut vous aider à entraîner votre œil à reconnaître et à produire une couleur précise au fur et à mesure que vous continuez à pratiquer !

Inspiration

Une autre référence que je vous suggère de recueillir est l'inspiration d'autres artistes.

AVERTISSEMENT, JE NE VEUX PAS DIRE DE DÉCALQUER/VOLER LE TRAVAIL D'UN ARTISTE ! JE RÉPÈTE ! NE VOLEZ PAS !!!!!!! Je dis cela pour que vous essayiez d'implémenter les choses que vous aimez dans leur art, que ce soit leur travail de ligne, l'utilisation de textures ou de formes, ou quelque chose dans leur processus qui vous parle. S'il vous plaît, s'il vous plaît, s'il vous plaît, ne décalquez pas, ou ne prenez pas l'art de quelqu'un pour essayer de le faire passer pour le vôtre. Tout ce processus est pour apprendre et améliorer votre art. Le décalquage va à l'encontre du but, en plus d'être mal ! Apprendre de quelqu'un que vous admirez et essayer d'implémenter certains de leurs trucs et astuces comme le superposition, le mélange, etc. Est acceptable. Et je vous encourage à apprendre, mais faites-le de la bonne manière, et soyez simplement votre moi authentique. :)

Étape 3 : Décider de la direction

Maintenant que nous avons rassemblé toutes nos références et ressources, nous pouvons passer aux choses sérieuses. Le CROQUIS PRÉPARATOIRE ! HOURRA !

Pendant l'étape du croquis préparatoire, je veux vraiment que vous vous posiez la question : « Et si ? » Et si je changeais ça ? Et si je rendais ça plus sombre ? Etc. Je veux vraiment que vous vous poussiez à explorer toutes les pistes que ce design peut emprunter. Ici, nous ferons toutes nos expérimentations. Essayez vraiment de donner corps à ce personnage et à cet arrière-plan et de les intégrer au design que nous voulons. Il est très important ici de s'assurer que le personnage et l'arrière-plan s'accordent bien. Ici, nous voulons vraiment nous lâcher et nous amuser. S'il vous plaît, n'ayez pas peur du changement. Quand j'ai commencé à dessiner, j'avais tellement peur de changer le premier concept que j'avais en tête, mais honnêtement, nos meilleures idées ne sont souvent pas les premières. Et même si vous n'aimez pas le changement, vous pouvez toujours revenir en arrière, alors ne vous stressez pas.

Composition

La première chose que j'essaie de maîtriser est la composition. Je travaille en gardant à l'esprit tous les éléments et les références que j'ai choisis. Dessiner des miniatures plus petites m'aide à ne pas me soucier des détails et des petites choses, car je suis incapable de les dessiner. Cela me permet de me concentrer sur la composition globale et de m'assurer qu'elle est convaincante et lisible.

Après avoir choisi la miniature que je préfère, j'en dessine différentes itérations. Je les dessine à une plus grande échelle pour essayer de les développer davantage. Je ne les fais pas trop grandes pour ne pas me perdre dans les détails. C'est toujours l'étape du croquis préparatoire, je ne souhaite donc pas y passer trop de temps.

Pose

Nous ne pouvons faire que tant de choses pour transmettre la personnalité, l'ambiance et l'histoire dans une illustration. Utiliser la bonne pose, et si c'est bien fait, peut vraiment aider avec ces trois éléments. Clip Studio offre de l'aide pour la pose dans sa boutique d'actifs où vous pouvez télécharger des modèles 3D posables et personnalisables pour référence. Ils ont également des poses prêtes à l'emploi et téléchargeables disponibles à l'achat dans la boutique d'actifs à appliquer à votre modèle. Donc, pour ceux d'entre vous qui ont du mal à trouver la bonne pose et la bonne référence d'éclairage, Clip Studio peut vous aider !

Ici, je dessine habituellement les personnages eux-mêmes en essayant de trouver ce que j'aime le plus, sans me soucier des détails à ce stade, mais plutôt en créant simplement une pose convaincante. Cependant, comme la composition que j'ai faite se concentre sur le dirigeable, je vais sauter cette étape. Pour ceux d'entre vous dont le personnage est le point central, je vous suggère fortement de ne pas sauter cette étape.

Vêtements

Pendant que je travaille sur la pose, j'essaie de décider du style/vêtements que je veux, je veux vraiment m'assurer que mes vêtements transmettent la forme et l'atmosphère que je souhaite. Bien que les vêtements soient ma principale préoccupation, je garde également à l'esprit la proportion corporelle à ce stade. Bien que la proportion corporelle joue un grand rôle dans le langage des formes, ce sont finalement les vêtements qui recouvrent le tout et peuvent jouer un rôle important dans la détermination de la forme générale finale. Réalisez quelques croquis préparatoires, en regardant des références pour vos vêtements steampunk, en gardant la forme à l'esprit. Ne vous inquiétez pas des petits détails ou des accessoires ici, nous pourrons les ajouter lorsque nous déciderons de notre look final.

Étape 4 : Rendu

Nous arrivons maintenant à la partie préférée de tous : le rendu ! Vous pouvez utiliser votre propre style/processus pour le rendu ici, mais je vais continuer à montrer mon processus et comment j'obtiens les résultats que j'ai. Pour ceux d'entre vous qui conçoivent pour une intrigue, vous pouvez créer une fiche de personnage avec des vues tournantes, etc., si c'est ce que vous voulez !

1) Croquis de base

Ici, nous prendrons notre croquis préparatoire final et en ferons un croquis de base. Ici, je corrige et crée certains des détails plus importants que je veux montrer. Étant donné que je travaillerai dans mon style semi-réaliste pour cette illustration, je travaillerai également en niveaux de gris à cette étape, car à l'étape suivante, je ferai le rendu en niveaux de gris. J'utilise cette étape pour trouver où je veux placer chaque chose, ce sera donc désordonné et imparfait à ce stade, alors ne vous inquiétez pas !

Puisque mon illustration représente un paysage urbain, je veux m'assurer d'avoir ma perspective correcte à cette étape. Ainsi, je n'aurai pas à lutter pour la corriger plus tard. Lorsque je dessine l'arrière-plan, j'ADORE les règles de perspective de Clip Studio Paint. Elles aident tellement à dessiner en perspective. Si vous ne savez pas comment en configurer une, Clip Studio a un tutoriel sur sa chaîne YouTube. Clip Studio fournit également tous les actifs 3D que votre cœur pourrait désirer sur la boutique d'actifs.

Utiliser une règle pour dessiner des engrenages, des tuyaux et plus encore

Puisque nous travaillons dans un style steampunk, il est très basé sur l'industrie. Ainsi, plutôt que des formes organiques, nous verrons plus de formes géométriques, car les objets fabriqués par l'homme ont tendance à être géométriques et symétriques. L'utilisation d'une règle de perspective qui aligne vos lignes vous aidera également, car vous n'aurez pas à vous soucier qu'elles ne soient pas droites et elles prendront naturellement un aspect artificiel.

Vous pouvez même utiliser des règles de perspective lorsque vous travaillez avec des formes rondes pour les engrenages, les tuyaux ainsi que d'autres éléments que vous souhaitez inclure. Tout ce que vous avez à faire est de dessiner vos formes de base sur un calque séparé, puis sur votre autre calque, de dessiner la forme ronde ou organique que vous voulez. Cela vous aidera à maintenir les choses en perspective, tout en vous permettant de ne pas utiliser uniquement des lignes droites.

Je m'assure également de placer les éléments sur leurs propres calques. Je range aussi les calques dans des dossiers, catégorisés par ce qu'ils représentent. Ainsi, je ne suis pas submergé par une infinité de calques. Cela m'aide à me sentir moins stressé de fermer les dossiers sur lesquels je ne travaille pas. C'est important et cela nous aidera par la suite, car le Steampunk comporte généralement beaucoup de détails en ce qui concerne les machines. Affichant des engrenages, des tuyaux, des boulons et du métal.

2) Rendu

Ici, je vais simplement continuer à rendre en niveaux de gris, tout en gardant à l'esprit la source de lumière. J'utilise mon expérience ainsi que les références que j'ai rassemblées pour m'aider à réaliser mon illustration. Bien que vous n'ayez peut-être pas le même style que moi, s'assurer de maintenir une source de lumière cohérente est important pour tout dessin impliquant des ombres, avoir de bonnes références pour votre éclairage (surtout si vous ne l'avez jamais fait auparavant) peut aider énormément.

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Rendu du métal

Le métal peut sembler difficile à rendre, mais une fois que vous comprenez les étapes, c'est très facile. Cela dit, il n'y a pas de bonne façon unique de rendre le métal, car il existe de nombreux types de métaux, avec des textures et des niveaux de réflexion différents. Maintenant, je ne vous dis pas d'aller rechercher et d'approfondir le métal que vous voulez dessiner. Vous pouvez si vous le souhaitez, mais il y a 3 choses principales auxquelles je pense lorsque je dessine du métal et que je dois décider très tôt dans le processus de rendu.

1) Texture

 

2) Forme

 

3) Source de lumière

Je bloque d'abord la forme que je veux avec ma teinte moyenne.

J'ajoute ensuite un ombrage de base pour mon métal en fonction de la source de lumière et de la forme du métal. Avoir une bonne référence aide aussi beaucoup.

De plus, gardez à l'esprit que le métal est très réfléchissant et n'a pas un taux de transition doux entre les ombres et les lumières.

J'ajoute des reflets en gardant à l'esprit ma source de lumière.

C'est ici que vous ajouterez des détails. J'ai ajouté ici des gravures décoratives. À ce stade, vous pouvez ajouter d'autres détails, tels que de la rouille, des rayures et toute autre indication de texture.

Il existe de nombreuses façons d'ajouter de la texture et des détails à votre métal. Pour mes détails, j'ai simplement utilisé un pinceau que j'ai téléchargé depuis la boutique d'actifs de Clip Studio. J'ai placé le mien sur le même calque, mais n'hésitez pas à utiliser des masques de fusion pour le clipper sur votre calque. Utilisez simplement la technique qui convient le mieux à votre style.

Je termine enfin en approfondissant mes ombres et en faisant ressortir mes lumières. Veuillez garder à l'esprit que, bien que toujours présents, les détails deviennent presque invisibles dans les ombres selon leur obscurité.

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Quand je réalise des pièces à plus grande échelle comme celle-ci, je n'aime pas me concentrer sur une seule chose à la fois. J'essaie d'obtenir mes valeurs de base en une seule fois. Cela m'aide à ne pas me focaliser sur un seul élément en essayant de le perfectionner encore et encore. Je papillonne pour m'assurer de ne pas passer trop de temps au même endroit. Je trouve que je me sens moins frustré si je travaille de cette manière, car cela ne me permet pas de m'énerver à propos d'une chose en particulier.

Je continue à faire le rendu en gardant à l'esprit ma source de lumière, et en utilisant les actifs de la boutique d'actifs de Clip Studio pour accélérer mon processus.

 

N'ayez pas peur de changer quoi que ce soit. Je me retrouve constamment à devoir revenir en arrière et ajuster des choses, tout cela fait partie du processus.

Je n'ai pas mis beaucoup de détails dans mes personnages afin de ne pas détourner l'attention du dirigeable, qui est le point central de mon illustration. Il est important de garder cela à l'esprit lors du rendu, cela peut rendre le spectateur de l'œuvre submergé lorsque son attention est tirée dans de nombreuses directions différentes. Avoir un point focal pour la pièce, sans éléments concurrents, est important.

Après avoir terminé tout le rendu, je passerais maintenant à l'ajout de couleur. Cependant, je souhaite laisser cette pièce en niveaux de gris.

 

Mais à partir de là, je vais vous expliquer comment j'ajoute de la couleur sur mes pièces en niveaux de gris.

 

Je le fais en cliquant droit sur mon calque et en sélectionnant nouveau calque de correction. Je sélectionne ensuite balance des couleurs.

J'ajuste les curseurs jusqu'à obtenir la couleur que je souhaite. Cela peut sembler accablant la première fois, mais après avoir un peu expérimenté, vous y arriverez.

J'utilise également des calques avec différents modes de fusion pour superposer les couleurs que je souhaite jusqu'à obtenir un résultat qui me satisfait. J'utilise aussi des calques pour ajouter de la texture si nécessaire.

Les cartes de dégradés sont également disponibles sur la boutique d'actifs de CSP, il existe de nombreux types de cartes de dégradés. Et si vous n'en trouvez pas une qui vous convienne, vous pouvez toujours créer la vôtre. Clip Studio a un tutoriel sur sa chaîne YouTube si vous voulez y jeter un œil !

Message final

Et maintenant, vous devriez avoir une illustration steampunk terminée !

J'espère vraiment que je vous ai aidé, ou que vous avez retenu quelque chose d'utile. C'est mon premier article ici sur les astuces CSP, alors j'espère que je me suis bien expliqué.

Merci d'avoir consulté mon astuce CSP !