Introduction
Salut! Je m'appelle Sweetpea !
Aujourd'hui, je vais vous expliquer mon processus de dessin d'une illustration steampunk ainsi que quelques trucs et astuces de peinture Clip Studio pour votre processus de rendu. Concevoir une illustration steampunk peut sembler intimidant avec tous les boulons, écrous et engrenages, mais dans ma description, je vais vous montrer à quel point cela peut être facile et amusant ! Allons-y!
Définir
Avant de commencer, définissons ce qu'est le steampunk. Steampunk est un style de design et de mode qui combine des éléments historiques avec des fonctionnalités technologiques anachroniques inspirées de la science-fiction. Avec le steam punk, la technologie est généralement fortement influencée par la révolution industrielle avec la technologie alimentée à la vapeur.
Maintenant que nous sommes sur la même longueur d’onde, passons à la conception.
Étape 1 : Idéation
L'idéation est la première étape de chacun de mes projets de conception. C'est ici que nous tracerons les orientations possibles que nos conceptions pourraient suivre et les réduirons à celle qui nous convient le mieux. Vous pouvez le considérer comme le plan directeur de notre conception, plus précisément notre conception steampunk. J'aime démarrer mon processus d'idéation de deux manières : une carte mentale ou une invite.
Carte mentale
Lorsque j'utilise une carte mentale, je choisis une idée centrale et je la place au centre, et je mets les idées et les thèmes associés autour d'elle. Je l'utilise depuis mes années de collège, puis ils l'ont appelé un dépotoir cérébral, je l'ai utilisé pour rédiger des essais. Je suis sûr que beaucoup d'entre vous ont fait quelque chose de similaire pour l'école. Mais maintenant, je l'utilise pour la planification d'intrigues, la conception artistique et tous les autres travaux/loisirs créatifs que je fais. Je suppose que vous utilisez vraiment certaines des choses que vous avez apprises à l’école… qui savait ?
Je l'utilise même si ce n'est pas pour des personnages, juste une commission de conception pour un logo ou un t-shirt graphique. C'est l'un de mes principaux outils dans mon arsenal en tant qu'artiste. J'espère que cela pourra vous aider aussi.
Cet exercice nous aidera à laisser libre cours à notre créativité ! N'ayez pas peur de mettre des éléments au hasard, toutes les idées ne seront pas choisies ou utilisées dans ce processus de cartographie. Il s'agit simplement d'essayer de trouver notre point de départ. Il n'est même pas nécessaire que ce soit soigné ; On m'a dit, après que quelqu'un ait vu un des miens que j'avais laissé de côté par accident, qu'il ressemblait aux gribouillages d'un fou. Mdr. Souvent, j'utilise des descriptions en un seul mot et des annotations abrégées que moi seul peux comprendre. Donc, quelle que soit la manière dont vous le faites, faites-le de la manière la plus confortable pour vous.
Une fois que vous avez terminé votre carte mentale et que vous ne pouvez plus ajouter de mots, sélectionnez les plus convainquants pour vous. Que vous pouvez voir travailler ensemble pour créer une illustration convaincante. Ces idées vous aideront à façonner vos décisions de conception en matière de conception à l'avenir.
Rapide
Ceci est pour ceux d'entre vous qui souhaitent avoir une ligne de histoire/intrigue pour ce personnage que vous souhaitez concevoir. Vous pouvez l’utiliser même si vous n’avez pas de manga ou quelque chose comme ça. Vous pouvez l'utiliser même si vous souhaitez simplement créer un OC. Cela vous donnera simplement un point de départ pour votre processus de conception. Créer une invite C'est simple, vous pouvez en imaginer une ou utiliser un générateur d'invite pour vous aider à créer une trame de fond pour votre personnage. Cela peut vous aider à choisir les caractéristiques déterminantes de votre personnage, comme les vêtements qu'il porte et d'où il vient, etc. Influençant son concept global.
Lorsque je démarre un projet de conception, j'aime toujours utiliser l'un des deux répertoriés ci-dessus. Cela me donne un point de départ, donc je ne me sens pas aussi stressé face aux innombrables options qui s'offrent à moi.
Étape 2 : Référence/Inspiration
Une fois que vous avez défini votre plan, il est maintenant temps pour les références. Les références jouent un rôle important dans la conception des personnages et de l'arrière-plan, en particulier avec les conceptions steampunk, car les détails peuvent avoir tendance à sembler écrasants. . Je sais que pour ceux d'entre vous qui aiment dessiner à partir de leur imagination, cela peut sembler limitant, mais ce n'est pas obligatoire. Il n'y a pas de limite à vos choix de conception, mais nous voulons également que les spectateurs de notre art sachent ce que nous représentons dès qu'ils le regardent. Cela vous aidera également à voir des choses/détails dont vous n'auriez pas pu vous souvenir simplement de mémoire. Aider votre art à prendre une étape supérieure par rapport à ce qu'il aurait été. Donc, à moins que vous ne soyez comme Kim Jung Gi qui a un cerveau surhumain, avoir de bonnes références peut décider entre un bon et un mauvais design. Alors s'il vous plaît, NE PAS SAUTER !
Cadre/Ambiance
Avec les idées et thèmes principaux en tête, nous pouvons commencer à choisir nos références. Vous trouverez ici des photos qui montrent votre cadre et votre humeur que vous souhaitez représenter. Ici, vous devrez également trouver des références pour le style vestimentaire de vos personnages afin de décrire avec précision leur atmosphère. Sont-ils grunge ? Sont-ils preppy ? Sont-ils pauvres ? Sont-ils féroces ? Sont-ils paresseux ? Ce genre de questions sont les choses que vous devez vous poser.
Palette de couleurs
À partir de là, vous déterminerez également votre palette de couleurs pour votre illustration. Je vous recommande de ne pas choisir les couleurs de la zone, car les images ont de nombreux pixels et des teintes variables, vous risquez donc de ne pas obtenir la bonne couleur, en jetant votre couleur éteinte. La lumière peut également affecter les couleurs et vous ne souhaiterez peut-être pas avoir le même éclairage. De plus, cela peut vous aider à entraîner votre œil à reconnaître et à produire une couleur précise pendant que vous continuez à vous entraîner !
Inspiration
Une autre référence que je vous suggère de rassembler est l’inspiration d’autres artistes.
AVIS DE NON-RESPONSABILITÉ, JE NE VEUX PAS TRACER/VOLER UNE ŒUVRE D'ARTISTE ! JE RÉPÈTE! NE VOLEZ PAS !!!!!!! Je dis cela pour signifier que vous essayez de mettre en œuvre les choses que vous aimez dans leur art, qu'il s'agisse de leur travail au trait, de l'utilisation de textures ou de formes, ou de quelque chose à propos de leur processus. ça vous parle. S'il vous plaît, s'il vous plaît, s'il vous plaît, ne tracez pas, ou prenez l'art de quelqu'un et essayez de le faire passer pour le vôtre. Tout ce processus consiste à apprendre et améliorer votre art. Tracer va à l’encontre de l’objectif, en plus d’être erroné ! Apprendre de quelqu'un que vous admirez et essayer de mettre en œuvre certains de ses trucs et astuces comme la superposition, le mélange, etc. C'est bien. Et je vous encourage à apprendre mais à le faire de la bonne manière et à être simplement votre moi authentique. :)
Étape 3 : décider de la direction
Maintenant que nous avons rassemblé toutes nos références et ressources que nous utiliserons, nous pouvons passer aux choses sérieuses. THUMBNAILING ! OUAIS !
Pendant la miniature, j'aimerais vraiment que vous vous demandiez : "Et si ?" Et si je changeais cela ? Et si je rendais cela plus sombre ? Etc. Je veux vraiment que vous vous efforciez d’explorer toutes les voies que cette conception peut emprunter. Ici, nous ferons toutes nos expérimentations. J'essaie vraiment d'étoffer ce personnage et ce contexte et de l'intégrer dans le design que nous souhaitons. Il est vraiment important ici de s'assurer que le personnage et l'arrière-plan s'emboîtent bien. Ici, on a vraiment envie de se lâcher et de s'amuser. S’il vous plaît, n’ayez pas peur du changement. Quand j’ai commencé à dessiner, j’avais tellement peur de changer le premier concept que j’avais en tête, mais honnêtement, nos meilleures idées ne sont pas souvent les premières. Et même si le changement ne vous plaît pas, vous pouvez toujours revenir en arrière, alors ne stressez pas.
Composition
La première chose que j'essaye et que je précise, c'est la composition. Je travaille en gardant à l'esprit tous les éléments et références que j'ai choisis. Dessiner des miniatures plus petites m'aide à ne pas me soucier des détails et des petites choses car je suis incapable de les dessiner. Garder la composition globale au point et m’assurer de la rendre convaincante et lisible.
En choisissant la vignette que je préfère, j'en dessine différentes itérations. Je les dessine à plus grande échelle, pour essayer de les étoffer davantage. Je ne les fais pas trop gros pour ne pas me perdre dans les détails. Nous n’en sommes qu’au stade de la miniature, je ne souhaite donc pas passer trop de temps ici.
Pose
La prochaine chose que je miniature est pose. Nous ne pouvons pas faire grand-chose pour transmettre la personnalité, l'ambiance ainsi que l'histoire dans une illustration. Utiliser une pose correcte, et si elle est bien faite, peut vraiment aider avec ces trois choses. Clip Studio fournit une aide pour poser dans son asset store où vous pouvez télécharger des modèles 3D mobiles et personnalisables à référencer. Ils proposent également des poses prédéfinies et téléchargeables disponibles à l'achat dans la boutique d'actifs à appliquer à votre modèle. Donc, pour ceux qui ont du mal à trouver la bonne pose et la bonne référence d'éclairage, Clip Studio peut vous aider !
Ici, je dessine généralement les personnages eux-mêmes en essayant de trouver ce que je préfère, sans me soucier des détails à ce stade, mais plutôt en prenant simplement une pose convaincante. Cependant, comme la composition que j'ai réalisée se concentre sur le dirigeable, je sauterai cette étape. Pour ceux d'entre vous qui se concentrent sur le personnage, je suggère fortement de ne pas sauter cette étape.
Vêtements
Pendant que je travaille sur la pose, j'essaie de décider de ce que je veux, c'est le vêtements/style, je veux vraiment m'assurer que mes vêtements transmettent la forme et l'atmosphère que je veux. Bien que les vêtements soient mon objectif principal, je garde également à l'esprit les proportions du corps à ce stade. Bien que la proportion du corps joue un rôle important dans le langage des formes, les vêtements sont finalement ce qui recouvre tout et peuvent jouer un grand rôle dans la détermination de la forme globale finale. Faites quelques vignettes, tout en regardant les références de vos vêtements steampunk, en gardant à l'esprit la forme. Ne vous inquiétez pas des petits détails ou des accessoires ici, nous pouvons les ajouter lorsque nous déciderons de notre look final.
Étape 4 : Rendu
Nous arrivons maintenant à la partie préférée de tout le monde, le Rendu ! Vous pouvez utiliser votre propre style/processus pour le rendu ici, mais je continuerai à montrer mon processus et comment j'obtiens les résultats que j'obtiens. Pour ceux d'entre vous qui conçoivent une intrigue, vous pouvez créer une feuille de personnage avec des retournements de situation, etc. si c'est ce que vous voulez !
1) Croquis de base
Ici, nous allons prendre notre vignette finale et créer un esquisse de base avec. Ici, je corrige et crée certains des détails les plus importants que je souhaite montrer. Puisque je travaillerai dans mon style semi-réaliste pour cette illustration, je travaillerai également en niveaux de gris dans cette étape, car à l'étape suivante, je ferai le rendu en niveaux de gris. J'utilise cette étape pour trouver où je veux tout, donc ce sera désordonné et imparfait à ce stade, alors ne vous inquiétez pas !
Étant donné que mon illustration montre un paysage urbain, je veux m'assurer d'avoir le bon point de vue dans cette étape. Donc, je n’ai pas à lutter pour le corriger plus tard. Lorsque je dessine l'arrière-plan, j'AIME les règles de perspective de Clip Studio Paint. Elles aident beaucoup à dessiner en perspective. Si vous ne savez pas comment en configurer un, Clip studio propose un tutoriel sur sa chaîne YouTube. Clip Studio fournit également tous les actifs 3D que vous pourriez désirer sur le assets store.
Utiliser une règle pour dessiner des engrenages, des tuyaux et bien plus encore
Puisque nous travaillons dans un style steampunk, c'est très industriel. Ainsi, plutôt que des formes organiques, nous verrons davantage de formes géométriques, car les objets fabriqués par l'homme ont tendance à avoir une forme géométrique et symétrique. L'utilisation d'une règle de perspective qui trace vos lignes sera également utile, car vous n'aurez pas à vous soucier qu'elles ne soient pas correctes et elles prendront naturellement un aspect créé par l'homme.
Vous pouvez même utiliser des règles de perspective lorsque vous travaillez avec des formes rondes pour les engrenages et les tuyaux, ainsi que d'autres éléments que vous souhaitez inclure. Tout ce que vous avez à faire est de dessiner vos formes de base sur un calque séparé, puis sur votre autre calque, de dessiner la forme ronde ou organique de votre choix. Cela vous aidera à garder les choses en perspective, mais vous permettra également d'utiliser non seulement des lignes droites.
Je m'assure également de mettre les éléments sur leurs propres calques. J'ai également placé les calques dans des dossiers classés en fonction de leur contenu. Je ne suis donc pas submergé par les couches interminables. Cela m'aide à me sentir moins stressé de fermer les dossiers sur lesquels je ne travaille pas. Ceci est important et nous aidera sur toute la ligne, car Steampunk a généralement beaucoup de détails en ce qui concerne les machines. Affichage des engrenages, des tuyaux, des boulons et du métal.
2) Rendu
Ici, je vais simplement continuer à rendu en niveaux de gris, tout en gardant à l'esprit la source de lumière. J’utilise mon expérience ainsi que mes références que j’ai rassemblées pour m’aider à rendre mon illustration. Bien que vous n'ayez peut-être pas le même style que moi, il est important de conserver une source de lumière cohérente pour tout dessin impliquant des ombrages, d'avoir de bonnes références pour votre éclairage (surtout si vous ne l'avez jamais fait avant) peut énormément aider.
Rendu du métal
Le rendu du Métal peut sembler difficile à rendre, mais une fois que vous avez compris les étapes, c'est très simple. Cela étant dit, il n'y a pas de bonne manière de restituer le métal car il existe de nombreux types de métal différents, avec des textures et des reflets différents. Maintenant, je ne vous dis pas de faire des recherches et de vous plonger en profondeur dans le métal que vous souhaitez dessiner. Vous pouvez si vous le souhaitez, mais il y a 3 choses principales auxquelles je pense lorsque je dessine du métal et je dois décider dès le début du processus de rendu.
1) Textures
2) Forme
3) Source lumineuse
Je bloque d'abord dans la forme que je veux avec mon ton moyen.
J'ajoute ensuite un ombrage de base pour mon métal en fonction de la source de lumière et de la forme du métal. Avoir une bonne référence aide aussi beaucoup.
Gardez également à l’esprit que le métal est hautement réfléchissant et n’a pas un taux de transition fluide entre les ombres et les reflets.
J'ajoute des reflets en gardant à l'esprit ma source de lumière.
C'est ici que vous ajouterez des détails. Ici, j'ai ajouté des sculptures décoratives. À ce stade, vous pouvez mettre d'autres détails tels que la rouille, les rayures et toute autre indication de texture.
Il existe de nombreuses façons d'ajouter de la texture et des détails sur votre métal. Pour mes détails, j'ai simplement utilisé un pinceau que j'ai téléchargé depuis le assets store de Clip Studio. J'ai mis le mien sur le même calque, mais n'hésitez pas à utiliser des masques de fusion pour le clipser au-dessus de votre calque. Utilisez simplement la technique qui convient le mieux à votre style.
Je termine finalement en approfondissant mes ombres et en faisant éclater mes reflets. Veuillez garder à l'esprit que, bien qu'ils soient toujours là, les détails deviennent presque invisibles dans les ombres en fonction de leur obscurité.
Lorsque je rends des pièces à plus grande échelle comme celle-ci, je n'aime pas me concentrer sur une chose à la fois. J'essaie d'obtenir mes valeurs de base en tout à la fois. Cela m'aide à ne pas me concentrer sur une chose en essayant de la perfectionner encore et encore. Je rebondis en m'assurant de ne pas passer trop de temps au même endroit. Je trouve que je me sens moins frustré si je travaille de cette façon, car cela ne me permet pas de m'énerver pour une chose en particulier.
Je continue à effectuer des rendus en gardant à l'esprit ma source de lumière, ainsi qu'en utilisant les ressources du magasin de ressources de Clip Studio pour m'aider à accélérer mon processus.
N'ayez pas peur de changer quoi que ce soit. Je dois continuellement revenir en arrière et ajuster les choses, tout cela fait partie du processus.
Je n'ai pas mis beaucoup de détails dans mes personnages pour ne pas m'éloigner du focus de mon illustration qui est le dirigeable. Il est important de garder cela à l'esprit lors du rendu, cela peut faire le spectateur de l'art se sent submergé lorsque son attention est attirée dans de nombreuses directions différentes. Il est important d'avoir un point focal pour l'œuvre, sans éléments concurrents.
Après avoir terminé tout le rendu, je voudrais maintenant passer à l'ajout de couleur. Cependant, je souhaite laisser cette pièce en niveaux de gris.
Mais à partir de là, je vais vous expliquer comment j'ajoute de la couleur sur mes pièces en niveaux de gris.
Je fais cela en clic droit sur mon calque et en sélectionnant nouveau calque de correction. Je sélectionne ensuite balance des couleurs.
J'ajuste les touches jusqu'à obtenir la couleur souhaitée. Cela peut sembler écrasant la première fois, mais après avoir joué un peu avec cela, vous pouvez le comprendre.
J'utilise également des calques avec différents modes de fusion pour superposer les couleurs que je souhaite jusqu'à obtenir un résultat qui me satisfait. J'utilise également des calques pour ajouter de la texture si nécessaire.
Les cartes de dégradé sont également disponibles sur le magasin d'actifs CSP. Il existe de nombreux types de cartes de dégradé disponibles. Et si vous n'en trouvez pas un, vous pouvez toujours créer le vôtre. Clip Studio propose un tutoriel sur son YouTube si vous voulez aller le voir !
Message final
Et maintenant, vous devriez avoir une illustration steampunk terminée !
J'espère vraiment que je vous ai aidé ou que vous avez retenu quelque chose d'utile. Ceci est mon premier article ici sur les astuces CSP, j'espère donc m'être bien expliqué.
Merci d'avoir consulté mon conseil CSP !
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