Introduction

L'achat de tous les outils nécessaires à la réalisation de peintures à l'huile traditionnelles est coûteux et peut être salissant. Mais ! De nombreuses méthodes de peinture traditionnelles ont été transposées aux logiciels numériques tels que Clip Studio Paint. Avec les bons outils et les bonnes connaissances, vous aussi, vous pouvez réaliser une peinture à l'huile numérique en toute simplicité, et je serai là pour vous guider à travers mon processus de peinture !

 

Je vais aborder ces sujets :

✱ Préparer un plan de valeurs

✱ Créer une sous-couche

✱ Processus d'application de la couleur

✱ Différentes techniques de pinceau

 

Je m'appelle Qilin, et je suis ravie de vous avoir ici pour me suivre. Commençons !

 

 

Tutoriel vidéo

► Kit de pinceaux pour peinture à l'huile

Avant de me plonger dans le reste du tutoriel, j'ai créé un kit de pinceaux simple que j'utilise pour la peinture à l'huile et pour ce tutoriel. Vous pouvez le télécharger gratuitement. Il comprend :

✱ Croquis à l'huile

✱ Peinture à l'huile épaisse

✱ Peinture à l'huile sèche

✱ Peinture à l'huile super sèche

✱ Estompe texturée

✱ Estompe au bout des doigts

✱ Brosse à dents

Dans ce tutoriel, j'utilise également cet excellent ✱ Pinceau langue de chat (double) de la boutique d'actifs.

✱ Astuce rapide : Utiliser les pinceaux

Je vais faire une démonstration rapide de l'utilisation de ces pinceaux en peignant un sujet d'entraînement classique : une pomme !

Pomme finie ! Bon, plus d'interruptions, passons au tutoriel !

► Préparation : Composer des structures de valeurs

Une structure de valeurs fait référence à l'organisation et à la composition des formes claires et foncées. Cela semble un concept simple, mais ce n'est pas aussi simple qu'il y paraît ! Lors de la peinture, votre objectif est de vraiment condenser l'essence de la lumière et de l'ombre pour créer la forme. Planifier votre éclairage en concevant d'abord les valeurs rend le processus ultérieur beaucoup plus facile.

C'est pourquoi les professeurs d'art font généralement étudier les natures mortes aux étudiants, car cela leur permet de comprendre comment concevoir des formes et des structures de base avec les limites les plus extrêmes. Essayez de regarder un objet dans votre pièce et de le simplifier en 2 valeurs – clair et foncé.

Lorsque vous étudiez les formes, il peut être utile de plisser les yeux devant ce que vous observez. Cela peut aider votre œil à séparer plus facilement la lumière et l'ombre en ajoutant plus de contraste à votre perception.

Je vais faire un plan à 2 valeurs à partir de mon croquis.

Ici, j'ai dessiné un portrait en gros plan d'une charmante servante, et je vais concevoir une structure à deux valeurs de différentes manières, pour représenter différents scénarios d'éclairage. Je mets chaque valeur sur son propre calque.

J'essaie d'accentuer vraiment la forme ronde du haut de la tête, tout en considérant comment la lumière pourrait affecter des formes plus complexes dans les traits du visage et les vêtements. N'hésitez pas à regarder des photos de référence, j'ai consulté 3 images différentes pour m'aider avec les trois !

 

Examinons de plus près cet exemple, où j'ai conçu la structure de valeurs en fonction d'une source de lumière provenant du coin supérieur droit.

La plupart des traits du visage ont été fusionnés en un seul bloc de ton d'ombre. Mais des détails spécifiques comme la lumière sur le nez et l'œil, l'ombre du bord des lèvres et des mèches de cheveux, sont convaincants et donnent suffisamment de contexte pour permettre à notre cerveau de remplir les blancs.

Une composition équilibrée bénéficie d'une combinaison d'une zone de mise au point et d'espaces de respiration. Trop de détails sur toute la toile peut être accablant, il doit donc y avoir des endroits où l'œil peut se reposer !

 

Ci-dessous, vous pouvez voir les séparations générales de la composition. Avoir ce grand bloc de valeurs sombres à gauche signifie que vous finissez par attirer davantage l'attention sur les zones plus détaillées à droite.

Pour résumer, lorsque vous concevez des structures de valeurs, assurez-vous de simplifier suffisamment pour que la structure de valeurs soit claire et montre la forme. Dans les compositions, essayez de trouver un équilibre entre le haut niveau de détail et l'espace de respiration.

Continuez à pratiquer, et regardez certainement beaucoup d'images de référence lorsque vous apprenez à concevoir vos structures de valeurs !

► Processus de peinture

• Créer une "sous-couche"

Vous vous demandez peut-être, quel était l'intérêt de créer ces structures de valeurs ? Les peintures à l'huile ne sont-elles pas une question de couleur ?

 

Oui, vous avez raison. Mais croyez-moi – nous allons transformer cette structure de valeurs en une sous-couche.

 

En peinture à l'huile traditionnelle, une sous-couche est essentiellement la "première étape". Vous utilisez une peinture fine pour placer les valeurs et développer les formes. Souvent, elles sont peintes en utilisant une seule couleur, car cela aide les peintres à se concentrer d'abord sur les valeurs. Cela fonctionne également comme un bon moyen de tonifier la toile et de permettre aux couleurs globales de développer plus d'harmonie.

Du plan de valeurs -> sous-couche avec texture.

Voici comment nous allons transformer notre toile en une sous-couche ressemblant à de l'huile avec une texture de toile.

 

Premièrement, je recolore les deux tons + le croquis. Il y a de nombreuses façons de recolorer, vous pouvez verrouiller les pixels transparents de vos calques et utiliser le pot de remplissage, ou ajouter un calque de superposition de couleur par-dessus vos valeurs.

 

Essayez de garder vos deux couleurs généralement monochromatiques, c'est-à-dire de la même teinte (ou d'une teinte similaire).

En peinture à l'huile, vous pourriez voir ces couleurs couramment utilisées pour les sous-couches (terre de Sienne brûlée, carmin d'alizarine, bleu céruléen, vert de vessie).

Deuxièmement, j'applique une texture de toile sur la sous-couche.

Pour ce faire, recherchez "toile" dans le dossier des matériaux, puis faites-la glisser et ajustez la taille de la texture.

Ensuite, sous "propriétés du calque", sélectionnez "recolorer le calque". Je trouve que la meilleure couleur à utiliser pour la recoloration est la teinte la plus claire.

Maintenant, changez le mode du calque en "Superposition", et c'est fait !

• Blocage des couleurs

Pendant le processus de blocage des couleurs, je traite la sous-couche presque comme un livre de coloriage – vous pouvez voir comment je remplis chaque segment avec sa propre couleur. Je garde les coups de pinceau lâches, car j'aime la façon dont la sous-couche interagit avec les couleurs peintes.

À ce stade, assurez-vous de prêter attention aux relations de couleurs : c'est-à-dire vérifier qu'elles fonctionnent toujours avec la structure de valeurs et qu'elles s'harmonisent les unes avec les autres.

 

Ne vous inquiétez pas de revenir en arrière ou de choisir la 'mauvaise' couleur – puisque c'est numérique, vous pouvez toujours utiliser le Ctrl+Z/annuler tant que vous le souhaitez jusqu'à obtenir les résultats désirés.

Voici ma première couche :

Toutes mes couleurs de base ont été peintes manuellement - pas d'outils lasso ou quoi que ce soit - tout à la manière classique. Mes relations de couleurs semblent bien fonctionner ensemble, et elles s'alignent toutes avec mon plan de valeurs.

• Rendu

Maintenant que je suis satisfaite des couleurs générales, je vais commencer le rendu !

Je commence généralement par affiner les traits du visage, ajouter des détails aux cheveux et faire un nettoyage général. Dans la partie ombrée de son visage, je garde le contraste assez faible pour m'aligner avec mon plan de valeurs, et j'utilise le pinceau estompe texturé pour mélanger les couleurs directement sur la toile afin que mes couleurs se fondent un peu les unes dans les autres.

En avançant, j'ajoute plus de détails à ses vêtements et j'insère des touches de saturation de couleur ici et là pour compenser mes couleurs plutôt monotones.

Dans de grandes zones de couleur unies, comme sa peau, j'ajoute subtilement un peu de vivacité de couleur pour plus de texture.

Avant de montrer la peinture terminée, parlons de différentes techniques de pinceau utiles !

► Différentes techniques de pinceau

Différentes techniques de pinceau peuvent vraiment avoir un impact sur les peintures à l'huile, et je vais vous en montrer quelques-unes que j'ai utilisées pour cette peinture.

• Hachures

Pendant la peinture, j'aime utiliser une technique de hachures. Elle consiste à ajouter de la couleur avec des coups de pinceau suivant le même angle. Cela peut accentuer certaines parties de votre tableau d'une manière lâche mais intéressante !

J'utilise également des hachures dans d'autres zones du tableau pour ajouter de la texture en utilisant de subtils changements de couleur.

Éclaircir différentes zones du visage avec une saturation accrue en utilisant la technique des hachures.

• Contrôle des bords

J'ai mentionné précédemment que je voulais garder un contraste faible dans la zone d'ombre principale. Une façon de maintenir un faible contraste est d'utiliser des bords plus doux.

 

Je fais cela en estompant légèrement certains bords nets à l'aide du pinceau "peinture à l'huile super sèche" de grande taille, ou en utilisant l'"estompe texturée".

De cette façon, il y a un contraste visuel entre la zone d'ombre qui semble très douce et la zone éclairée qui semble beaucoup plus nette.

• Gribouiller pour suggérer des détails

Honnêtement, je ne suis tout simplement pas le genre de personne qui aime faire des rendus super parfaits. Donc, cette méthode est parfaite pour moi ! Elle consiste à utiliser un pinceau très fin pour suggérer des détails à partir de gribouillis.

Vous pouvez le voir plus clairement dans la section des manches, où j'ai utilisé le pinceau "croquis à l'huile" pour gribouiller de la dentelle. Si vous regardez de près, cela ne ressemble à rien de plus qu'un gâchis, mais cela suggère suffisamment pour que vous compreniez l'idée.

• Ajouter de la vivacité avec des changements de teinte

La couleur est une autre façon d'appliquer de la texture à une peinture. Parfois, quand je sens que ma couleur manque de quelque chose, j'ajoute plus d'intérêt visuel en améliorant la vivacité de la couleur.

 

Cela fait référence à des couleurs ayant la même valeur, mais des teintes différentes. C'est une technique souvent utilisée par les peintres pendant le mouvement impressionniste !

Vous pouvez le faire facilement en activant l'effet "variation de couleur" dans les paramètres du pinceau que vous utilisez.

 

Allez dans les paramètres du pinceau → Variation de couleur → activez "Aléatoire par trait" → augmentez la teinte de 100.

Voyons cela en action ! Sur la peau, je prélève la couleur sous-jacente pour obtenir sa valeur. Je vais appliquer quelques coups de pinceau. Cela semble choquant au début, mais je peux facilement utiliser le pinceau estompe texturé pour l'estomper afin qu'il semble plus harmonieux.

• Embrasser les imperfections

Moins une technique de pinceau, plus un état d'esprit.

 

Les imperfections offrent au contraire beaucoup d'intérêt visuel et de charme dans les peintures à l'huile. Tout au long du processus de peinture, prenez du recul de temps en temps pour évaluer si vous aimez la façon dont certaines imperfections interagissent avec le reste de la peinture.

 

Embrassez vos imperfections de pinceau et vos heureux accidents !

► Peinture finale + Mots de clôture

Et voilà ! Voici ma peinture finale :

Merci beaucoup de m'avoir rejoint pour ce tutoriel, et j'espère que vous avez appris quelque chose de nouveau et peut-être utile de mes étranges techniques. J'ai mis beaucoup d'efforts à le réaliser, alors j'aimerais entendre vos commentaires. Je vous dis à la prochaine !