Introduction

Acheter tous les outils dont vous avez besoin pour réaliser des peintures à l’huile traditionnelles coûte cher et peut être un véritable désastre. Mais! De nombreuses méthodes traditionnelles de peinture ont été traduites dans des logiciels numériques tels que Clip Studio Paint. Avec les bons outils et les bonnes connaissances, même vous pouvez facilement réaliser une peinture à l’huile numérique, et je serai celui qui vous guidera tout au long de mon processus de peinture !

 

Je vais aborder ces sujets :

✱ Préparer un plan de valeur

✱ Création d'une sous-couche

✱ Processus d'application de la couleur

✱ Différentes techniques de pinceau

 

Je m'appelle Qilin et je suis ravi que vous soyez ici pour me suivre. Commençons!

 

 

Didacticiel vidéo

► Pack de pinceaux pour peinture à l'huile

Avant d'entrer dans le reste du didacticiel, j'ai créé un simple pack de pinceaux que j'utilise pour la peinture à l'huile et que j'utilise pour ce didacticiel. Vous pouvez le télécharger gratuitement. Il comprend:

✱ Croquis à l'huile

✱ Peinture à l'huile épaisse

✱ Peinture à l'huile sèche

✱ Peinture à l'huile super sèche

✱ Tache texturée

✱ Tache du bout des doigts

✱ Brosse à dents

Dans ce tutoriel, j'utilise également cet excellent pinceau ✱ Filbert (double) de l'asset store.

✱ Astuce : Utiliser des pinceaux

Je vais faire une démonstration rapide en utilisant ces pinceaux en peignant un sujet de pratique classique : une pomme !

Fini la pomme ! Ok, plus d’interruptions, passons au tutoriel !

► Préparation : composer des structures de valeur

Une structure de valeurs fait référence à l’organisation et à la composition de formes claires et sombres. Cela semble être un concept simple, mais ce n’est pas aussi simple qu’il y paraît ! Lorsque vous peignez, votre objectif est de vraiment résumer l'essence de la lumière et de l'ombre pour créer une forme. Planifier votre éclairage en concevant d'abord des valeurs rend le processus ultérieur beaucoup plus facile.

C'est pourquoi les professeurs d'art font généralement étudier la nature morte aux étudiants, car cela permet de comprendre la conception de formes et de structures de base avec les limites les plus extrêmes. Essayez de regarder un objet dans votre pièce et simplifiez-le en 2 valeurs : clair et sombre.

Lorsque vous étudiez des formulaires, il peut être utile de plisser les yeux sur ce que vous observez. Cela peut aider votre œil à séparer plus facilement la lumière et l’ombre en ajoutant plus de contraste à votre perception.

Je vais faire un plan à 2 valeurs à partir de mon croquis.

Ici, j'ai dessiné un portrait en gros plan d'un charmant personnage de servante et je vais concevoir une structure à deux valeurs de différentes manières, pour représenter différents scénarios d'éclairage. Je mets chaque valeur sur son propre calque.

J'essaie de vraiment accentuer la forme ronde du sommet de la tête, tout en considérant comment la lumière pourrait affecter des formes plus complexes dans les traits du visage et les vêtements. N'hésitez pas à regarder des photos de référence, j'ai regardé 3 photos différentes pour vous aider avec les trois !

 

Regardons de plus près cet exemple, où j'ai conçu la structure de valeur en fonction d'une source de lumière venant du coin supérieur droit.

La plupart des traits du visage ont été fusionnés en un seul bloc de tons d’ombre. Mais des détails spécifiques comme la lumière sur le nez et les yeux, l’ombre du bord des lèvres et les mèches de cheveux sont convaincants et donnent suffisamment de contexte pour permettre à notre cerveau de combler les vides.

Une composition équilibrée bénéficie d’une combinaison d’une zone de concentration et d’espaces de respiration. Trop de détails sur toute la toile peuvent être accablants, il doit donc y avoir des endroits pour que l'œil se repose !

 

Ci-dessous, vous pouvez voir les séparations générales de la composition. Avoir ce gros bloc de valeurs sombres sur la gauche signifie que vous finissez par vous concentrer davantage sur les zones les plus détaillées sur la droite.

Pour résumer, lors de la conception des structures de valeurs, assurez-vous de simplifier suffisamment pour que la structure de valeurs soit claire et montre la forme. Dans les compositions, essayez de trouver un équilibre entre détails élevés et marge de manœuvre.

Continuez à vous entraîner et regardez certainement de nombreuses images de référence lorsque vous apprenez à concevoir vos structures de valeurs !

► Processus de peinture

• Création d'une "sous-couche"

Vous vous demandez peut-être quel était l’intérêt de créer ces structures de valeurs ? Les peintures à l’huile ne sont-elles pas une question de couleur ?

 

Ok oui, tu as raison. Mais croyez-moi, nous allons transformer cette structure de valeur en une sous-couche.

 

Dans la peinture à l’huile traditionnelle, une sous-couche est essentiellement la « première étape ». Vous utilisez de la peinture fine pour placer des valeurs et développer des formes. Souvent, ils sont peints en utilisant une seule couleur, car cela aide les peintres à se concentrer d’abord sur les valeurs. Cela fonctionne également comme un bon moyen de tonifier la toile et de permettre aux couleurs générales de développer plus d’harmonie.

Du plan de valeur -> sous-couche avec texture.

Voici comment nous allons changer notre toile pour devenir une sous-couche semblable à de l’huile avec une texture de toile.

 

Tout d'abord, je recolore les deux tons + croquis. Il existe de nombreuses façons de recolorer, vous pouvez verrouiller les pixels transparents sur vos calques et utiliser le seau de remplissage, ou ajouter un calque de superposition de couleurs au-dessus de vos valeurs.

 

Essayez de garder vos deux couleurs généralement monochromatiques, c'est-à-dire qu'elles soient de la même teinte (ou similaire).

En peinture à l'huile, vous verrez peut-être ces couleurs être couramment utilisées pour les sous-couches (terre de Sienne brûlée, pourpre alizarine, bleu céruléen, vert de sève).

Deuxièmement, j'applique une texture de toile sur la sous-couche.

Pour ce faire, recherchez « toile » dans le dossier des matériaux, faites-le simplement glisser et ajustez la taille de la texture.

Ensuite, sous « Propriétés du calque », sélectionnez « Recolorer le calque ». Je trouve que la meilleure couleur à utiliser pour recolorer est celle qui est la plus claire.

Changez maintenant le mode de calque en « Superposition » et vous avez terminé !

• Blocage de couleur

Pendant le processus de blocage des couleurs, je traite la sous-couche presque comme un livre de coloriage : vous pouvez voir comment je remplis chaque segment avec sa propre couleur. Je garde les coups de pinceau lâches, car j'aime la façon dont la sous-couche interagit avec les couleurs peintes.

À ce stade, veillez à prêter attention aux relations de couleurs : c’est-à-dire à vérifier qu’elles fonctionnent toujours avec la structure de valeurs et qu’elles fonctionnent harmonieusement les unes à côté des autres.

 

Ne vous inquiétez pas de revenir en arrière ou de choisir la « mauvaise » couleur : comme il est numérique, vous pouvez toujours utiliser le bien-aimé Ctrl+Z/Annuler à votre guise jusqu'à ce que vous obteniez les résultats souhaités.

Voici ma première couche :

Toutes mes couleurs de base ont été peintes manuellement – sans outils de lasso ou quoi que ce soit – le tout de façon classique. Mes relations de couleurs semblent fonctionner les unes avec les autres et elles s'alignent toutes sur mon plan de valeurs.

• Le rendu

Maintenant que je suis satisfait des couleurs générales, je vais commencer le rendu !

Je commence généralement par affiner les traits du visage, ajouter des détails aux cheveux et effectuer un nettoyage global. Dans la partie sombre de son visage, je garde le contraste quelque peu faible pour m'aligner sur mon plan de valeur, et j'utilise le pinceau de texture pour mélanger les couleurs directement sur la toile afin que mes couleurs se mélangent quelque peu les unes aux autres.

Ensuite, j'ajoute plus de détails à ses vêtements et j'ajoute des notes de saturation des couleurs ici et là pour compenser mes couleurs plutôt monotones.

Dans de gros morceaux de couleur, comme dans sa peau, j’ajoute subtilement un peu de dynamisme pour plus de texture.

Avant de montrer le tableau terminé, parlons de quelques techniques de pinceau différentes et utiles !

► Différentes techniques de pinceau

Différentes techniques de pinceau peuvent vraiment avoir un impact sur les peintures à l’huile, et je vais vous en montrer quelques-unes que j’ai utilisées pour cette peinture.

• Éclosion

Lors de la peinture, j'aime utiliser une technique de hachure. Il s’agit d’ajouter de la couleur avec des coups de pinceau suivant le même angle. Il peut accentuer certaines parties de votre peinture de manière lâche mais intéressante !

J'utilise également des hachures dans d'autres zones de la peinture pour ajouter de la texture en utilisant de subtils changements de couleur.

Éclaircir différentes zones du visage avec une saturation supplémentaire grâce à la technique des hachures.

• Contrôle des bords

J'ai déjà mentionné comment je souhaitais maintenir un faible contraste dans la zone d'ombre principale. Une façon de maintenir un faible contraste consiste à utiliser des bords plus doux.

 

Je fais cela en estompant légèrement certains bords tranchants à l'aide du pinceau « peinture à l'huile super sèche » de grande taille, ou en utilisant le « maculage texturé ».

De cette façon, il y a un contraste visuel entre la zone d’ombre qui semble très douce et la zone de lumière qui semble beaucoup plus nette.

• Gribouiller pour suggérer des détails

À vrai dire, je ne suis tout simplement pas le genre de personne qui aime faire des rendus super parfaits. Cette méthode est donc parfaite pour moi ! Il s’agit d’utiliser un pinceau très fin pour suggérer des détails à partir de gribouillages.

Vous pouvez le voir plus clairement dans la section des manches, où j'ai utilisé le pinceau « croquis à l'huile » pour griffonner de la dentelle. Si vous regardez attentivement, cela ne ressemble à rien d’autre qu’un désordre, mais cela suggère suffisamment pour que vous compreniez l’idée.

• Ajoutez du dynamisme avec des changements de teinte

La couleur est une autre façon d’appliquer une texture à une peinture. Parfois, lorsque je sens que ma couleur manque, j’ajoute plus d’intérêt visuel en améliorant le dynamisme des couleurs.

 

Cela fait référence aux couleurs ayant la même valeur, mais des teintes différentes. C’est une technique souvent utilisée par les peintres du mouvement impressionniste !

Vous pouvez le faire facilement en activant l'effet « Jitter de couleur » dans les paramètres du pinceau, quel que soit le pinceau que vous utilisez.

 

Accédez aux paramètres du pinceau → Gigue des couleurs → activez « Randomiser par trait » → augmentez la teinte de 100.

Voyons cela en action ! Sur la peau, je laisse tomber la couleur sous-jacente pour obtenir sa valeur. Je vais appliquer quelques coups de pinceau. Cela semble choquant au début, mais je peux facilement utiliser le pinceau texturé pour l'estomper et lui donner un aspect plus harmonieux.

• Acceptez les imperfections

Moins une technique de pinceau et plus un état d’esprit.

 

Les imperfections offrent au contraire beaucoup d’intérêt visuel et de charme dans les peintures à l’huile. Tout au long du processus de peinture, prenez du recul de temps en temps pour évaluer si vous aimez la façon dont certaines imperfections interagissent avec le reste du tableau.

 

Embrassez les imperfections de votre pinceau et les heureux accidents !

► Peinture finale + Mots de clôture

Et c'est tout! Voici ma dernière peinture :

Merci beaucoup de vous être joint à moi avec ce tutoriel, et j'espère que vous avez appris quelque chose de nouveau et peut-être utile grâce à mes étranges techniques. J’ai déployé beaucoup d’efforts pour réaliser cela, j’aimerais donc entendre vos commentaires. Je te verrai dans le prochain !