Hola de nuevo! este es mi segundo tutorial… ideal para comprender mejor el color en general!

Por primera vez hice un video en youtube resumiendo estos contenidos! puedes acceder a él a continuación (tiene SUBTITULOS EN INGLÉS disponibles!)

 

Primero que nada, hablemos un poco sobre teoría del color. Esto es importante porque se trata de un lenguaje universal visual al que estamos tan acostumbrados que podemos distinguirlo sin pensarlo. Lo importante para un artista es comprender este lenguaje y usarlo para transmitir mejor el mensaje de su arte.

Las herramientas de corrección tonal de Clip Studio pueden ayudarte a modificar con precisión los tonos para ser lo más efectivo posible!

 

Lenguaje y Conceptos básicos

Valor o Luminosidad

Se llama valor a la cantidad de luz que un tono (color) tiene. Blanco, negro y grises en escala se usan como referencia para transmitir la luminosidad de una imagen sin estar influenciadas por los contrastes de color. Por esto es un recurso frecuente en artistas el convertir la imagen con la que están trabajando en escala de grises, o bien empezar su ilustración pintando en escala de grises, para establecer una relación de contraste entre los elementos bien balanceada y así dirigir la mirada.

 

Para esta técnica se usa la escala de grises, cuyos extremos son el blanco y el negro, porque es el gradiente que contiene al mismo tiempo el tono con más luz posible (blanco) y el tono más oscuro posible (negro). Ninguna otra escala de color podría alcanzar estos valores extremos, ya que por ejemplo el amarillo, aunque sea el color más claro, no reemplaza al blanco y además es incapaz de llegar al tono oscuro del negro; por otro lado el violeta o el azul, aunque sean colores oscuros y se acerquen bastante al negro, no pueden ser tan luminosos como el blanco. (Esto solo aplica si hablamos del estado más puro del color, sin blanco, negro ni otro color mezclado).

La dificultad aparece cuando hablamos de luminosidad en un color, y no en tonos acromáticos (blanco, gris y negro). Hay colores que siendo distintos tienen la misma luminosidad (es decir, el mismo valor) y se distinguen unos de otros por el tono. Esto es algo importante a tener en cuenta porque puede cambiar la estructura entera de una imagen si no se tiene cuidado. (Un pequeño ejemplo de esto está en el apartado de Armonías de color)

 

Color o Tono

Los colores digitales usualmente se encuentran ordenados según el círculo cromático a modo de guía de color que muestra el paso de un color a otro. Clip Studio tiene esto organizado en una rueda de colores, y en el centro de esta rueda se muestra el tono elegido y las variantes de éste tono hacia el blanco y hacia el negro.

 

Esta forma de seleccionar los colores puede ser insuficiente o muy difícil si se busca un color específico que combine varios tonos distintos. Por ejemplo, si buscaras un tono salmón, en el aro de color es difícil encontrar el punto medio entre el naranja y el rojo, con la complejidad extra de buscar después la luminosidad del tono en la escala que va hacia negro y blanco del centro del aro. La solución ideal para esto es la herramienta de paleta de “Color Neutral”, donde podemos seleccionar manualmente los extremos del gradiente de color que estamos buscando. Así, podemos colocar en una punta el rojo, en la otra el naranja, y en las otras dos blanco y negro respectivamente. De esta manera, tenemos una buena variedad y un gradiente perfecto: así es mucho más fácil encontrar el color que buscabas!! Recomiendo mucho probar distintos colores para encontrar tonos nuevos! (para ver por qué esto es tan importante, espera a leer sobre armonías de color y especialmente sobre colores complementarios)

 

Temperatura

Se trata de la sensación que da un tono. Por lo general se asocia la gama del amarillo al violeta rojizo (en la rueda de colores o círculo cromático) con colores cálidos, es decir que transmiten calor. Se asocia con colores fríos el gradiente entre amarillo verdoso y violeta. Sin embargo, según la combinación de colores que se dé, pueden existir azules cálidos de la misma manera que rojos fríos, y esto está relacionado con un cambio en la saturación del tono. Para lograr este tipo de efectos, se combina un color generalmente con su tono opuesto, análogo o análogo opuesto, de esto hablaremos más adelante.

 

 

Saturación y pureza del color

Se dice que un color está saturado cuando se encuentra en su estado más puro, es decir sin estar combinado con blanco, negro o colores que alteren su naturaleza. Por ejemplo en el caso de colores opuestos en la rueda de colores, al mezclarlos se producirían tonos que se acerquen al marrón o al gris quitando saturación al tono inicial (esto es especialmente notorio al trabajar con medios tradicionales, cuidado! con pintura real los tonos que resultan de estas mezclas son mucho más oscuros!). Estos tonos “sucios” se llaman neutros o quebrados y en definitiva se trata de una mezcla, al menos de mínima proporción, entre los tres colores primarios (cyan, magenta y amarillo; o rojo, azul y amarillo según el circulo que se esté usando).

Suele incluirse la mezcla con blanco y negro dentro del término “desaturación” para indicar que no es el color puro, pero en realidad se trata de un cambio en la luminosidad (valor) de un mismo tono, y no de un cambio de color.

 

Contraste

El contraste se refiere a la diferencia que se puede ver entre un color y otro cuando están uno junto al otro. El contraste, cuando hablamos de color, se da por luminosidad (valor), por tono (color) y saturación (pureza). Al trabajar con luz y sombra, esta diferencia es crucial para poder generar un recorrido para la mirada dentro de la imagen, ya que naturalmente tendemos a ver primero los puntos de la imagen que tengan mayor contraste (es decir, donde dos tonos muestren la mayor diferencia de luminosidad y tono entre sí). ( Hay un ejemplo de esto en el apartado “Armonías”). Es muy interesante ver cómo, si convertimos la imagen a escala de grises, el contraste puede desaparecer según los colores que hayan sido elegidos!!

Armonías de color

Se refiere a los grupos de colores que, por sus características, se ven mejor y son más eficientes al combinarse. Tener en mente la armonía de color, ayuda a que la imagen pueda leerse con más fluidez . Un color que no encaje además atrae la mirada y el artista se arriesga a que los puntos de interés que quiera establecer se pierdan de vista, por eso es bueno seleccionar una paleta armónica de antemano y utilizarla estratégicamente para ayudar a la composición de la imagen. Entendiendo esto podrás crear paletas armónicas buscando los colores precisos con las herramientas de corrección tonal!

 

 

En estos ejemplos podemos ver cómo, en la primera imagen, el pelaje del personaje se pierde en el fondo, el magenta y el verde están demasiado saturados y por eso compiten entre sí; el suelo también compite en saturación con el naranja del fondo y llama la atención de tal manera que perdemos de vista los ojos del zorro. El círculo cromático en este caso nos muestra cómo los colores elegidos están muy separados entre sí.

En la segunda imagen, el tono oscuro del suelo y el tono luminoso del fondo hacen que el personaje se despegue y resalte; la desaturación del magenta y el verde hace que combinen bien y se complementen, sin competir entre sí; el naranja destaca ya que se encuentra en un medio en el que hay dominancia de tonos entre magenta y violeta, y por cómo está distribuido genera una línea en diagonal que lleva la mirada a los ojos y manos del personaje. El círculo cromático en este caso, nos muestra tres colores cercanos entre sí, y uno en el lado opuesto que ayuda al contraste en los puntos de interés.

 

• Recomendación importante: si no estás seguro de qué colores usar, pinta cada color en distintas capas para poder modificar cada uno por separado con la ayuda de las herramientas de corrección tonal! Si pintas tradicionalmente, prueba combinando colores en una hoja aparte antes de llevarlos a tu pintura.

 

Hay variedad de formas ya establecidas de seleccionar paletas armónicas (y le recomiendo mucho investigarlas online!), pero en este caso voy a hablar de las que considero más básicas, frecuentes y útiles a la hora de usar las herramientas de corrección de color.

 

1) Colores complementarios: se refiere a dos colores opuestos en el círculo cromático; por ejemplo el magenta y el verde.

2) Colores complementarios adyacentes: se refiere a cuando tomamos un tono y lo oponemos a los tonos adyacentes a su complementario; por ejemplo si tomaramos magenta y lo combináramos con amarillo verdoso y azul verdoso en lugar de verde.

3) Colores análogos: colores muy cercanos dentro de la secuencia del círculo cromático, por ejemplo: amarillo, naranja y rojo.

 

• Adyacente: se dice de la cosa que está junto a la otra.

En estos pequeños ejemplos usé los colores casi puros, con poca variación de luminosidad.

 

A la hora de sombrear e iluminar un color, hay dos grandes recursos: con color o con valor.

Se dice que no hay que sombrear o iluminar con valor porque esto le da un aspecto artificial. Además de su color propio, todos los elementos reflejan la tonalidad del ambiente u objetos cercanos. Para generar sombras sin (o con menos) negro y luces sin (o con menos) blanco, es mejor mezclar con el color virado hacia su tono complementario, es decir opuesto en la rueda de colores; o llevar el tono hacia un color análogo o adyacente. Esta estrategia va a generar colores que se integran mucho más armónicamente con los demás y a que sean mucho más variados. Pienso que la combinación de estas dos técnicas es la mejor en medios digitales, porque los colores no se ensucian tanto como al trabajar tradicionalmente.

 

 

La herramienta de color neutral es perfecta en esta situación para buscar tonos que se diferencien sutilmente del color que estamos usando en la dirección de su complementario o de su análogo. Colocando el color original en una arista, y otro en la arista opuesta en diagonal, la gama de colores ayudará a establecer mucho mejor el tono para sombras y luces de colores diferentes. ( La explicación sobre esta herramienta está en el subtítulo “color”)

 

Herramientas de corrección tonal

 

Ahora que tenemos la información necesaria para entender los conceptos que se usan en el tratamiento del color, veamos las herramientas de corrección tonal! Voy a mostrarles las que más uso.

Primero veamos dónde encontrarlas y una pequeña descripción de lo que hacen:

 

 

1) Brillo y contraste: se usa el primer parámetro para aclarar los tonos, y el segundo para resaltar la diferencia entre los tonos claros y los oscuros

 

2) Tono, saturación y luminosidad: el primer eje modifica el color. El segundo la pureza (saturación) del color, virando hacia el gris y hacia el estado más puro de los colores seleccionados. . El tercer eje modifica la luminosidad (valor) de la imagen pudiendo llevarla hacia el negro o el blanco.

 

3) Corrección de nivel: esta herramienta nos permite reducir la distancia entre los valores bajos y los altos, permitiendo también corregir los tonos medios. Es un eje horizontal con tres nodos; negro, gris medio y blanco. Al mover estos nodos, modificamos la luminosidad de la imagen con más precisión que en la herramienta anterior. (Los nodos se ven como pequeñas flechitas hacia arriba que aparecen debajo del eje horizontal de la corrección de nivel)

 

4) Curva de tonos: esta herramienta es muy útil para balancear la luz y la oscuridad en una imagen, sin perder la saturación del color. El cuadrante tiene en su arista inferior izquierda los tonos más oscuros y en la arista superior derecha los más claros: para ver los cambios hay que modificar la línea recta que une estos dos puntos y convertirla en una curva. Hacia arriba ilumina, hacia abajo oscurece.

 

5) Balance de color: ayuda a corregir los tonos. De esta manera, tenemos tres ejes de modificación que nos permiten modificar el color de la capa seleccionada llevándolo hacia los colores primarios y secundarios. Además, podemos seleccionar a qué tonos modificar más: luces, medios tonos o sombras. Esto también nos ayuda mucho a la hora de corregir la saturación.

 

6) Binarización: extrapola los tonos que haya a blanco y negro. Esto puede ser muy útil para ayudar a corregir el sombreado de manera tal que se comprenda mejor el volumen. Da a la imagen la apariencia de un cómic hecho con tinta.

 

Estos cambios pueden aplicarse tanto a una capa en específico, como a todo el documento.

Para aplicar a una capa en específico, hay que seleccionar la capa, abrir el menú de corrección que necesites tal como vimos antes y sencillamente los cambios quedarán sujetos a esa capa. CUIDADO! estos cambios son destructivos, es decir que se aplican a la capa modificándola por completo.

 

 

Para aplicar cambios al documento entero, debemos seleccionar el menú de Capas en la hilera superior del área de trabajo. Luego seleccionar la opción “nueva capa de corrección” y elegir el modo de edición que quieras. Una vez creada, esta capa puede ser cambiada de lugar en la lista de capas y sus efectos van a aplicarse a todas las capas que estén debajo de ella. Este método trae la ventaja de poder combinarse con máscaras de capa, de tal manera que podemos seleccionar manualmente el área que queremos que sea afectada por las modificaciones. Además, NO es destructivo y basta con ocultar la capa de modificación para recuperar el estado anterior de la imagen!.

 

 

CUIDADO! según cómo apliques las capas de corrección, sus cambios se aplicarán a distintas partes de tu pintura. Si no quieres que la capa de corrección actúe sobre todas las capas debajo de ella, puedes limitar la cantidad de capas a las que afecte colocándolas dentro de un grupo (las capas que no estén dentro de este grupo no serán afectadas por las capas de corrección que se encuentren dentro del grupo).

1) Al haber aplicado la máscara al grupo entero, funciona como recorte tanto de las capas de corrección como de la pintura. La máscara se aplica a todas las capas contenidas en el grupo

2) Al haber aplicado las máscaras a cada capa de corrección dentro del grupo, podemos seleccionar el área de efecto de los cambios que ejerce cada capa sobre la pintura. Cada máscara se aplica a la capa en la que está, y el grupo hace que los cambios sólo se apliquen a las capas que están dentro de él (no olvides poner las capas que estés queriendo modificar dentro de este grupo!)

Aprovecha estos recursos para probar distintas configuraciones que te ayuden a crear combinaciones de colores armónicas.

Las herramientas de corrección de color se complementan muy bien con las opciones de fusión de capas. Por ejemplo, uno de los recursos más comunes para sombrear, es seleccionar un color y configurar la capa en modo multiplicar. Con corrección tonal se puede cambiar el color de esa capa sin perder información. Esto vale para cualquier otro modo de fusión, por supuesto. Veamos algunos ejemplos:

 

Cómo uso yo las herramientas de corrección

Puedes combinar todas estas herramientas que estuvimos estudiando para lograr el resultado que desees con el menor esfuerzo e inversión de tiempo posibles. Comparto los colores y modos de fusión que usé para una de las pinturas que estuve usando de ejemplo. Mi proceso es un poco caótico y desordenado, pero lo que importa es llegar a un buen resultado, verdad?

 

Una vez que todos los cambios con colores y modos de capa están establecidos, me gusta reforzar aún más los tonos utilizando las capas de corrección que me ayudan a modificar sutilmente los colores de la imagen y los vuelven más vibrantes y nítidos. Las diferencias son sutiles, pero el efecto general es bastante diferente! Los mayores cambios que veo son en su nitidez y también un poco en la saturación.

 

Recomendación para estudiosos

Es frecuente ver artistas pintando la misma imagen con distintas configuraciones de luz y es totalmente un ejercicio necesario cuando estás aprendiendo! Pinta una versión con colores planos en tonos medios y prueba con distintos modos de fusión de capas y colores! Busca referencias de fotos u otros artistas para estudiar desde dónde viene y qué color posee la luz; luego usa las herramientas de corrección tonal que necesites para ir probando distintos tonos de luz y sombra hasta que estés satisfecho. Comparto mi acercamiento a este ejercicio, que me ayudó mucho a preparar este tutorial:

 

 

Gracias por leer hasta aquí! quizá me alejé un poco del tema principal hacia el final… pero me es difícil hablar de una cosa sin hablar también de la otra… Pienso que se enriquece mucho el trabajo si se combinan las herramientas de corrección tonal con los modos de fusión de capas!

Si te gusta mi trabajo, puedes seguirme en mi Instagram de dibujo: @barbara_brutti_ilustraciones