Einleitung

Hallo zusammen, ich heiße alte und neue CSP-Benutzer wie mich selbst willkommen. Falls Sie mich nicht kennen: Mein Name ist Daniel, aber meine Künstlerfreunde wie ich nennen mich Ado_draw und kennen mich unter diesem Namen.

Im heutigen Tutorial-Artikelkurs werde ich die verschiedenen Dinge zeigen, die ich in Betracht ziehe und tue, um ein nicht ganz so perfektes, aber gutes Meisterwerk in Form eines Ölgemäldes zu schaffen.

Und der Artikel trägt den Titel:

5 Tipps zum Erstellen eines guten digitalen Ölgemälde-Meisterwerks.

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Was verstehen Sie nun unter Zeichnen oder Malen [?]

 

Denn bevor ich mich in etwas vertiefe, möchte ich immer seine Funktion und Auswirkungen kennen.

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Diese Frage wird vielleicht schon vor oder während dieses Tutorials gestellt, deshalb möchte ich zunächst das Eis brechen.

 

Wenn wir jetzt über Zeichnen oder Malen sprechen,

sind beides Formen des visuellen Ausdrucks und beide können als Kunstformen betrachtet werden, aber der Hauptunterschied besteht darin, dass Zeichnen ein Prozess ist, der mit einem Bleistift oder Stift ausgeführt wird, und Malen mit einem Pinsel oder einem Farbtopf.

 

Oder wir können auch sagen, dass Malen normalerweise das Auftragen von Farbe auf eine Oberfläche mit Medien wie Öl, Wasserfarbe oder Acryl beinhaltet. Es ermöglicht oft ein breiteres Spektrum an Ausdruck, Tiefe und Textur.

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Beim Zeichnen hingegen geht es normalerweise darum, Linien und Formen mit Bleistiften, Kohle oder Tinte zu erstellen.

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In diesem Sinne möchte ich Folgendes ansprechen oder klären, bevor wir richtig anfangen:

 

FRAGE:

[Ist es richtig, mein Ölgemälde oder Gemälde im Allgemeinen mit einer groben Skizze zu beginnen? ]

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HINWEIS 🔹 dass es kein Tabu ist, wenn wir die Form des Motivs vor dem Malen grob skizzieren oder schnell skizzieren; denn so wird im traditionellen Format gemalt.

 

 

Und dieser Prozess macht einen weder schwach noch faul in der Kunst, er legt nur die Grundlage, auf der Ihr Gemälde entsteht, und ich rate Anfängern, hauptsächlich diese Methode zu verwenden, da sie die Dinge einfacher macht, aber wenn Sie das Gefühl haben, dass Sie genug gewachsen sind, können Sie direkt mit dem Malen beginnen, ohne die grobe Skizze, die die meisten Künstler machen.

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1. Treffen Sie eine Auswahl der zu verwendenden Sub-Tool-Pinselsätze

Als Künstler, sei es digitaler oder traditioneller Künstler, wissen wir, dass es Pinsel in verschiedenen Formen und Gestalten gibt. Nehmen wir zum Beispiel an, wenn wir sagen:

 

 

i. Form eines Pinsels (Sub-Tool),

Pinsel haben die übliche Form wie Quadrat, Kreis (oder rund) und schließlich Dreieck,

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Nun werden diese drei Pinselsätze in CLIP STUDIO PAINT (CSP) weiter bearbeitet, um weitere Pinselsätze zu erstellen, die ich vorerst „Formpinsel“ nennen werde.

 

 

ii. Formen eines Pinsels (Unterwerkzeug),

Dies kann entweder die runde Spitze eines Pinsels sein, die so angepasst wurde, dass sie kleine Löcher hat, oder die runde Form wird so gestreckt, dass sie wie eine Kugel aussieht, oder die runde Form hat einen unscharfen äußeren Rand und mehr.

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Oder die quadratische Pinselspitze:

 

Sie wird so gestreckt, dass sie rechteckig aussieht, oder sie wird ein wenig gebogen, sodass sie gekrümmt wirkt.

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Oder für die dreieckig geformte Pinselspitze,

deren Form auch so gestreckt werden kann, dass sie wie ein rechtwinkliges Dreieck aussieht, oder bei der kleine Punkte in der dreieckigen Form entstehen, um eine Art schwammartiges Aussehen zu erzielen.

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All die oben genannten Punkte sind einige der Möglichkeiten, wie die Pinselspitze zustande kommt.

 

Der Grund, warum wir uns darüber im Klaren sein müssen, ist, dass jemand, um sein/ihr einzigartiges Meisterwerk zu schaffen, die Werkzeuge kennen muss, die er/sie verwendet, und wissen muss, wie sie an die eigene Arbeit angepasst werden können.

REFERENZ:

Zum Beispiel: „Ein guter Samurai muss sein Schwert kennen und wissen, wann und wie er es schärft“ oder „Ein Lehrer muss seine Schüler kennen, um zu wissen, wie er sie effektiv unterrichtet“

Damit kommen wir zum nächsten Aspekt.

 

 

2. Das Geheimnis der Funktionsweise von Malpinseln kennen.

Es gibt verschiedene Pinselsätze in CSP, aber einige davon werden zum Malen verwendet, andere wie Acrylfarben, Wasserfarben, Pastellfarben oder Graphit, die für verschiedene Zwecke wie Füllen, Detaillieren, Strukturieren, Verwischen oder sogar Verwischen verwendet werden können.

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Einige der Pinsel haben harte Kanten, andere weiche Kanten und wieder andere haben strukturierte Kanten.

Diese verschiedenen Pinsel haben in der Regel ihre eigenen einzigartigen Einstellungen, die ihnen ermöglichen, das zu tun, was sie tun, und wenn Sie wissen, wie sie funktionieren, hilft Ihnen das auch, wenn Sie die Einstellungen anpassen möchten. Sehen wir sie uns an.

3. Vorgehensweise beim Ölgemälde in CSP

Der folgende Prozess oder Schritt, wie Sie ihn nennen könnten, sind die verschiedenen Dinge, die ich in Betracht ziehe oder tue, um meinen Malprozess zu verbessern, sei es (Ölmalerei oder Malerei im Allgemeinen).

 

 

i. Wählen Sie das Thema und kennen Sie es

Die Auswahl oder Kenntnis Ihres Motivs ist ein wichtiger Faktor, den wir nicht vernachlässigen oder aus dem Bild streichen dürfen. Dieser Aspekt beinhaltet, dass wir Folgendes erfahren:

 

- Die Art dessen, was wir malen (ist es eine Figur oder ein Objekt).

 

- Die verschiedenen Farben, die für das Gemälde benötigt werden.

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- Und zum Schluss sollten Sie sich klarmachen, welche Emotionen Sie den Zuschauern vermitteln möchten.

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ii. Verwenden Sie Referenzfotos

Wie wir vielleicht schon oft gehört haben, ist es wichtig, Referenzen zu haben, und dieser Prozess existiert schon seit jeher. Bevor wir also überhaupt mit der Erstellung der großen Skizze des Kunstwerks beginnen können, benötigen wir gute Referenzen, die die Art des dynamischen Ausdrucks angeben, den unsere Figur haben soll, die verschiedenen Arten von Farben, die hinzugefügt werden sollen, und vieles mehr. Bleiben Sie also nicht bei der Vorstellung hängen, dass Sie nur eine Referenz benötigen, sondern verwenden Sie mehrere Referenzen, um das, was Sie Ihren Betrachtern zeigen möchten, besser zu machen.

 

Aber

HINWEIS 🔹 Verwenden Sie niemals Referenzen für Ihr Werk oder zeichnen Sie es nach und veröffentlichen Sie es. Sie können Ihre Referenzen nachzeichnen, um besser zu verstehen, wie der Autor seine/ihre Proportionen erstellt hat und mehr, aber ich rate Ihnen davon ab, es zu veröffentlichen, da dies meines Erachtens ein Urheberrechtsverstoß gegen das Werk des Autors ist

 

 

iii. Machen Sie Miniaturskizzen

Dieser Aspekt „Miniaturansicht“ mag den meisten irrelevant erscheinen, aber es ist ein großartiger Prozess, den ich im Laufe des Jahres als sehr wichtig empfunden habe. Dieser Aspekt hilft dabei, das Format zu zeigen, in dem die Lackierung ihr endgültiges Aussehen haben wird, und dieser Prozess kann durchgeführt werden, indem mehrere Aspekte (Perspektivpositionen) der Szene gezeigt werden, wie in den folgenden Beispielen:

 

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Bedenken Sie, dass dieser Prozess nicht das Werk ist, das Sie den Zuschauern am Ende zeigen werden. Man kann die verschiedenen Ideen in seinem Kopf frei ausarbeiten und dabei auch die Zeit einhalten, indem man das Werk grob malt, wie im obigen Bild gezeigt.

 

 

4. Ölmalerei-Prozess:

An diesem Punkt können wir nun mit der Verwendung oder Implementierung des oben genannten beginnen, um den Ölmalprozess unseres abschließenden Ölmal-Tutorial-Artikels zu starten.

 

Wie ich bereits oben erwähnt habe, müssen wir das Motiv oder Objekt kennen, das wir zeichnen möchten, und eine gute Referenz haben, die die sehr ähnliche Struktur der Figur, die Positionierung und sogar die Perspektive angibt, aus der Sie die Figur malen möchten. Für dieses Tutorial werde ich einen [Wacom Stylus Pen] zeichnen und hier unten sind einige Referenzen eines sehr ähnlichen Objekts (ein Bild eines Bleistifts und eines iPad-Stylus-Stifts).

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i. Machen Sie eine Bleistiftskizze des Motivs

Markieren Sie schnell die grobe Form des Motivs mit einem bereits vorhandenen, sehr ähnlichen Bezug, beispielsweise der äußeren Form des Motivs.

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In diesem Sinne können wir nun,

 

 

ii. Weitere Ebenen hinzufügen

In dieser Hinsicht nutzen wir die verfügbaren CSP-Ebenen zu unserem Vorteil. Denn beim traditionellen Malen sind wir darauf beschränkt, auf einer Papierebene zu malen, doch beim digitalen Malen haben wir den Luxus mehrerer Ebenen (oder Papiere), auf denen wir frei malen können.

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Verhältnismäßigkeit

Dies kann nicht überbewertet werden, da es sich hauptsächlich um das Größenverhältnis eines Elements im Vergleich zu einem anderen in einer Szene handelt. Beim realistischen Zeichnen oder Malen sind die Proportionen wichtig. Wenn die Proportionen nicht stimmen, sieht das resultierende Bild weniger realistisch oder abstrakt aus.

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Alternativ können Künstler Proportionen für Effekte verwenden, indem sie ihren Werken ein gestrecktes oder verlängertes Aussehen verleihen.

 

So sieht beispielsweise ein Stylus-Stift wie ein gebogenes und elastisches Material aus, ist es im wirklichen Leben aber nicht. Oder ein anderes Beispiel ist die Figur, die ihre Hand ausstreckt, um den Stift zu tragen, was die Hand aus dem Blickwinkel wie eine gestreckte oder riesige Menschenhand aussehen lässt.

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Um diese Art von Effekten zu erzielen, müssen Gitterlinien verwendet und einige der [x- und y-Achsen] gekrümmt werden, wodurch mehrere Schnittpunkte entstehen, wie unten gezeigt,

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Wenn wir uns die verschiedenen Schnittpunkte genauer ansehen, werden wir feststellen, dass sie sich alle unterscheiden, da die Form der Objekte oder Subjekte natürlich erscheint. Einige sind entweder rund oder quadratisch.

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Wenn wir uns nun die Proportionalität der verschiedenen Objekte und Motive im erstellten Bild ansehen, fällt uns auf, dass die Linien der x- und y-Achse gekrümmt sind und von der Spitze des Stifts bis zum unteren Ende des Stifts verlaufen. Derselbe Vorgang kann auch auf die Figur angewendet werden, was ihr ihr unterschiedliches Aussehen verleiht.

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iv. Den Hintergrund gestalten

Die Hintergrundgestaltung erfolgt je nach Künstler auf unterschiedliche Weise. Manche Künstler malen den Hintergrund beispielsweise lieber, bevor sie die Figur verschieben, während andere den Hintergrund lieber am Ende des Kunstwerks hinzufügen.

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Aber für das heutige Tutorial möchte ich, dass wir die Ölmalerei des Kunstwerks aufbauen, beginnend beim Hintergrund bis hin zur Figur.

 

Bevor wir nun den Hintergrund gestalten, müssen wir zunächst den nächsten Aspekt berücksichtigen:

v. Texturierung

Dies ist ein Verfahren, das auf die Modelle angewendet wird, um realistische Oberflächen zu erzeugen, und es ist auch ein Verfahren, um Tiefe und Effekte zu erzeugen.

Es ist sehr ratsam, beim Malen Texturen zu verwenden, da eine ebene Oberfläche ohne Texturen unrealistisch aussehen und wie in den beiden separaten Bildern unten gezeigt aussehen kann,

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Denn auch im echten Leben sind die meisten Dinge nicht glatt. Der Grund, warum ich „die meisten Dinge“ gesagt habe, ist, dass manche Objekte oder Dinge eine glatte Oberfläche haben, wie zum Beispiel Edelstahl, während andere eine raue Oberfläche haben, wie zum Beispiel Stein.

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Ich möchte Sie darauf hinweisen, dass es zwei Möglichkeiten gibt, Textureffekte anzuwenden, einmal mit dem Pinseleffekt und einmal als Ebeneneffekt, wie unten deutlich angegeben.

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Mit dem im Hinterkopf, wie man sich dann jeweils bewirbt.

 

 

• Um einem Pinsel Textureffekte hinzuzufügen,

Wir können unseren Subtool-Pinseln Textureffekte hinzufügen, indem wir zuerst den Pinsel suchen, der ein Texturpinsel sein soll. Für dieses Tutorial verwende ich den Ölfarbenpinsel. Klicken Sie auf [Werkzeugeigenschaft], im Dashboard befindet sich das Symbol [Subtool-Details]. Klicken Sie darauf. Ein weiteres Dashboard mit verschiedenen Optionen wird angezeigt. Wählen Sie [Textur] aus.

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Da wir uns nun in den [Textur]-Einstellungen befinden, können wir die Einstellungen nach Wunsch anpassen. Für dieses Tutorial werde ich nur die folgenden Bildtextureinstellungen verwenden.

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Und damit sind wir mit dem Hinzufügen von Texturen zu unserem Subtool-Pinsel fertig. Sie können das auch mit anderen Pinseln ausprobieren. Im Bild unten sehen Sie die Anwendung des neu erstellten Subtool-Pinsels.

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Wenn Sie weitere Studien darüber wünschen, wie Sie Ihrem Pinsel Struktur verleihen, können Sie andere großartige Artikel von anderen Künstlern wie mir auf der CSP-Tipp-Site ausprobieren, aber unten sind einige Links.

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Jetzt,

 

 

• Zum Hinzufügen von Textureffekten zur Ebene,

Wir müssen zunächst nur das Bild haben, dem wir die Textur hinzufügen möchten, und zwar auf einer Ebene. Für das heutige Tutorial werde ich das Bild mit dem Streichholz verwenden, das Farbe verbrennt.

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Klicken Sie nun in der CSP-Leinwand auf das Symbol [Material], das sich in der Palettenleiste links neben der angegebenen CSP-Standardfenstereinstellung (1) befindet, klicken Sie auf die angegebenen [monochromatische Texturen] (2) und ziehen Sie dann den Textureffekt auf die angegebene Leinwand (4). Für dieses Tutorial verwende ich das angegebene [Kunstholz] (3), um dem Streichholz ein holzähnliches Aussehen zu verleihen.

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HINWEIS

Wie im Bild unten, wurde auf dem mit [Ebene] (1) gekennzeichneten Dashboard eine Bildebene für den hinzugefügten monochromatischen Textureffekt (2) erstellt, und mit der hinzugefügten Textur hebt sich das bemalte Streichholz einzigartiger ab.

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Das endgültige Aussehen des Streichholzes nach dem Hinzufügen von Textureffekten.

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Wenn das oben genannte erledigt ist,

vi. Form und Grundfarben definieren

Das Erste, was ich auf meinem [Wacom Stylus Pen-Bild] mache, um die verschiedenen Motive und Objekte in der Szene zu definieren, ist, die Grundfarben des gesamten Kunstwerks frei hinzuzufügen, indem ich eine grobe Farbdarstellung verwende, aber die verschiedenen erforderlichen Farben dort platziere, wo sie sein sollen, und mir auch keine Gedanken darüber mache, wie es in diesem Moment aussieht. Im Allgemeinen lege ich einfach fest, wo die verschiedenen vorgesehenen Farben platziert werden sollen, und belasse es dabei, um es einfach zu halten.

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Wenn wir uns nun dem Aspekt der Definition und Formgebung der Figur im Bild zuwenden, erscheinen Schattenbereiche, Halbtonbereiche und Lichtbereiche, wie im Bild unten gezeigt.

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Um nun zu verstehen, wie die obige Phase oder der Aspekt des Bildes [Wacom Stylus Pen] zusammenkommt oder gemalt wird, um das zu werden, was Sie oben sehen, müssen wir auch ein anderes Konzept berücksichtigen, das heißt,

Werte und Form

Als [angehender Künstler] sollten Sie Form und Wert nicht verwechseln. Beachten Sie bitte, dass es sich um zwei verschiedene Konzepte handelt.

Die Form erzeugt die Illusion der Figur durch Licht, Halbtöne, Schatten und sogar Umgebungseffekte.

 

Der Wert hingegen verwendet, wie bereits erwähnt, Farben (Farbtöne) und definiert seine Figur durch die Verwendung von Kontrastfarbbereichen.

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Der Wert ist eines der Elemente der Kunst, das bestimmt, wie hell oder dunkel eine Farbe erscheint. Egal, ob Sie mit Acrylfarben, Wasserfarben, Pastellfarben oder Graphit arbeiten, eine grundlegende Tonwertänderung im Wert einer Farbe kann Lichtquelle, Brennpunkt und Tiefe vermitteln.

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oder es kann sogar die Tiefe und sogar die Entfernung eines Objekts durch die Verwendung dunkler oder verblassender gräulicher Farben definieren,

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Im Laufe der Jahre habe ich herausgefunden, dass man Licht und Schatten am einfachsten lernt, wenn man ein einzelnes, hartes Licht verwendet. Das kann die Sonne sein, Licht durch ein Fenster oder künstliches Licht.

 

 

Wenn ich eine meiner Skizzen zu einer ausgefeilteren Zeichnung ausarbeite, gehe ich bewusster an die Beleuchtung, Komposition und Gestaltung des Werks heran, wobei ich entweder einen, zwei oder drei Werte verwende, um mein Objekt oder meine Figur zu definieren.

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Ein hartes Licht zeigt deutlich jeden einzelnen Bereich, auf den man achten muss, und übertreibt den breitesten Tonumfang. Für Anfänger ist es die einfachste Möglichkeit, den Unterschied zwischen den Tönen zu erkennen.

 

Ich rate daher Anfängern, die gerade erst mit der Verwendung von Werten beginnen, sich einzelne Beleuchtungsaufbauten anzusehen, die die Formtheorie auf einer Kugel demonstrieren.

 

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Wenn Sie einfache Formprinzipien lernen, können Sie die Grundformen erkennen, aus denen die gesamte Natur besteht: Kegel, Würfel, Zylinder und Kugel.

 

Die Prinzipien, die wir uns bei der Kugel ansehen, können auf die Krümmung eines Stabs oder die Fülle einer Teekanne oder Vase angewendet werden.

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Dann kannst du nun alles Gelernte in die Praxis umsetzen und einen Apfel zeichnen und malen.

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Oder Früchte im Allgemeinen, nächste Woche mit Farben. Unten ist das fertige Apfel-Ölgemälde.

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um Ihre Kräfte und Ihr Wissen zu testen.

Nun zum Tutorial Ölgemälde Arbeit [Wacom Stylus Pen] Bild.

 

Mit den Werten jetzt gut aus,

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Ich gehe zum nächsten Konzept über,

Blockieren und Verfeinern

In diesem Zusammenhang müssen wir eine neue Ebene über der Ebene mit der groben Skizze erstellen und dann beginnen wir, die sichtbaren Skizzenlinien auszublenden, indem wir die Grundfarben des Motivs hinzufügen.

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Nachdem wir die groben Skizzenlinien festgelegt haben, können wir nun mit der Verfeinerung des Bildes fortfahren, indem wir kleine Details hinzufügen, wie zum Beispiel im Bild unten das rote Dreieck, das blaue Quadrat und den gelben Kreis auf dem Stylus Pen oder den Verblassungseffekt auf dem Tablet und vieles mehr, wie unten mit den roten Pfeilen gekennzeichnet.

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Als Nächstes können wir zum Abschluss eine monochromatische Textur (einen schwarz-weißen Textureffekt) zum Bild hinzufügen, indem wir die Nummerierungsschritte unten befolgen.

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Und damit ist das Stück fertig.

 

Hier unten sehen Sie das fertige Aussehen.

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Abschließend (Übung – Übung)

Wie alle großen Künstler wissen, macht das Üben eines Konzepts den Meister. Ich sage Ihnen also, dass Sie ohne richtige Ölmalerei-Übung anhand der oben erläuterten Richtlinien immer Schwierigkeiten mit der Ölmalerei haben werden, aber mit stetiger Übung werden Sie nach und nach gut darin werden. Sie können auch andere Artikel von anderen Illustratoren auf der CSP-Tipps-Site lesen. Und jetzt werde ich mich abmelden, bis bald.