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Willkommen zusammen,

 

Zu einer weiteren Tutorial-Illustration mit mir, Daniel (Ado draw). Im heutigen Tutorial-Artikel möchte ich mit Ihnen in das Konzept der Komposition eintauchen, und zwar nicht nur für zwei Charaktere, sondern für mehrere Gruppen von Charakteren und Objekten in einer Szene.

 

Und der heutige Artikel trägt den Titel:

Lernen Sie, wie Sie Ihre Charaktere kompositorisch anordnen.

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Komposition wurde im Laufe der Jahre von vielen Künstlern diskutiert, und auch ihre Ansätze, ein gutes Gruppierungsergebnis zu erzielen, wurden betrachtet. Aber wie wir wissen, ist es nie genug, wir müssen uns weitere Elemente ansehen und kreativere Wege finden, um die Komposition anzugehen, die jungen Künstlern oft Schwierigkeiten bereitet. Daher werde ich auch mein eigenes Wissen dazu im heutigen Tutorial-Artikel teilen.

 

 

Bevor wir uns in das spezielle Konzept der KOMPOSITION stürzen, müssen wir verstehen, worum es bei dem Konzept geht und wie wir das Konzept der Komposition mehrerer Objekt- oder Zeichengruppen angehen können.

Nun,

◾Was verstehen wir als Künstler unter dem Begriff Komposition [?]

Komposition in der Kunstwelt ist ein Begriff, bei dem verschiedene Elemente eines Kunstwerks kombiniert oder angeordnet werden, was bedeutet, dass Objekte auf definierte und einzigartige Weise gute Beziehungen zueinander aufbauen, die Bedeutung verleihen oder sich auf etwas anderes beziehen.

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Der Künstler hat bei der Wahl der Kompositionsmethode seines Kunstwerks völlige Freiheit. Elemente können alle in der Mitte der Leinwand oder des Fotos gebündelt oder in den Ecken des Werks verteilt sein.

 

 

◾Benennt die gemeinsamen Elemente, die eine Komposition ausmachen

Als Künstler sollten Sie wissen, dass die Komposition mit Elementen in einer Szene zu tun hat und Elemente in einer Szene in drei Abschnitte oder Aspekte unterteilt sind (der Hintergrund, der Mittelgrund und der Vordergrund).

Betrachten Sie zum Beispiel das Bild unten, das alle verschiedenen Motive auf den drei verschiedenen Elementen der Szene zeigt, die die folgenden Merkmale aufweisen;

~ Für den Hintergrund,

Wir sehen die Wolkenkratzer der Stadt in weiter Ferne, denen eine flache blaue Farbe ohne Linienzeichnung gegeben wurde, um den Fokus von den verschiedenen Elementen zu reduzieren, da sie nicht der Mittelpunkt des Interesses sind.

 

~ Während für den Mittelgrund,

Wir sehen den Strommast und ein Flugzeug, aber um diesen Teil näher an den möglichen Fokuspunkt zu rücken, habe ich die Linienzeichnung hinzugefügt.

 

~ Und zuletzt für den Vordergrund,

Der Fokuspunkt sind zwei Charaktere in der Szene, denn hier möchten wir, dass die Betrachter sich konzentrieren. Ich habe die Charaktere größer und kräftiger gemacht.

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Eine weitere Sache, die sehr wichtig ist, aber die wir als Künstler oft vernachlässigen, wenn wir eine Illustration erstellen wollen, ist die WAHL DES FORMATS.

◾ Treffen Sie eine Formatwahl, aus einem Rechteck oder Quadrat.

Dieser Aspekt ist sehr entscheidend und manchmal anspruchsvoll, da verschiedene Formate unterschiedliche Geschichten erzählen oder beinhalten, zum Beispiel;

 

 

~ Das rechteckige Format:

Dies ist ein absoluter Klassiker und ein äußerst flexibles Format. In dem Sinne, dass,

Wenn ein Rechteck mit seiner kürzeren Seite oben angezeigt wird, spricht man von „Hochformat“, und mit seiner längeren Seite oben von „Querformat“.

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~Das quadratische Format:

Dies kann extrem gut oder sehr schlecht funktionieren. Man sieht sehr selten eine Verwendung des Quadrats in Illustrationen. Das liegt daran, dass es schwieriger ist, eine Szene mit vielen Elementen auszugleichen,

 

Nehmen wir zum Beispiel,

Eine Ansammlung von Figuren in einer Landschaft innerhalb eines quadratischen Formats. Es kann sehr leicht unbeholfen aussehen. Die Verwendung eines quadratischen Formats für ein zeitgenössischeres Thema, ein abstraktes oder ein minimalistisches Seestück, kann jedoch sehr effektiv sein.

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Die verschiedenen Arten von Elementen in einer Szene zu kennen, ist der einfache Teil des Kompositionsprozesses. Sie sind unterhaltsam, aber schwierig. Schwierig ist es jedoch, die verschiedenen Wege oder Regeln zu kennen, wie man sie nennen mag, nach denen die verschiedenen Elemente in einer Szene sich ergänzen oder zueinander in Beziehung stehen, was als KOMPOSITIONSTYPEN bekannt ist.

 

 

◾ Kompositionstypen

Die verschiedenen Elemente (Hintergrund, Mittelgrund und Vordergrund) spielen eine einzigartige Rolle, in der Objekte und Charaktere miteinander interagieren, um auf ihre jeweils einzigartige Weise verschiedene Geschichten zu erzählen, was als KOMPOSITIONSTYPEN bekannt ist.

 

 

Hier sind einige gängige Kompositionstypen in der Kunst, die Künstler wie ich am häufigsten zum Gruppieren von Objekten und Charakteren verwenden;

• Radial: Elemente sind um einen Mittelpunkt herum angeordnet, wodurch ein Gefühl von Bewegung oder Fokus entsteht.

 

• Drittelregel: Das Kunstwerk wird in neun gleiche Abschnitte unterteilt, wobei wichtige Elemente an den Schnittpunkten dieser Linien platziert werden.

 

• Goldener Schnitt: Ein mathematisches Verhältnis, das ein angenehmes visuelles Gleichgewicht erzeugt und oft bei der Platzierung von Elementen verwendet wird.

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• Diagonal: Linien, die ein Gefühl von Bewegung und Energie erzeugen. (Horizontal) Linien, die ein Gefühl von Stabilität und Ruhe erzeugen. (Vertikal) Linien, die ein Gefühl von Höhe und Erhabenheit erzeugen.

 

• Überlappung: Elemente, die übereinander platziert werden, um Tiefe und visuelles Interesse zu erzeugen.

 

• Negativraum: Die leeren Bereiche um das Hauptmotiv, die genauso wichtig sein können wie das Motiv selbst.

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Diese oben genannten verschiedenen Kompositionstypen mögen für Anfänger beiläufig klingen, aber bitte nehmen Sie sie nicht so hin, denn sie sind in der Illustration sehr wichtig, wenn Sie möchten, dass Ihre Charaktere, Objekte und Umgebungen beim Betrachter eine einzigartige oder nostalgische Wirkung erzielen. Daher rate ich Ihnen dringend, diese verschiedenen Aspekte sorgfältig zu üben, und danach können Sie versuchen, die anderen Kompositionstypen zu erlernen.

 

Damit kommen wir zu einem weiteren Aspekt, den POSEN.

◾ Charakterpose

Die Pose eines Charakters kann auch eine sehr wichtige Rolle spielen, wenn Charaktere gruppiert werden, wie zum Beispiel die unten gezeigten Posen der drei 3D-Modellfiguren, die ich später in drei Spionagecharaktere verwandelt habe.

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Wenn Sie als Neuling bei der Verwendung von CLIP STUDIO PAINT (CSP) Schwierigkeiten haben, einzelne oder Gruppen von Charakteren mit ihren eigenen einzigartigen ausdrucksstarken und dynamischen Posen zu erstellen, rate ich Ihnen, die 3D-Modellfigur zu verwenden. Sie bietet große Vorteile, insbesondere für Anfänger, und hilft ihnen, mit der Erstellung von Charaktergruppen mit schönen ausdrucksstarken Posen zu beginnen.

Und wir können auch ganz einfach verschiedene Posen-Sets aus den neu hinzugefügten Funktionen erhalten,

• Posemaniac

• und Kamerascan.

1. So erhalten Sie eine Pose aus der Posemaniac-Funktion

Beginnen Sie, indem Sie auf [Fenster] klicken. Ein kleines Dashboard wird angezeigt, und wenn Sie nach unten scrollen, sehen Sie die Auswahl [Material]; klicken Sie auf die Auswahl [Material].

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Das Mini-Dashboard [Material] wird angezeigt. Wählen Sie im Dashboard das [3D-Modell] aus und ziehen Sie die [3D-Zeichenfigur Version 2] auf die Leinwand. Dadurch wird sie auf die Leinwand importiert, wie wir die 3D-Modellebene im [Ebenen]-Dashboard auf der rechten Seite sehen können.

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Nachdem das 3D-Modell nun auf die Leinwand importiert wurde, kann man ihm eine dynamische Pose geben. Klicken Sie dazu auf das Symbol mit den (Pfeilen, die in entgegengesetzte Richtungen zeigen). Ein kleines Dashboard mit verschiedenen Optionen wird angezeigt. Klicken Sie auf [3D-Pose (Posemaniac)] und SCHALTEN Sie vor dem Klicken auf diese Option Ihr Netzwerk EIN,

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Denn wenn [3D-Pose (Posemaniac)] ausgewählt ist, werden wir zur (Posemaniac)-Website weitergeleitet. Dort müssen wir uns anmelden, um Neuigkeiten über aktualisierte Posen zu erhalten, und wir werden auch mehrere verschiedene Posen sehen, die man verwenden kann. Aber ich möchte einen Charakter mit einer einzigartigen Poseposition, um das zu bekommen, was ich möchte, muss ich es spezifizieren und dazu zuerst auf [Pfeilbalken, die in entgegengesetzte Richtungen zeigen] klicken,

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ein Mini-Dashboard mit verschiedenen Optionen wird angezeigt, dann wähle ich eine Option aus, in diesem Fall möchte ich einen Charakter mit einer Zeigepose, klicken Sie auf [Zeigen],

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Die [Zeigen]-Seite, auf der alle Charaktere auf ihre verschiedenen Arten zeigen, wird dann angezeigt. Ich wähle dann eine der Posen aus, die mir ins Auge fiel.

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Wenn die Pose ausgewählt ist, werden wir auf eine andere Seite weitergeleitet. Klicken Sie nun auf die Schaltfläche [Öffnen] unten,

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Ein Mini-Dashboard wird angezeigt, klicken Sie erneut auf die Schaltfläche [Öffnen] mit dem CLIP STUDIO PAINT-Logo,

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Wir werden dann zur CLIP STUDIO PAINT-Software weitergeleitet, wobei die Pose automatisch in die vorherige [3D-Zeichenfigur Version 2] importiert wird. Mit dem [Objekt]-Unterwerkzeug können wir das 3D-Modell in die gewünschte Position verschieben, wie unten gezeigt,

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Als Nächstes,

2. Importieren aus dem 3D-Modell (Materialkasten)

Öffnen Sie das Mini-Dashboard [Material]. Im Dashboard wählen Sie das [3D-Modell] aus und ziehen die [3D-Zeichenfigur Version 2] auf die Leinwand. Dadurch wird sie auf die Leinwand importiert, wie wir die 3D-Modellebene im [Ebenen]-Dashboard auf der rechten Seite sehen können.

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Und Sie können die Pose ganz einfach mit den verschiedenen verfügbaren 3D-Modellen ändern, indem Sie auf das Symbol [3D-Posenmaterial verwenden] in der Leiste unter der 3D-Figur klicken. Ein Mini-Dashboard wird angezeigt, wählen Sie die gewünschte Pose aus und klicken Sie dann auf [Ok], um diese Pose auf Ihre importierte [3D-Zeichenfigur] zu übertragen.

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Und nachdem die zweite Charakterpose gefunden war, machte ich mich an die dritte.

2. So erhalten Sie eine Pose aus der Kamerascan-Funktion

Ich importiere einen weiteren Charakter [die weibliche 3D-Zeichenfigur Version 2] und platziere ihn auf der rechten Seite,

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Ich klicke dann auf das Symbol mit den (Pfeilen, die in entgegengesetzte Richtungen zeigen). Ein kleines Dashboard mit verschiedenen Optionen wird angezeigt. Klicken Sie auf [Posenscanner (Fotobibliothek)] ,

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Danach erscheint ein Mini-Dashboard meiner Galerie, und ich kann dann das Bild mit der Pose auswählen, deren Pose ich importieren möchte.

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Und damit wird die Pose dann auf die [die weibliche 3D-Zeichenfigur Version 2] importiert,

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Damit ich die verschiedenen Posen zeichnen kann, ohne dass der dicke Kontrast der 3D-Modellfigur mich einschränkt, reduziere ich dann die [Deckkraft] der 3D-Modellebene auf 25 %, wie auf der rechten Seite des Bildes unten gezeigt.

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Danach erstelle ich verschiedene Ebenen, zeichne die Form der verschiedenen Charakterposen und füge ihnen eine graue Grundfarbe hinzu.

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Und damit können wir nun die Einzigartigkeit und Vielfalt der Charaktere zum Leben erwecken.

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Dann schließe ich dieses Stück ab, indem ich jedem von ihnen die Haare hinzufüge und ihnen ihren individuellen und Gruppennamen gebe.

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Weitere Informationen zu Posen finden Sie unter den folgenden Links 🔗 🔗.

Und wie Sie das 3D-Modell weiter nutzen können, erfahren Sie unter den folgenden Links 🔗🔗.

 

 

◾ Einfache Regeln, die ich verwende, wenn ich Charaktere oder Objekte in einer Gruppe erstelle

Um die Regeln zu erklären, die ich verwende, werde ich Kugel-, Würfel- und Prismenobjekte verwenden,

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Um zu zeigen, was wir Künstler tun und vermeiden sollten, wenn wir Objekte in Gruppen erstellen.

 

 

1. Machen Sie Ihre Gruppierung interessant

Um Ihre Gruppierungen in der digitalen Kunst interessant zu gestalten, sollten Sie verschiedene Größen und Formen von Elementen verwenden. Variieren Sie den Abstand zwischen ihnen, um einen visuellen Rhythmus zu erzeugen. Spielen Sie mit der Positionierung der verschiedenen Objekte und lassen Sie eine Einheit in der Anordnung der Objekte entstehen, um Tiefe und Kontrast hinzuzufügen. Sie können auch Überlappungen verwenden, um ein Gefühl von Bewegung und Tiefe zu erzeugen.

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2. Vermeiden Sie große leere Räume

Dies bedeutet nicht Symmetrie. Es bedeutet, negativen und positiven Raum, Licht und Dunkelheit usw. so auszugleichen, dass das Auge sich wohlfühlt. Es geht darum sicherzustellen, dass die Anordnung visuell nicht zu stark auf einer Seite oder der anderen gewichtet ist. Wenn Sie unsicher sind, kneifen Sie die Augen zusammen, um die Anordnung zu betrachten, und es wird Ihnen helfen, sie etwas leichter zu erkennen.

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3. Erstellen Sie ein Stück, das die Augen zieht oder bewegt

Das Isolieren eines Objekts aus einer Gruppe lenkt sofort die Aufmerksamkeit auf dieses Objekt, über den Rest der Gruppe hinaus. Verleihen Sie Ihren Objekten eine Wendung. Die Komposition wird viel ansprechender sein, wenn nicht alle Objekte wie Entenküken in einer Reihe stehen.

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4. Es sollte eine gute Überlappung geben

Das leichte Überlappen Ihrer Elemente erzeugt interessante Formen und Ebenen. Es verbindet Ihre Elemente mit dem Rest der Gruppierung und schafft, wenn Sie so wollen, eine Beziehung zwischen den Elementen.

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5. Vermeiden Sie einen schlechten Bildausschnitt

Beim Anordnen von Objekten oder Charakteren in einer Szene kann man einen schlechten Bildausschnitt vermeiden, indem man auf die Komposition achtet. Stellen Sie sicher, dass das Motiv zentriert oder ausgewogen im Rahmen platziert ist. Vermeiden Sie es, die Hauptglieder oder wichtigen Merkmale des Motivs abzuschneiden, die das Motiv zu dem machen, was es ist,

(Wie zum Beispiel, sehen Sie sich den Würfel in den beiden folgenden Bildern an. Auf der linken Seite werden wir feststellen, dass der Hauptteil des Würfels, der ihn definierte, bedeckt war, was wir als Künstler vermeiden müssen. Während im rechten Bild der Würfel leicht beschnitten wurde, wobei der wesentliche Teil, der ihn zu einem Würfel macht, erhalten blieb).

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Lassen Sie etwas Freiraum um das Motiv herum, um eine ansprechendere Optik zu erzielen.

 

 

6. Erstellen Sie einen zentralen Brennpunkt (Betonung oder Dominanz)

Dies ist vielleicht das wichtigste Prinzip. Hier geht der Blick des Betrachters zuerst hin! Es ist am besten, immer nach bereits vorhandener Betonung in Ihrem eigenen Thema zu suchen – und wenn sie vorhanden ist, diese zu übertreiben und unbedingt zu nutzen. Wenn kein dominanter Brennpunkt auf natürliche Weise existiert, dann lassen Sie ein Element zum Brennpunkt werden, indem Sie entweder den Wert in Ihrem Stück, die Farbe, den Kontrast, den Detailgrad oder die Positionierung manipulieren. Merken Sie sich diesen Tipp: Haben Sie einen Brennpunkt und machen Sie ihn interessant!

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◾ Aspekte, die einer Komposition Definition verleihen, sei es für Gruppen- oder Einzelillustrationen

Im Laufe der Jahre als CSP-Benutzer habe ich einige SCHLÜSSELPRINZIPIEN oder, wie ich sie nenne, KERNPRINZIPIEN gelernt, die mir sehr geholfen haben, die Illustration mehrerer Charaktergruppen oder Objektgruppen einfacher und interessanter zu gestalten, und ich glaube, dass dieser kleine Tutorial-Artikel jungen Anfängern oder Neulingen in dieser Welt helfen kann, ihre Gruppierungsfähigkeiten zu verbessern.

Hinweis:

Die verschiedenen Konzepte, die ich in Kürze illustrieren werde, stammen größtenteils aus dem Lesen und Beobachten anderer großer Künstler, von denen sich die meisten auf Dinge beziehen, die Ihnen vielleicht schon begegnet sind oder von denen Sie schon gehört haben.

Kp 1: Winkel! Blickwinkel des Publikums

Der Winkel, den Sie in Ihrer digitalen Kunstkomposition wählen, kann stark beeinflussen, wie Ihr Publikum das Werk wahrnimmt.

Der Winkel, aus dem der Betrachter das Motiv sieht, kann psychologische Effekte erzeugen. Zum Beispiel,

Zum Beispiel kann ein TIEFER WINKEL das Motiv mächtig erscheinen lassen,

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Während ein HOHER WINKEL sie verwundbar erscheinen lassen kann.

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Kp 2: Eine Komposition handelt von Vielfalt, „machen Sie nicht zwei Dinge gleich“

Abwechslung ist die Würze des Lebens, sagt man, es geht darum, die Symphonie der Vielfalt aufzubauen. Und in der Kunst ist es die Symphonie, die uns fesselt. Die Regel „mache nicht zwei Dinge gleich“ ist nicht nur eine Regel, sondern ein Leitprinzip. Es geht um Kontrast, Textur und Bewegung.

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Vielfalt bedeutet nicht nur, Wiederholungen zu vermeiden, sondern Harmonie durch Kontrast zu schaffen. Es geht darum, das perfekte Gleichgewicht zwischen dem Vertrauten und dem Unerwarteten, dem Einfachen und dem Komplexen zu finden. Es geht darum, eine Geschichte so zu erzählen, dass sie fesselt und inspiriert.

Mit dem oben Gesagten kommen wir zum nächsten Prinzip.

Kp 3: Die „Drittelregel“ kann der Schlüssel zur Schaffung von Gleichgewicht in der Landschaftsmalerei sein

Die Drittelregel ist eine großartige Methode, um Balance in Landschaftsgemälden zu schaffen. Sie schlägt vor, Ihre Leinwand durch das Zeichnen von zwei horizontalen und zwei vertikalen Linien in neun gleiche Abschnitte zu unterteilen. Das Platzieren wichtiger Elemente Ihrer Landschaft entlang dieser Linien oder an deren Schnittpunkten kann eine visuell ansprechendere und ausgewogenere Komposition erzeugen.

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Platziert man einen Aspekt der Szene leicht auf den oberen horizontalen Linien, ausgerichtet an der Drittelregel, erzählt dies dem Betrachter eine Geschichte,

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Wenn derselbe Aspekt der Szene hingegen leicht unter den zweiten horizontalen Linien platziert wird, ausgerichtet an der Drittelregel, erzählt dies dem Betrachter eine völlig andere Geschichte als die erste, und diese Vielfalt macht die Landschaftsszene visuell sehr viel interessanter,

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Als Nächstes.

 

 

Kp 4: Stellen Sie sicher, dass die Abstände und Lücken zwischen Objekten alle unterschiedlich sind.

Es ist eine großartige Möglichkeit, Ihrer Landschaft visuelles Interesse und Tiefe zu verleihen! Indem Sie sicherstellen, dass die Formen, Räume und Lücken zwischen Objekten alle unterschiedlich sind, schaffen Sie ein Gefühl von dynamischer Energie und visuellem Rhythmus.

Nehmen Sie zum Beispiel:

Das untenstehende Bild mit Bäumen, Felsen und anderen Elementen in unterschiedlichen Größen, um ein Gefühl von Maßstab und Tiefe zu erzeugen.

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Verwenden Sie Negativraum (die leeren Bereiche um Ihre Objekte), um Kontrast zu erzeugen und den Blick des Betrachters zu lenken.

Spielen Sie mit den Formen der Wolken, den Kurven des Flusses und den gezackten Kanten der Berge, um visuelles Interesse hinzuzufügen.

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Indem Sie diese Variationen aufgreifen, schaffen Sie ein Landschaftsgemälde, das lebendig und voller Leben wirkt.

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Kp 5: Der Einsatz von Höhe, um die verschiedenen Charaktere in einer Gruppenillustration hervorzuheben

Höhe ist ein mächtiges Werkzeug in der Illustration! Durch strategische Variation der Körpergröße Ihrer Charaktere können Sie eine dynamische und visuell ansprechende Gruppe erstellen.

Nun hilft die Höhe einer Kunstillustration, Folgendes aufzubauen:

 

Hierarchie:

Platzieren Sie den größten Charakter in der Mitte, um ihn als Anführer oder wichtigste Figur zu etablieren.

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Wenn wir eine Gruppe von Charakteren erstellen, ist es sehr ratsam, eine Mischung aus großen und kleinen Charakteren zu verwenden, um visuellen Kontrast zu erzeugen und ihre Unterschiede hervorzuheben.

Perspektive:

Verwenden Sie erzwungene Perspektive, um einen Charakter überlebensgroß erscheinen zu lassen und ein Gefühl von Macht oder Dominanz hinzuzufügen.

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Geschichtenerzählen:

Die Größe eines Charakters kann seine Persönlichkeit offenbaren. Eine überragende Figur könnte stark und selbstbewusst sein, während ein kleinerer Charakter schüchterner oder verletzlicher sein könnte.

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Anime-Serie: Attack on Titan,

So cool

Denken Sie daran, Höhe ist mehr als nur körperliche Statur; es ist ein Werkzeug, um eine visuelle Geschichte zu erzählen und ein Gefühl von Tiefe und Beziehung in Ihrer Illustration zu schaffen.

 

 

Kp 6: Hervorhebung für den Fokus

Hervorhebung ist eine subtile Betonung. Ziel ist es, den Blick des Betrachters zu lenken, ohne dass sich die Komposition erzwungen oder unnatürlich anfühlt.

 

 

◾ Hinzufügen eines Weichzeichner-Effekts

 

 

Das Hinzufügen von Weichzeichnung zu Ihrer digitalen Kunst kann dazu beitragen, Ihr Motiv hervorzuheben und ein Gefühl von Tiefe zu erzeugen. Sie können Weichzeichnung verwenden, um einen sanften Glüheffekt oder einen verschwommenen Effekt zu erzeugen. Es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, Ihrer digitalen Kunst Weichzeichnung hinzuzufügen, einschließlich der Verwendung von Filtern in Software wie CLIP STUDIO PAINT oder PHOTOSHOP und anderen.

Um den Weichzeichner-Effekt auf Ihre Illustration in CLIP STUDIO PAINT [CSP] anzuwenden,

 

Beginnen Sie mit dem Importieren der Illustration, verwenden Sie das [Auswahl-Unterwerkzeug], um den Bereich auszuwählen, den der Weichzeichner-Effekt nicht beeinflussen soll, und klicken Sie dann auf die Schaltfläche „Invertieren“ in der unteren Leiste unter dem ausgewählten Bereich,

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Klicken Sie anschließend auf [Filter]>[Weichzeichnen]>[Radialer Weichzeichner],

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Ein kleines Dashboard mit einigen Einstellungsoptionen wird angezeigt. Für meine Illustration habe ich die verschiedenen Einstellungen wie folgt angepasst;

 

• Stärke auf 2,00 %,

• Richtung auf [beide Richtungen]

• Form auf 1,00 %,

• Neigung auf 0,00 % und ich klicke dann auf [OK].

 

Sie können diese verschiedenen Einstellungen jedoch frei anpassen, um den Weichzeichner-Effekt auf Ihre Illustration so anzuwenden, wie Sie es wünschen.

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Und damit können wir nun sehen, wie der Weichzeichner-Effekt die Aufmerksamkeit des Blicks auf das Hauptmotiv lenkt, nämlich die weibliche Figur in der Illustration unten.

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◾ Hinzufügen eines Verblassungs-Effekts

Das Ausblenden von Elementen um Ihren Brennpunkt lenkt die Aufmerksamkeit darauf. Diese Technik ist nützlich, um wichtige Details hervorzuheben oder ein Gefühl von Geheimnis zu erzeugen.

Nehmen wir zum Beispiel die untenstehenden Charaktere. Ich habe den Verblassungs-Effekt verwendet, um zu zeigen, dass die ersten beiden Charaktere vorne im Vordergrund sind, während die beiden hinten im Hintergrund sind.

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Die Art und Weise, wie Sie Elemente ausblenden, kann die Gesamtstimmung und Emotion des Werks beeinflussen. Ein sanftes, allmähliches Ausblenden kann ein Gefühl der Ruhe hervorrufen, während ein abrupteres Ausblenden Spannung oder Drama erzeugen kann.

Experimentieren Sie mit verschiedenen Ausblendtechniken und beobachten Sie, wie sie die Gesamtwirkung Ihrer digitalen Kunst beeinflussen.

◾Größe:

Das größte Objekt zieht oft die meiste Aufmerksamkeit auf sich. Die Hervorhebung oder das Zentrieren eines bestimmten Motivs könnte bedeuten, das Fokuselement etwas größer als die anderen zu machen.

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◾ Hinzufügen von Dicke zu den Begrenzungslinien der Fokussierung von Objekten

Der Fokus kann auch auf das Objekt gelenkt werden, auf das unsere Betrachter sich konzentrieren sollen, indem man die äußere Linienzeichnung dicker als die anderen macht.

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◾Führende Linien:

Andere Objekte oder Elemente im Bild können subtil auf das Fokuselement „zeigen“.

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Nun zum letzten, aber nicht unwichtigsten Faktor, der all das oben Erklärte regiert, nämlich die PRAXIS.

 

 

Kp 6: Üben..üben... üben

Ich habe einmal in einem Buch gelesen, und ich zitiere:

„Um in manchen Dingen besser zu werden, tue diese Sache immer und immer wieder, und es wird zur Gewohnheit, du wirst dich nicht mehr darüber stressen müssen.“

 

 

ABMELDUNG

Vielen Dank an alle, die diesen Tutorial-Artikel durchgelesen haben, und ein großes Dankeschön an alle, die meinen Fortschritt im Laufe der Jahre verfolgt haben 😁🤙. Ich freue mich sehr darüber und bin immer froh, von Ihnen zu hören. Ich hoffe, dieser Artikel hilft jungen Menschen, ihren Kunststil zu verbessern. Wenn Sie wie ich in der Vergangenheit immer etwas über Kunst lernen wollten, aber nicht die Mittel dazu hatten, verabschiede ich mich jetzt von allen. Bis zum nächsten Mal.