NOTE RAPIDE

Certains de mes dessins ici sont liés à l'horreur mais rien de trop graphique.

INTRODUCTION

Étant un artiste autodidacte, une grande partie de mon processus d'apprentissage est venue de nombreux tutoriels d'artistes incroyables qui ont partagé leurs propres astuces et techniques en ligne. Ainsi, afin de ne pas répéter tous les conseils qui ont déjà été enseignés et développés bien mieux que je ne pourrais jamais le faire, je partagerai les 3 choses dont j'essaie toujours de me souvenir pour créer des « Poses Dynamiques », les rendant fonctionnelles quel que soit le style ou la pose que vous utilisez.

 

PARTIE I. PERSONNAGE

L'un des problèmes que je vois les gens rencontrer dans les poses dynamiques est de maintenir l'essence même d'un personnage. Soit vous mettez en valeur le design du personnage, sacrifiant une pose géniale, soit l'inverse. Voici les 3 choses qui m'aident à maintenir la personnalité de mes personnages lorsque je les pose.

 

1. CLÉS DE COHÉRENCE

Je suis sûr qu'il existe un terme réel pour cela, mais « Clés de Cohérence » est celui que j'utilise pour l'instant. Il s'agit de trouver les parties spécifiques de votre personnage qui le rendent instantanément reconnaissable. Vous le voyez tout le temps chez les personnages les plus emblématiques de l'histoire, mais pour des raisons de droits d'auteur, je ne les montrerai pas ALORS, voici plutôt mes propres personnages.

 

Voici Merry, et c'est un personnage original que j'ai depuis 2017. À l'époque où je l'ai créée pour la première fois, il n'y avait pas beaucoup de réflexion sur une quelconque intrigue – juste sa personnalité. Et bien que je frissonne en repensant à mes premières versions d'elle, vous pouviez clairement encore trouver une cohérence entre toutes ces poses. J'ai fait cela en me concentrant sur plusieurs choses : son haut-de-forme, ses vêtements et ses cheveux en spirale.

 

Toutes ces petites choses s'ajoutent à une silhouette agréable et reconnaissable, ce qui est la première chose à garder à l'esprit pour la conception de personnages. CE QU'IL NE FAUT PAS FAIRE est de privilégier le détail sur la silhouette, comme ce vieux dessin que j'ai fait en 2010.

 

CE QU'IL NE FAUT PAS FAIRE : Le Détail avant la Silhouette

MAIS cela ne veut pas dire que le détail est mauvais. Si l'accent mis sur les détails fait partie de votre style, alors, à tout prix, mettez-y l'accent. En fait, ce dessin a été inspiré par l'un de mes artistes préférés de mon enfance, hellobaby. Leur travail est rempli de détails, mais cela n'enlève jamais rien à la silhouette réelle du sujet de l'œuvre. Ce vieux dessin était ma tentative d'imiter leur style, mais à l'époque je ne comprenais pas le poids et l'économie des lignes autant que maintenant, de sorte que les détails que j'utilisais sont devenus du bruit, et bien que vous puissiez techniquement voir une silhouette reconnaissable, je pense que cela aurait pu être mieux fait.

 

EXERCICE RAPIDE : Clés de Cohérence

Il est également préférable d'apprendre à pratiquer cela avec de vraies personnes, alors en utilisant ces photos de votre serviteur, quelles formes pourriez-vous immédiatement identifier comme les Clés de Cohérence ? (veuillez excuser les couvertures de livres floues. Il faut être en bons termes avec les dieux du droit d'auteur lmao)

Au premier coup d'œil, vous avez les cheveux ondulés, les manches bouffantes et les jambes élancées. Dessinez ces 3 choses, même en les exagérant pour la stylisation si vous le souhaitez, et elles seront sûrement reconnaissables !

2. CONSTRUCTION

Ensuite, vous voudrez acquérir vos connaissances fondamentales sur le dessin d'objets 3D, car une grande partie de la construction de personnages consiste simplement à comprendre comment fonctionnent les formes 3D de base.

 

Dans notre exemple ici, ceci est un an après ma première création de Merry. J'avais été occupée par le travail mais à ce moment-là, j'ai saisi l'occasion de me lancer dans l'apprentissage de l'anatomie ET de la stylisation.

 

Comme ce devait être mon premier vrai dessin d'elle un an plus tard, je voulais en fait trouver son « noyau/centre », alors en gardant à l'esprit les « clés » mentionnées précédemment, je l'ai redessinée dans une approche plus réaliste, mais toujours stylisée. C'est cette Merry qui m'a finalement fait penser à une intrigue.

CE QU'IL NE FAUT PAS FAIRE : « C'est Mon Style »

C'EST l'un de mes premiers dessins que j'ai pu trouver, datant de 2009. Oui, on pouvait clairement voir l'inspiration du style anime, avec les grands yeux, les traits faciaux pointus posés sur une tête bien trop disproportionnée par rapport au corps très plat, et bien sûr, les poses très artificielles et inutiles qui l'entourent.

 

Bien sûr, il y a de nombreux points à améliorer dans ce dessin, mais ce que je voudrais que vous en reteniez, c'est de ne pas utiliser l'excuse éculée du « C'est mon style. »

 

Oui, on pourrait arguer que peut-être ce dessin pourrait être un « style » en soi, mais comme c'est moi qui l'ai fait, je dis non. J'étais clairement très jeune alors, une artiste débutante qui ne savait pas grand-chose, et c'est très bien ! Parce que j'étais vraiment excitée de dessiner, et je n'ai pas arrêté de dessiner depuis.

 

Beaucoup d'artistes vétérans (et de créatifs en général) donnent le vieux conseil de « pratiquer, pratiquer, pratiquer », mais décomposons cela un peu :

 

Le temps nous donne l'occasion d'apprendre de nos erreurs, de « pratiquer, pratiquer, pratiquer ». Mais la plupart du temps, nous le considérons comme l'acte physique de faire. C'est pourquoi, pour certains artistes en herbe, entendre cette phrase pourrait devenir un frein plutôt que de donner de l'espoir. Après tout, n'est-ce pas Einstein qui a dit que la folie est de faire la même chose encore et encore et de s'attendre à un résultat différent ?

 

(Non, en fait. Ce n'était pas Einstein. C'était Rita Mae Brown, une incroyable romancière de mystère qui a écrit cette citation spécifique, comme l'une des citations de son personnage, dans son livre de 1983 intitulé « Mort Subite ». Je pensais que vous devriez le savoir. ;))

 

Quoi qu'il en soit, ce que j'essaie de dire, c'est que l'autre moitié de « pratiquer, pratiquer, pratiquer » est d'utiliser votre esprit. Regardez un objet aléatoire près de vous. Observez comment il apparaît de CE point de vue spécifique. Ensuite, prenez l'objet et observez comment il apparaît sous tous les côtés et tous les angles.

 

ÇA, mon ami, c'est observer les perspectives 2D et 3D. Gardez cela à l'esprit, ajoutez-le à votre bibliothèque mentale, et bientôt, en connectant vos observations à vos croquis, cela deviendra plus intuitif avec le temps.

 

EXERCICE RAPIDE : Construction

En utilisant ces deux poses totalement stylées, observez comment les membres fonctionnent. À l'aide de cylindres, de cercles ou de toutes les formes que vous pouvez trouver, décomposez la construction de ces poses dans l'espace 3D et essayez de terminer la pose en utilisant uniquement vos formes.

3. CONTRASTE

Voici la partie amusante. Ligne d'action, nous connaissons tous cela. Nous en avons entendu parler maintes et maintes fois. Cela donne aux poses dynamiques un effet de « whoosh ». Mais que faire si vous ne voulez pas que la pose fasse « whoosh » ? Et si vous voulez que la pose reste immobile ? C'est là que réside le contraste des changements de parties du corps.

Revenons à cette pose précédente. Voyez comment le poing droit monte avec la jambe gauche ? C'est du contraste pur et simple.

 

Nos corps ont un poids, qui est affecté par la gravité, donc nos corps compensent naturellement les changements de poids afin que nous ne tombions pas la tête la première à cause de la gravité. C'est pourquoi nous marchons naturellement avec des bras et des jambes opposés, et essayer de marcher avec le même bras et la même jambe semble instable.

 

Curieusement, le contraste donne aux poses dynamiques plus « détendues » un aspect dynamique de toute façon. Il s'agit de trouver la ligne droite et la courbe naturelles dans une pose, et de les appliquer telles qu'elles se produiraient naturellement. La meilleure façon de le faire est parfois de le faire soi-même, ou d'observer les autres pour voir s'ils peuvent le faire.

 

Ensuite, une fois que vous maîtrisez les poses « détendues », vous pouvez essayer de bousculer un peu les règles. Par exemple, voici deux autres de mes personnages originaux : un homme-poisson et une femme-lynx. Leurs designs ont intentionnellement des parties du corps très contrastées, et c'est en partie pourquoi je les aime tant.

L'homme-poisson a un haut du corps qui possède la mobilité générale d'un torse humain masculin, avec les limitations de ses os, articulations, muscles, etc. MAIS, la queue est fluide, offrant ainsi plus d'opportunités de créer des formes contrastées, à la fois en action et en stase.

 

Et vice versa pour la femme-lynx. Avec elle, je voulais que ses parties du corps soient plus anguleuses, tout en créant une illusion de courbure. Cela représente un défi très amusant pour la pose et contraste joliment avec l'homme-poisson.

 

À PROPOS DE CELA, une autre chose que vous pouvez faire est d'ajouter du contraste entre les personnages posant les uns à côté des autres. De cette façon, cela donne l'impression qu'ils s'emboîtent dans l'espace de l'autre comme des pièces de puzzle, ou même l'inverse.

 

CE QU'IL NE FAUT PAS FAIRE : Contraste sans Contexte

À gauche se trouve un vieux personnage original, et en écartant le fait qu'elle ait SIX doigts (ce qui était accidentel), le problème principal était que j'avais poussé le contraste à l'extrême. Nos têtes ne peuvent pas tourner de cette façon à moins que nos épaules ne tournent pour compenser. Mais à l'époque, cette pose était si courante dans les animes, j'ai littéralement au moins 2 anciens dessins de fanart que je ne peux pas montrer pour des raisons de droits d'auteur MAIS ils font le même mouvement de craquement de cou.

 

À droite se trouve le même personnage original dessiné un an plus tard, et bien sûr, il y a clairement eu un apprentissage, à la fois dans le texte fantaisiste et le contraste intéressant. MAIS le contraste pour le simple contraste ne fonctionne pas aussi bien dans le contexte de son personnage et n'a aucune valeur, DE PLUS son design de personnage souffre un peu trop de détails que, à l'époque je trouvais cool, mais maintenant je pense juste qu'ils sont excessifs.

 

Mais ne vous inquiétez pas. Les poses très contrastées fonctionnent toujours, quel que soit le style que vous utilisez. De grands exemples de cela sont présents dans des mangas comme Soul Eater, My Hero Academia et L'Attaque des Titans. Avec des artistes spécifiques, le travail de Derrick Chew sur tout ce qui concerne Harley Quinn ou celui d'Artgerm sur Catwoman. Je mettrai des liens vers leurs profils ci-dessous ou vous pouvez simplement les rechercher vous-même.

 

En guise d'EXERCICE, voici un ancien fanart que j'ai réalisé d'un personnage original, appartenant à l'un de mes artistes préférés de longue date, Shaun Healey alias Endling. (Je l'ai découvert à l'apogée de deviantArt et je vais TRÈS CERTAINEMENT mettre un lien vers lui ci-dessous car je viens de découvrir qu'il est maintenant instructeur à la CGMA ??? C'est incroyable !)

 

J'étais vraiment fier de cette œuvre à l'époque parce que c'était la première grande pose contrastée que j'avais jamais faite, et c'est aussi grâce au personnage lui-même. Son arsenal est cette gigantesque arme-lame de scie, donc il faut un GRAND mouvement pour la déplacer.

 

Mais sous tout le déguisement cool, essayez de voir la pose en dessous. Comment son haut du corps est-il tordu par rapport à son bas du corps ? Où sont ses bras ? Ses épaules ? Pourriez-vous pousser davantage cette pose pour accentuer l'anticipation ?

PARTIE II. COMPOSITION

La plupart d'entre vous ont déjà entendu parler de ce terme dans le monde de l'Art d'Environnement ou de la cinématographie, ou du moins c'est là que je l'ai entendu pour la première fois. Mais la composition elle-même signifie simplement « assembler », et quand il s'agit de poses dynamiques, il s'agit d'assembler tout ce qui a été mentionné ci-dessus d'une manière qui s'écoule naturellement à travers votre art.

 

Rendez la silhouette de votre personnage distincte avec les clés de cohérence, gardez à l'esprit la construction du corps de votre personnage

CE QU'IL NE FAUT PAS FAIRE : Éléments Contradictoires

Avec celle au chocolat, même en ignorant les mauvaises valeurs qui circulent, en se concentrant sur la fille, il n'y a tout simplement aucun moyen qu'elle reste équilibrée telle qu'elle est avec la façon dont ses jambes et ses pieds sont pliés, et comment le haut de son corps est penché avec ses bras repliés. J'ai essayé de le faire moi-même et, non, je ne montrerai PAS de documentation à ce sujet, mais en gros : sa pose est impossible à moins qu'elle ne soit naturellement très flexible avec ses pieds, ses chevilles, et qu'elle ait une force centrale IMPECCABLE.

 

Et puis le second. Ouf. Bien que je pense toujours que ce design de personnage est cool, les clés de cohérence sont là, le contraste, la construction (en quelque sorte), ça ne marche tout simplement pas. C'est la même chose que pour celle au chocolat. Bien sûr, cela correspond au style des anciens mangas shojo, par lesquels j'étais fortement influencé à l'époque, mais toutes ces incohérences finissent par lui donner l'air d'être excentrique juste pour être excentrique, et je ne veux pas ça.

 

Maintenant, à ce stade, vous pourriez penser, « hé, c'est normal de regarder en arrière ses vieux dessins d'enfant et de frissonner devant toutes les erreurs que vous avez commises », c'est vrai. Mais cela ne signifie pas que nous ne pouvons pas régresser et refaire les mêmes erreurs. Pour preuve, voici un « autoportrait » que j'ai réalisé en 2019 :

Je n'aime pas ça, pas du tout. Mais à l'époque, si. À tel point que je l'ai même transformé en bannière YouTube. Maintenant, cependant, quand je le regarde, je ne peux m'empêcher de ressentir à quel point cela semble faux. Oui, vous avez vos clés, votre construction, votre contraste, mais la composition ? Tous ces éléments fonctionnant comme une unité ? Cela semble faux.

Comparé à un autoportrait bien plus ancien que j'ai réalisé 2 ans auparavant, CELUI-CI semble BEAUCOUP mieux. Mais pourquoi ? Après tout, il y avait beaucoup d'améliorations sur les fondamentaux dans celui de 2019, mais celui de 2017 semble toujours juste.

 

Pourquoi ? Eh bien, c'est de cela qu'il s'agit dans notre dernier sujet – et je pense le plus important en matière de poses dynamiques – et pourtant je ne vois pas beaucoup de gens en discuter. Et vous l'avez probablement déjà remarqué mentionné une ou deux fois ici, en fait.

 

PARTIE III. CONTEXTE

Bien sûr, nous allons commencer par la définition pratique de Merriam-Webster, qui stipule que « le contexte est l'ensemble des parties d'un discours qui entourent un mot ou un passage et peuvent éclairer son sens » ou les « conditions interdépendantes dans lesquelles quelque chose existe ou se produit. »

 

Et avec le dessin de poses dynamiques, cela se traduit fondamentalement par « Votre pose correspond-elle réellement au scénario dans lequel elle est utilisée ? »

 

Je sais que cela semble très rhétorique ; votre réponse sera évidemment « Oui ! » parce que c'est votre personnage, et personne d'autre ne le connaîtra mieux que vous. Mais c'est justement ça : vous ne le connaissez pas. OU du moins, pas immédiatement. Quand vous êtes à un point où vous pouvez naturellement penser à toutes les réactions naturelles de vos personnages originaux aux forces qui les sollicitent, alors vous êtes au top de votre jeu.

Pour preuve, regardez chaque pièce que j'ai mentionnée dans les sections « CE QU'IL NE FAUT PAS FAIRE ». Toutes manquent cette chose importante : le CONTEXTE.

 

Hé, j'ajouterai même plus :

 

C'étaient des cadeaux que j'avais faits pour les personnages originaux d'autres personnes en 2020, et ils ont l'air si plats et droits alors que je pensais vraiment qu'ils avaient l'air cool à l'époque. Et voici une ancienne commande de groupe de 2014 et ils étaient tous censés être des super-héros, bien sûr, mais ils n'avaient pas tous besoin d'avoir UN genou levé (ce que mon commanditaire n'avait pas spécifiquement demandé, d'ailleurs, et ils étaient si gentils)

 

Et cette pose de princesse était un cadeau d'anniversaire pour ma meilleure amie, que son âme repose en paix, et il n'y a absolument aucun contexte autre que celui d'une princesse d'anniversaire. Mais le pire doit être celui-ci de 2011, où il est censé être dans un monde géant de sundae glacé et il fait cette même pose excentrique, les pieds tordus. C'est juste jkaldjfjadjdafklj

CE que vous DEVRIEZ FAIRE :

1. Connaître le But de Votre Pose

Ces poses étaient destinées à mettre en valeur la personnalité de chacun de mes personnages d'un simple coup d'œil :

Et CES poses étaient destinées à montrer la véritable « anatomie » derrière leurs exploits impossibles :

Et CES Poses étaient destinées à vous rendre tendu, et à vous demander ce qui va bien pouvoir se passer ensuite :

Et tout CELA datait de 2017. Purée, ces personnages originaux me manquent. Faites-moi savoir si vous aimeriez en voir plus car cela fait si longtemps que je n'y ai pas pensé, et les revoir maintenant me remplit de tendresse.

 

Mais je m'égare – il est bon de réfléchir à l'avance à la raison derrière une pose. Bien sûr, si la pose est géniale, si le personnage a une raison de la faire, et si l'angle de caméra est incroyable, alors n'hésitez pas, faites-le ! Je décris essentiellement l'atterrissage de super-héros à ce stade, alors bien sûr vous devez le faire, n'est-ce pas ?

Eh bien, oui et non. Revenons à l'œuvre pétillante d'avant :

 

La raison pour laquelle cela ne fonctionne pas, mis à part la composition étrange, est que son but principal était de représenter qui j'étais, et ma vibe générale de l'époque : décontractée, plutôt détendue mais aussi avec un peu d'anxiété intérieure. Et bien que cela puisse techniquement faire le travail, ce que cela représentait n'est plus précis car j'ai changé, et maintenant cela ressemble juste à regarder une mauvaise interprétation par l'IA de ce que serait une personnalité d'artiste parfaite.

 

Et la deuxième chose qui va de pair :

2. Cela Rehausse-t-il Votre Œuvre ?

Encore une fois, c'est une chose assez évidente, mais dans mon cas, comme vous l'avez vu avec tous les vieux dessins que je vous ai montrés, il peut être facile de l'oublier.

 

Je pourrais passer tant d'heures à essayer de réussir une pose vraiment cool sous un angle vraiment cool, à m'arracher les cheveux pour m'assurer que le raccourci et les proportions sont justes. Mais au final, combien de temps les gens vont-ils passer à regarder cette image spécifique, et quel impact pensez-vous qu'elle aura ?

 

Si votre réponse aux deux questions est « Pas beaucoup », alors, mon ami, vous voudrez peut-être envisager d'essayer une pose complètement différente. Quelque chose qui transmette la même émotion du personnage, et aussi ce que vous voulez que le spectateur ressente lorsqu'il détourne le regard.

Et l'inverse est vrai ! Si vous sentez qu'un personnage a le potentiel de devenir génial avec une pose vraiment amusante et dynamique, qui sert son histoire et est réalisable avec votre niveau de compétence actuel, alors ALLEZ-Y ! FAITES-LE ! Faites quelques croquis, maîtrisez l'anatomie de votre personnage et faites-le briller !

CONCLUSION :

ce qui fait que les poses dynamiques fonctionnent le mieux, d'après ce que j'ai observé en tant qu'artiste autodidacte, c'est que, bien sûr, maîtriser les fondamentaux de l'art et du design de personnages, et comprendre le contraste et la composition est vital. Mais je voudrais soutenir que le Contexte est la véritable Clé ici, et que votre utilisation judicieuse des poses dynamiques dans les meilleurs moments d'une histoire est importante.

Sachez quand retenir une pose cool si cela ne fait que nuire au reste de votre progression, de sorte que lorsque vous les utilisez, le moment ressorte et devienne beaucoup plus mémorable.

À moins que ce ne soit pour un effet comique, ou que le contexte des personnages soit que les poses dynamiques constantes sont naturelles. Celles-ci sont aussi assez géniales, et je pense que vous savez déjà de quelles histoires je parle. Dans ce cas, tant mieux pour vous.