NOTE RAPIDE

Certains de mes dessins ici sont liés à l'horreur mais rien de trop graphique.

INTRODUCTION

En tant qu'artiste autodidacte, une grande partie de mon processus d'apprentissage provient de nombreux tutoriels d'artistes incroyables qui ont partagé leurs propres trucs et astuces en ligne. Donc, dans un effort pour ne pas répéter tous les conseils qui ont déjà été enseignés et développés bien mieux que je ne pourrais jamais le faire, je partagerai les 3 choses dont j'essaie toujours de me souvenir lors de la création de "Poses dynamiques", ce qui les rend capables de fonctionner quel que soit le style ou la pose que vous utilisez.

 

PARTIE I. CARACTÈRE

L'un des problèmes avec lesquels je vois que les gens ont du mal à poser dynamiquement est de maintenir l'essence même d'un personnage. C'est soit vous mettez en valeur la conception du personnage, sacrifiant une pose impressionnante, soit vice versa. Voici les 3 choses qui m'aident à maintenir la personnalité de mes personnages lorsque je pose.

 

1. CLÉS DE COHÉRENCE

Je suis sûr qu'il y a un terme réel pour cela, mais "Clés de cohérence" est celui que je l'appelle pour l'instant. Il s'agit de trouver les parties spécifiques de votre personnage qui les rendent instantanément reconnaissables. Vous voyez cela tout le temps dans les personnages les plus emblématiques de l'histoire, mais pour des raisons de droits d'auteur, je ne les montrerai pas DONC, voici mes propres personnages à la place.

 

Voici Merry, et c'est une OC que j'ai depuis 2017. Au moment où je l'ai créée pour la première fois, on ne pensait pas vraiment à un scénario, juste à la personnalité. Et même si je grince des dents devant les prises originales que j'avais pour elle au début, vous pouviez clairement encore trouver une cohérence entre toutes ces poses. Je l'ai fait en affinant plusieurs choses : son haut-de-forme, ses vêtements et ses cheveux en spirale.

 

Toutes ces petites choses s'ajoutent à une belle silhouette reconnaissable, qui est la première chose que vous devez garder à l'esprit pour la conception des personnages. CE QU'IL NE FAUT PAS FAIRE est de donner la priorité aux détails plutôt qu'à la silhouette, comme ce vieux dessin que j'ai fait en 2010.

 

CE QU'IL NE FAUT PAS FAIRE : Détail sur la silhouette

MAIS cela ne veut pas dire que le détail est mauvais. Si mettre l'accent sur les détails fait partie de votre style, alors, par tous les moyens, mettez l'accent loin. En fait, ce dessin a été inspiré par l'un de mes artistes préférés en grandissant, hellobaby. Leur travail regorge de détails, mais il n'enlève rien à la silhouette réelle du sujet de la pièce. Ce vieux dessin était pour moi en train d'essayer d'imiter leur style, mais à l'époque je ne comprenais pas autant l'épaisseur et l'économie des lignes que maintenant, donc les détails que j'utilise sont devenus du bruit, et alors que vous pouviez techniquement voir une silhouette reconnaissable , je pense que ça aurait pu être mieux fait.

 

EXERCICE RAPIDE : Clés de cohérence

Il est préférable d'apprendre à pratiquer cela avec de vraies personnes également, donc en utilisant ces photos de la vôtre, quelles formes pourriez-vous identifier immédiatement comme les clés de cohérence ? (veuillez excuser les couvertures de livres floues. Je dois être bon avec les dieux du droit d'auteur lmao)

Au premier coup d'œil, vous avez les cheveux ondulés, les manches bouffantes et les jambes dégingandées. Dessinez ces 3 choses, même exagérez-les pour la stylisation si vous le souhaitez, et elles seront reconnaissables à coup sûr !

2. CONSTRUCTION

Ensuite, vous voudrez acquérir vos connaissances fondamentales sur le dessin d'objets 3D, car une grande partie de la construction de personnages consiste simplement à comprendre le fonctionnement des formes 3D de base.

 

Dans notre exemple ici, c'est un an après ma première création de Merry. J'avais été occupé par le travail mais à cette époque, j'en ai profité pour poursuivre l'apprentissage de l'anatomie ET de la stylisation.

 

Comme cela allait être mon premier vrai dessin d'elle un an plus tard, je voulais réellement trouver son "noyau/centre", donc en gardant à l'esprit les "clés" mentionnées précédemment, je l'ai redessinée dans une approche plus réaliste, mais toujours stylisé. CE fut le Merry qui m'a finalement fait penser à un scénario.

CE QU'IL NE FAUT PAS FAIRE : "C'est mon style"

C'est l'un de mes premiers dessins que j'ai pu trouver, datant de 2009. Oui, vous pouvez clairement voir l'inspiration du style de l'anime, avec les grands yeux, les traits du visage pointus qui reposent sur une tête bien trop disproportionnée du corps très plat, et bien sûr, de la pose très peu naturelle et inutile qui circule.

 

Bien sûr, il y a de nombreux domaines d'amélioration dans ce dessin, mais ce que j'aimerais que vous en retiriez, c'est de ne pas utiliser l'excuse séculaire de "C'est mon style".

 

Oui, vous pourriez dire que peut-être que ce dessin pourrait être un "style" en soi, mais puisque c'est moi qui l'ai fait, je dis non. J'étais clairement très jeune à l'époque, un bébé artiste qui ne connaissait pas grand-chose, et ça va! Parce que j'étais définitivement excité à l'idée de dessiner, et je n'avais pas arrêté de dessiner depuis.

 

Beaucoup d'artistes vétérans (et juste des créatifs en général) donnent le conseil séculaire qui est "pratiquez, pratiquez, pratiquez", mais décomposons un peu cela :

 

Le temps nous offre la possibilité d'apprendre de nos erreurs, de « pratiquer, pratiquer, pratiquer ». Mais la plupart du temps, nous y pensons comme l'acte physique de faire. C'est pourquoi, pour certains artistes en herbe, entendre cette phrase pourrait devenir un moyen de dissuasion au lieu de donner de l'espoir. Après tout, n'est-ce pas Einstein qui a dit que la folie consiste à faire la même chose encore et encore et à attendre un résultat différent ?

 

(Non, en fait. Ce n'était pas Einstein. C'était Rita Mae Brown, une étonnante romancière policière qui a écrit cette citation spécifique, comme l'une des citations de son personnage, dans son livre de 1983 intitulé "Mort subite". Je pensais que vous devriez savoir. ; ))

 

Quoi qu'il en soit, ce que j'essaie de faire valoir, c'est que l'autre moitié de "pratique, pratique, pratique" utilise votre esprit. Regardez un objet au hasard près de chez vous. Observez à quoi cela ressemble de ce point de vue spécifique. Saisissez ensuite l'objet et observez à quoi il ressemble de tous les côtés et sous tous les angles.

 

CELA, mon ami, observe des perspectives 2D et 3D. Gardez cela à l'esprit, ajoutez-le à votre bibliothèque mentale, et assez tôt, en reliant vos observations à votre croquis, il deviendra plus intuitif avec le temps.

 

EXERCICE RAPIDE : Construction

En utilisant ces deux poses totalement hype, observez le fonctionnement des membres. À l'aide de cylindres, de cercles ou de toutes les formes que vous pouvez trouver, décomposez la construction de ces poses dans un espace 3D et essayez de terminer la pose en utilisant uniquement vos formes.

3. CONTRASTE

Voici la partie amusante. Ligne d'action, nous le savons tous. Nous en avons entendu parler maintes et maintes fois. Rend les poses dynamiques folles. Mais que se passe-t-il si vous ne voulez pas que la pose devienne whoosh ? Et si vous voulez que la pose reste immobile ? Les changements contrastés des parties du corps sont là où il en est.

Jetez un coup d'œil à cette pose d'avant. Voyez comment le poing droit monte avec la jambe gauche ? C'est le contraste là.

 

Nos corps ont du poids, qui est affecté par la gravité, de sorte que nos corps compensent naturellement les changements de poids afin que nous ne tombions pas la face la première à cause de la gravité. C'est pourquoi nous marchons naturellement avec les bras et les jambes opposés, et essayer de marcher avec le même bras et la même jambe semble instable.

 

Chose intéressante, le contraste rend les poses dynamiques plus «détendues» toujours dynamiques de toute façon. Il s'agit de trouver la droite et la courbe naturelles dans une pose, et de les appliquer comme elles se produiraient naturellement. La meilleure façon de le faire est parfois de le faire vous-même ou de regarder les autres et d'observer s'ils peuvent le faire.

 

Ensuite, lorsque vous avez les poses « détendues », vous pouvez essayer de contourner un peu les règles. Par exemple, voici deux autres de mes OC : un triton et une dame-lynx. Leurs conceptions ont intentionnellement des parties du corps très contrastées, et c'est en partie pourquoi je les aime tant.

Le triton a son haut du corps qui a la mobilité générale d'un torse masculin humain, avec les limitations de ses os, articulations, muscles, etc. MAIS, la queue est fluide, donnant ainsi plus de possibilités de créer des formes contrastées, à la fois en action et stase.

 

Et vice versa pour la dame-lynx. Avec elle, je voulais que les parties de son corps soient plus anguleuses, tout en créant une illusion de courbure. C'est un défi très amusant pour la pose et contraste joliment avec le triton.

 

EN PARLANT, une autre chose que vous pouvez faire est d'ajouter du contraste dans les personnages posant les uns à côté des autres. De cette façon, il dégage une sensation d'intégration dans l'espace de l'autre comme les pièces d'un puzzle, ou même vice versa.

 

CE QU'IL NE FAUT PAS FAIRE : Contraste sans contexte

Sur la gauche se trouve un ancien OC, et en écartant le fait qu'elle a SIX doigts (ce qu'elle était accidentelle), le principal problème était que j'ai pris le contraste à l'extrême. Nos têtes ne peuvent pas tourner de cette façon à moins que nos épaules ne tournent pour compenser. Mais à l'époque, cette pose était si courante dans l'anime, j'ai littéralement au moins 2 vieux dessins de fanart que je ne peux pas montrer pour des raisons de droits d'auteur MAIS ils font le même mouvement de casse-cou.

 

Sur la droite se trouve le même OC dessiné un an plus tard, et bien sûr, il y a clairement eu un apprentissage fait à la fois dans un texte fantaisiste et un contraste intéressant. MAIS le contraste pour le contraste ne fonctionne pas aussi bien dans le contexte de son personnage et n'a aucune valeur, PLUS la conception de son personnage dans son ensemble souffre juste un peu trop avec des détails qui, à l'époque, je pensais que c'était cool, mais maintenant je pense que c'est trop.

 

Mais ne vous inquiétez pas. Les poses à contraste élevé fonctionnent toujours, quel que soit le style que vous utilisez. De bons exemples de ceux-ci sont présents dans des mangas comme Soul Eater, My Hero Academia et Attack on Titan. Avec des artistes spécifiques, le travail de Derrick Chew sur tout ce qui concerne Harley Quinn ou Artgerm sur Catwoman. Je vais lier leurs profils ci-dessous ou vous pouvez simplement les rechercher sur Google vous-mêmes.

 

En guise d'EXERCICE, voici un vieux fanart que j'ai fait d'un OC, appartenant à l'un de mes artistes préférés de longue date, Shaun Healey alias Endling. (Je l'ai trouvé à l'âge d'or de deviantArt et je le mets DÉFINITIVEMENT en lien ci-dessous parce que je viens de découvrir qu'il est maintenant instructeur CGMA ??? C'est incroyable !)

 

J'étais vraiment fier de cette pièce à l'époque parce que c'était la première grande pose contrastée que j'ai jamais faite, et c'est aussi grâce au personnage lui-même. Son arsenal est cette arme à lame de scie géante, il faut donc un GROS swing pour se déplacer.

 

Mais sous toute la tenue cool, essayez de voir la pose en dessous. Comment le haut de son corps est-il tordu par rapport au bas de son corps ? Où sont ses bras ? Ses épaules ? Pourriez-vous pousser cette pose plus pour augmenter l'anticipation ?

DEUXIEME PARTIE. COMPOSITION

La plupart d'entre vous ont déjà entendu parler de ce terme dans le monde de l'art environnemental ou de la cinématographie, ou du moins c'est là que j'en ai entendu parler pour la première fois. Mais la composition elle-même signifie simplement "assembler", et quand il s'agit de pose dynamique, c'est assembler tout ce qui a été mentionné ci-dessus d'une manière qui coule naturellement dans votre art.

 

Rendez la silhouette de votre personnage distincte avec les touches de cohérence, gardez à l'esprit la construction du corps de votre personnage

CE QU'IL NE FAUT PAS FAIRE : Éléments contradictoires

Avec le chocolat, même sans tenir compte des mauvaises valeurs qui circulent, en se concentrant sur la fille, il n'y a tout simplement aucun moyen qu'elle reste équilibrée telle qu'elle est avec la façon dont ses jambes et ses pieds sont pliés, et comment son haut du corps se penche avec ses bras repliés J'ai essayé de le faire moi-même et, non, je ne montrerai PAS de documentation à ce sujet, mais fondamentalement : sa pose est impossible à moins qu'elle ne soit aussi naturellement flexible avec ses pieds, ses chevilles et qu'elle ait une force de base IMPECCABLE.

 

Et puis le deuxième. Ouf. Bien que je pense toujours que ce design de personnage est cool, les clés de cohérence sont là, le contraste, la construction (en quelque sorte), ça ne marche tout simplement pas. Le même que celui au chocolat. Bien sûr, cela correspond au style du vieux manga shoujo, sur lequel j'ai été fortement influencé à l'époque, mais toutes ces incohérences finissent par le faire ressembler à de l'excentrique pour le plaisir d'être excentrique, et je ne le veux pas.

 

Maintenant, à ce stade, vous pensez peut-être, "hé, il est naturel de regarder en arrière l'ancien art de bébé et de grincer des dents à toutes les erreurs que vous avez commises", c'est vrai. Mais cela ne signifie pas que nous ne pouvons pas revenir en arrière et refaire les mêmes erreurs. Par exemple, voici un "autoportrait" que j'ai réalisé en 2019 :

Je n'aime pas du tout ça. Mais à l'époque, je l'ai fait. À tel point que j'en ai même fait une bannière YouTube. Maintenant, cependant, quand je le regarde, je ne peux pas m'empêcher de ressentir à quel point c'est mal. Oui, vous avez vos clés, votre construction, votre contraste, mais la composition ? Tous ces éléments fonctionnent comme une unité ? C'est mal.

Comparé à un autoportrait beaucoup plus ancien que j'ai fait 2 ans auparavant, celui-ci se sent BEAUCOUP mieux. Mais pourquoi? Au contraire, il y a eu beaucoup d'améliorations sur les fondamentaux dans celui de 2019, mais celui de 2017 se sent toujours bien.

 

Pourquoi? Eh bien, c'est de cela qu'il s'agit dans notre dernier - et je pense que la partie la plus importante de la pose dynamique - sujet, et pourtant je ne vois pas beaucoup de gens en discuter. Et vous l'avez probablement déjà mentionné une ou deux fois ici, en fait.

 

PARTIE III. CONTEXTE

Bien sûr, nous allons d'abord commencer par la définition pratique de Merriam-Webster, qui stipule que "le contexte est une partie d'un discours qui entoure un mot ou un passage et peut éclairer sa signification" ou les "conditions interdépendantes dans lesquelles quelque chose existe ou se produit.

 

Et avec le dessin de poses dynamiques, cela se traduit essentiellement par "Votre pose correspond-elle réellement au scénario dans lequel elle est utilisée ?"

 

Je sais que cela semble très rhétorique; votre réponse va évidemment être "Oui!" parce que c'est votre personnage, et personne d'autre ne les connaîtra mieux que vous. Mais c'est juste la chose: vous ne le faites pas. OU du moins, pas immédiatement. Lorsque vous êtes à un point où vous pouvez naturellement penser à vos OC à chaque réaction naturelle aux forces qui viennent pour eux, alors vous êtes au top de votre forme.

Par exemple, regardez chaque pièce que j'ai mentionnée dans les sections "CE QU'IL NE FAUT PAS FAIRE". Il leur manque à tous une chose importante : le CONTEXTE.

 

Zut, j'en rajouterai encore :

 

Ce sont des cadeaux que j'ai faits pour les OC d'autres personnes en 2020, et ils ont l'air si plats et droits quand je pensais vraiment qu'ils avaient l'air cool à l'époque. Et voici une ancienne commission de groupe de 2014 et ils étaient tous censés être des super-héros, bien sûr, mais ils n'avaient pas tous besoin d'avoir UN genou levé (ce qui n'était pas quelque chose que mon commissaire avait spécifiquement demandé, d'ailleurs, et ils étaient si gentils )

 

Et cette princesse était un cadeau d'anniversaire pour ma meilleure amie, bénis son âme, et il n'y a absolument aucun contexte autre qu'elle est une princesse d'anniversaire. Mais le pire doit être celui-ci de 2011, où il est censé être dans un monde géant de sundae de crème glacée et il fait la même pose excentrique, les pieds sont tordus. C'est juste jkaldjfjadjdafklj

Ce que tu devrais faire:

1. Connaître le but de votre pose

Ces poses étaient destinées à mettre en valeur la personnalité de chacun de mes personnages avec un seul regard :

Et CES poses étaient destinées à montrer la véritable « anatomie » derrière leurs exploits impossibles :

Et CES poses étaient destinées à vous rendre tendu et à vous demander ce qui va se passer ensuite :

Et tout cela datait de 2017. Mec, j'ai raté ces OC. Faites-moi savoir si vous aimeriez en voir plus parce que cela fait si longtemps que je n'y ai pas pensé, et les voir maintenant me donne les chauds flous.

 

Mais je m'égare - il est bon de réfléchir à l'avance à votre raisonnement derrière une pose. Bien sûr, si la pose a l'air géniale, que le personnage a des raisons de le faire et que l'angle de la caméra est malade, n'hésitez pas, faites-le ! Je décris essentiellement le Superhero Landing à ce stade, donc bien sûr, vous devez le faire, n'est-ce pas?

Eh bien, oui et non. Revenez sur la pièce pétillante avant:

 

La raison pour laquelle ça ne marche pas, à part la composition bizarre, c'est parce que son but principal était de représenter qui j'étais, et ma tendance générale, plutôt décontractée mais aussi avec un peu d'anxiété sur le genre d'ambiance à l'intérieur à l'époque. Et bien qu'il puisse faire ce travail techniquement correct, ce qu'il représentait n'est plus exact parce que j'ai changé, et maintenant cela ressemble à regarder une mauvaise interprétation de l'IA de ce que je serais un artiste parfait.

 

Et la 2ème chose qui va de pair :

2. Cela rehausse-t-il votre pièce ?

Encore une fois, c'est une chose assez évidente, mais dans mon cas, comme vous l'avez vu dans tout l'art ancien que je vous ai montré, il peut être facile d'oublier.

 

Je pourrais passer tant d'heures à essayer de clouer une pose vraiment cool sous un angle vraiment cool, à m'arracher les cheveux pour m'assurer que le raccourci et les proportions sont corrects. Mais en fin de compte, combien de temps les gens vont-ils passer à regarder cette image spécifique, et quel impact pensez-vous qu'elle aura ?

 

Si votre réponse aux deux questions est "Pas très", alors, mon ami, vous voudrez peut-être envisager d'essayer une pose complètement différente. Quelque chose qui transmet la même émotion au personnage, et aussi ce que vous voulez que le spectateur ressente lorsqu'il détourne le regard.

Et l'inverse est vrai ! Si vous pensez qu'un personnage a le potentiel de devenir génial avec une pose vraiment amusante et dynamique, qui sert son histoire et est réalisable dans votre niveau de compétence actuel, alors GO ! FAIS-LE! Faites des vignettes, obtenez l'anatomie de votre personnage et faites-les briller!

CONCLUSION:

ce qui fait que Dynamic Poses fonctionne le mieux, d'après ce que j'ai observé en tant qu'artiste autodidacte, c'est qu'il est essentiel de maîtriser les bases de l'art et de la conception des personnages et de comprendre le contraste et la composition. Mais je voudrais affirmer que le contexte est la véritable clé ici, et votre utilisation prudente des poses dynamiques dans les meilleurs moments d'une histoire est importante.

Sachez quand retenir une pose cool si cela ne fait que faire souffrir le reste de votre progression, de sorte que lorsque vous les utilisez, le moment se démarque et devient beaucoup plus mémorable.

Sauf si c'est pour un effet comique, ou le contexte des personnages est que les poses dynamiques constantes sont naturelles. Ceux-ci sont assez géniaux aussi, et je pense que vous savez déjà de quelles histoires je parle. Dans ce cas, plus de pouvoir pour vous.