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Bonjour !

Je suis .avi. Je travaille comme illustratrice professionnelle de jeux vidéo et la création de bandes dessinées et de webtoons est mon passe-temps.

 

Cette fois, j'aimerais vous présenter les principes fondamentaux de la peinture de paysage et comment les appliquer en pratique avec Clip Studio Paint.

 

🖌️⏱ En bonus, vous trouverez des pinceaux gratuits et des vidéos en accéléré à la fin !

 

Ne manquez pas non plus les tutoriels suivants sur la peinture de paysages enneigés et hivernaux et la peinture du ciel, des nuages et de la météo. Les deux incluent des pinceaux gratuits pour la neige et les nuages !

 

 

🟪 LIGNES DIRECTRICES DE BASE

🟧 Plans

Commencez par diviser votre scène en trois plans principaux :

 

🔸 Arrière-plan

🔸 Plan moyen

🔸 Premier plan

 

Cela aide à créer de la profondeur et facilite la peinture et les ajustements ultérieurs.

🟧 Perspective atmosphérique

🟨 Couleurs

L'atmosphère affecte la façon dont nous percevons la couleur avec la distance.

On enseigne souvent que plus un objet est éloigné, moins il paraît saturé ou plus clair...

 

Mais je pense que la définition la plus correcte serait : plus un objet est éloigné, plus ses couleurs sont bloquées par les couleurs de l'atmosphère, se fondant dans sa teinte et sa luminosité :

L'atmosphère n'a pas besoin d'être bleue — elle peut être de n'importe quelle couleur ou même un dégradé, selon votre scène.

C'est comme une brume colorée — plus c'est éloigné, plus elle masque le contraste et la saturation originaux.

 

Dans les deux peintures suivantes, vous pouvez voir comment les plans les plus éloignés se cachent davantage dans la « brume », c'est-à-dire la couleur de l'atmosphère :

Un exemple d'atmosphère étant un dégradé plutôt qu'une couleur unique :

Un bon point de départ est de définir :

 

🔸 La couleur de base du ciel ou de l'arrière-plan lointain

🔸 Les ombres les plus sombres du premier plan

 

Tout ce qui se trouve entre les deux adoptera naturellement davantage le ton de l'arrière-plan à mesure qu'il est éloigné du spectateur :

🟨 Détails

Les détails et le contraste s'estompent avec la distance — tout comme les couleurs. Pensez au contraste atténué par l'atmosphère, comme dans le brouillard.

🟧 Composition

Même dans un paysage pittoresque, guidez le regard du spectateur comme si vous racontiez une histoire. Utilisez des éléments visuels pour créer un chemin à travers l'image, aidant le spectateur à apprécier tout votre travail.

L'œil a tendance à se poser en premier :

 

🔸 Au centre

🔸 Le long du tiers médian

🔸 Sur l'élément le plus marquant

À partir de là, guidez le chemin en utilisant :

 

🔸 Les formes

🔸 Les lignes et les bords

🔸 Les limites des zones claires et sombres

🔸 Les points saturés

🔸 Les détails comme la direction des nuages ou des oiseaux en vol :

🟨 Indicateur d'échelle

Les arbres, les rochers et les montagnes peuvent être de n'importe quelle taille — incluez quelque chose pour donner au spectateur une idée de l'échelle.

 

👉 Dans une bande dessinée, ce sont vos personnages.

👉 Dans une peinture autonome, c'est généralement une silhouette de voyageur observant le paysage.

👉 Les objets fabriqués par l'homme comme une voiture ou une maison indiquent intrinsèquement l'échelle humaine même sans personnages présents.

 

👉 Les animaux fonctionnent également bien même si personne ne sait quelle est leur taille — un simple vol d'oiseaux passant devant peut faire paraître un arbre énorme.

🟧 Lumière

🟨 Source de lumière principale, secondaire, tertiaire...

Vous pouvez utiliser plusieurs sources de lumière (soleil, lune, magie, feu, etc.), mais généralement une ou deux lumières principales suffisent à clarifier les choses.

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💡 ASTUCE RAPIDE ! - Guides de rayons lumineux 💡

Dans les scènes complexes, esquissez des guides de rayons lumineux pour vous aider avec l'ombrage lorsque vous travaillez en zoomant :

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🟨 Halo de couleur

Les sources de lumière fortes créent souvent un halo de couleur sur les bords des zones éclairées, indiquant la température de la lumière — souvent orange ou violet, mais cela dépend aussi de l'ambiance que vous souhaitez créer :

🟨 Contre-jour

Également appelé lumière de bord, cela crée un contour intérieur lumineux autour des objets, les aidant à se démarquer et ajoutant de l'atmosphère :

🟨 Lumière réfléchie

La lumière rebondit sur les surfaces — même les ombres reçoivent un peu de lumière !

 

Elle prend la couleur de l'objet sur lequel elle rebondit :

 

🔸 Le sable réfléchit une lumière brunâtre

🔸 L'herbe réfléchit une lumière verdâtre

 

Utilisez cela pour ajouter de la couleur aux zones ombragées :

🟨 Lumière atmosphérique dans les ombres

Même les zones qui ne sont pas atteintes par les sources de lumière ou la lumière réfléchie reçoivent un peu de lumière — les ombres sont doucement éclairées par l'atmosphère !

 

L'atmosphère est constituée de particules qui réfléchissent la lumière sur d'autres objets, mais comme la lumière diffusée est faible, toute source de lumière plus forte la supprime, la rendant proéminente uniquement dans les ombres :

C'est de là que vient le dicton « Les ombres sont bleues » ! Elles ne sont pas vraiment bleues en elles-mêmes, mais la couleur de l'atmosphère, généralement bleue, les illumine !

 

Mais si votre atmosphère est violette ou verte, vos ombres le seront aussi !

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💡 ASTUCE RAPIDE ! Lumières sur des calques séparés 💡

Utilisez des calques de lumière séparés. Cela facilite :

 

👉 Le changement de la couleur d'un objet

 

Que diriez-vous d'une plage de sable blanc ?

 

Il suffit de changer la couleur de base du sable et le calque de lumière qui correspond à la lumière réfléchie par celui-ci :

👉 Le changement de l'heure de la journée et de l'éclairage

 

Jouez avec la couleur et l'intensité des calques de lumière pour transformer la scène en coucher de soleil, ou en nuit au bord d'un feu de camp !

👉 La création d'éléments dans différentes conditions d'éclairage pour les jeux, les bandes dessinées ou les scènes d'animation

 

👉 Les révisions flexibles

 

Vous n'êtes pas sûr des couleurs et de la lumière à utiliser dès le début ?

 

Cette configuration vous permet de tout modifier facilement, même si un client arrive en disant « Oh, mais je voulais que l'arbre soit rose ! ». (Croyez-le ou non, des choses comme ça arrivent assez souvent :D)

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🟪 CONSEILS PRATIQUES

Dans cette partie, je vais vous montrer comment gagner du temps en peignant des paysages naturels avec les pinceaux de Clip Studio Paint !

🟧 Pinceaux texturés – sol et rochers

Mes pinceaux préférés sont les pointes plates avec divers réglages de mélange de couleurs et des textures de roches. Ils sont parfaits pour les speedpaintings de concept et le rendu final.

💡 Utilisez Variations de couleur > Aléatoire par trait pour une variété naturelle :

La plupart de mes pinceaux principaux ont également des doublons à mélange uniquement pour créer des transitions picturales :

 

🔸 0 Quantité et Densité de peinture

🔸 max Étirement de la couleur

🟧 Pinceaux pour feuillage et herbe

J'ai une multitude de pinceaux pour différentes stylisations, du cartoon au réaliste, soit faits par moi-même, soit téléchargés depuis les Assets.

Le nouveau mode Étaler dans le Mélange de couleurs est incroyable — il assure des traits de couleur pleine, évitant les marques de pinceau semi-transparentes.

 

Parfait pour la peinture prête pour l'animation (pas de bords doux et semi-transparents à nettoyer).

🟧 Pinceaux ruban – branches et troncs d'arbres

Le type de pinceau Ruban plie la pointe du pinceau comme un ruban — idéal pour dessiner des troncs et des branches d'arbres que vous ne voulez pas tous identiques.

Dessinez sur un calque vectoriel, puis tordez et ajustez avec les outils Correction de ligne pour la variété :

🟧 Pinceaux tampon et outil Fluidifier

Les pinceaux de type tampon sont un autre gain de temps !

 

Dans cet exemple, j'ai juste dessiné une couronne de palmier, l'ai définie comme un pinceau tampon et ai rempli les arbres d'arrière-plan en une seule fois ! Une légère retouche avec l'outil Fluidifier rend chaque arbre unique.

Pour les forêts denses, une seule pointe de pinceau d'arbre en niveaux de gris (pour utiliser à la fois la couleur principale et la couleur secondaire) peut dessiner toute une chaîne de montagnes en quelques coups avec ces seuls réglages :

 

🔸 Épaisseur aléatoire

🔸 Variation de couleur

🔸 Mélange aléatoire avec la couleur secondaire

🟧 Finition

Ajouter les touches finales à votre peinture est amusant en soi – avec tant de modes de fusion de calques, vous pouvez prendre votre temps pour trouver ceux qui conviennent le mieux à votre œuvre !

 

Quand je suis pressé par le temps, je m'en tiens principalement à :

 

🔸 Incrustation / Lumière tamisée pour unifier les couleurs

🔸 Produit / Obscurcir pour assombrir

🔸 Ajouter un éclat / Densité de couleur pour les projecteurs

🟪 Conclusion

Ce sont des astuces qui fonctionnent pour moi — mais ce ne sont pas des règles.

 

Si votre composition ou vos choix de couleurs vous semblent corrects, même s'ils enfreignent les directives, suivez votre intuition !

 

Ce tutoriel vise à vous aider à apprécier la peinture et à trouver votre propre voix.

 

🎨 Amusez-vous — c'est le plus important !

🎁 BONUS : Pinceaux et vidéos de peintures enregistrées 🎁

Pour les audacieux qui sont allés jusqu'au bout, des bonus !

 

🖌️ Les pinceaux sont disponibles en téléchargement gratuit ici (et beaucoup d'autres sont ajoutés) :

⏱ Vidéos en accéléré des peintures mentionnées dans ce tutoriel :

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Pour ceux qui souhaitaient me soutenir, je n'ai pas de Patreon et je ne prévois pas d'en créer un. Je fais cela purement pour le plaisir de partager des connaissances :)

J'apprécie énormément vos messages et vos réflexions, merci !

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