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Bonjour !

Je suis .avi. Je travaille comme illustrateur de jeux professionnel et créer des bandes dessinées et des webtoons est mon passe-temps.

 

🟠 Voulez-vous peindre de belles images colorées, mais vous ne savez pas comment faire ?

🟠 Trouvez-vous la théorie des couleurs intimidante ?

🟠 Ou voulez-vous simplement ajouter quelque chose d'extra à votre art qui le rende vivant ?

 

N'ayez pas peur, peindre avec les couleurs n'est pas utiliser de la magie, c'est créer de la magie !

Je ne vais pas plonger dans la théorie des couleurs, car on peut la trouver partout, et, pour être honnête, je ne l'ai jamais trouvée réellement applicable.

 

Au lieu de cela, j'aimerais vous montrer comment comprendre la magie des couleurs et l'utiliser en pratique !

 

Ce tutoriel est structuré pour les débutants comme pour les utilisateurs avancés.

 

Nous commencerons par les conseils de base pour l'ombrage avec les couleurs, puis passerons à la relativité des interactions de couleurs et à des astuces pour développer votre intuition des couleurs, et enfin, je vous montrerai quelques trucs pour donner facilement vie à votre art.

🟪 BASES

🟧 Ombrage avec les couleurs

À quoi ressemble cette bande de couleur ?

Assez générique, n'est-ce pas ?

C'est parce que toutes les couleurs ont été ombrées avec du noir, ce qui signifie que seule leur luminosité a été diminuée.

Et celles-ci ? Elles sont bien plus agréables à regarder, n'est-ce pas ?

C'est parce que non pas du noir, mais d'autres couleurs ont été utilisées pour l'ombrage.

🟠 Mais comment savoir quelle couleur utiliser pour l'ombrage ?

🟧 Astuce de la palette de roue chromatique n°1

La palette de roue chromatique de CSP n'est pas seulement faite pour choisir des couleurs, elle est conçue pour vous aider à décider quelles couleurs utiliser, même sans théorie des couleurs !

 

Grâce à elle, il est très facile de trouver la bonne couleur pour l'ombrage en fonction de votre couleur de base.

 

1. Trouvez où se trouve votre couleur de base sur la roue

2. Assombrissez-la en faisant glisser le curseur dans le carré vers le noir comme vous le feriez normalement

3. Déplacez le curseur sur la roue légèrement vers le bas, quelle que soit la partie de la roue où vous vous trouvez.

 

Plus vous assombrissez la couleur, plus vous déplacez le curseur de la roue vers le bas.

Quant au jaune, si vous voulez lui donner un aspect chaud, allez vers le rouge ; si vous voulez qu'il donne une sensation de fraîcheur, comme un citron, allez vers le vert.

 

Quant au bleu en bas de la roue, eh bien, vous pouvez soit utiliser uniquement une version plus foncée de celui-ci, soit le déplacer vers le violet. Nous en parlerons plus en détail dans les interactions de couleurs.

La roue chromatique fonctionne également dans la direction opposée pour l'éclairage !

En plus d'éclaircir une couleur, déplacez le curseur circulaire un peu vers le haut.

Bien sûr, il s'agit d'une astuce de base pour vous aider à choisir la couleur d'ombrage, mais selon l'ambiance que vous souhaitez transmettre et votre palette de couleurs générale, vous pouvez utiliser à peu près n'importe quelle couleur pour exprimer l'ombrage ou l'éclairage !

🟧 Astuce de la palette de roue chromatique n°2

Un autre avantage de la roue chromatique est qu'elle montre clairement quelles couleurs sont contrastantes et lesquelles sont harmonieuses.

 

Les couleurs complémentaires, qui créent du contraste, sont opposées sur la roue.

Les couleurs analogues, qui créent l'harmonie, sont côte à côte.

🟧 Lumière et couleurs

La lumière est ce qui définit les couleurs, mais comme cela a été abordé dans mon précédent tutoriel, je vais l'ignorer pour l'instant :)

🟪 AVANCÉ

🟧 Interactions de couleurs

Avez-vous déjà essayé de peindre sans utiliser le noir et le blanc ?

 

Vous n'avez en fait pas du tout besoin de ces deux couleurs pour exprimer la lumière et l'ombre !

Je vais vous montrer comment tirer parti de la façon dont les couleurs fonctionnent les unes par rapport aux autres.

C'est la magie de créer une illusion d'optique, car le plus souvent, une couleur peut ne pas être ce qu'elle semble être à cause des couleurs qui l'entourent !

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🟨 Luminosité

N'importe quelle couleur peut paraître foncée ou claire lorsqu'elle est placée à côté d'une autre couleur.

 

L'exemple le plus évident est la roue chromatique elle-même – même si techniquement le cercle est composé de couleurs de même luminosité et saturation, personne ne nierait que le jaune semble plus clair que le bleu.

Cela nous dit en gros que nous pouvons créer un fort contraste entre la lumière et l'ombre simplement en utilisant le bleu comme ombre et le jaune (de même luminosité et saturation) comme lumière.

Essayez de placer différentes couleurs côte à côte pour voir comment leur luminosité relative change en fonction de la couleur environnante.

 

Certaines sont comme vous vous y attendriez, mais d'autres semblent étonnamment plus foncées ou plus claires que leur partenaire :

Si vous désaturez les couleurs, vous verrez qu'elles ont toutes la même luminosité, mais si vous utilisez la propriété du calque pour changer la Couleur d'expression en Gris, qui tient compte de la luminosité relative, vous verrez à quel point le contraste de luminosité perçu peut être fort !

En bref, nous pouvons utiliser la luminosité relative des teintes pour exprimer la lumière et l'ombre et bien plus encore !

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🟨 Teinte

Jetons un coup d'œil à cette végétation ici, elle est verte, n'est-ce pas ?

Attendez, c'est en fait du violet grisâtre ?

Il n'apparaît vert que parce qu'il est entouré de couleurs violettes plus fortes. Ces violets saturés donnent au violet moins saturé l'impression d'être sa couleur complémentaire de l'autre côté de la roue chromatique – le vert, ce qu'il n'est pas.

 

Vous pouvez tirer parti de ces propriétés relatives des couleurs lorsque vous voulez suggérer une couleur mais que vous savez qu'elle ressortirait trop dans votre peinture.

 

Utilisez les couleurs environnantes pour vous aider à l'exprimer sans réellement utiliser la couleur qu'elle devrait avoir, comme la végétation verte.

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🟨 Température

Vous avez probablement entendu parler des couleurs chaudes et froides – généralement, la moitié supérieure de la roue chromatique est composée de couleurs chaudes tandis que la moitié inférieure est composée de couleurs froides.

Mais tout comme avec la luminosité et la teinte relatives, même la température perçue d'une couleur peut changer en fonction des couleurs environnantes.

C'est un autre phénomène de couleur que nous pouvons utiliser pour notre illusion d'optique !

🟧 Conseils pour développer l'intuition des couleurs

Maintenant que nous avons exploré comment les couleurs interagissent les unes avec les autres, regardez autour de vous et essayez de découvrir ces illusions dans le monde réel !

 

Dans cette image de notre plante de bureau, vous pouvez voir comment la lumière joue avec le vert des feuilles. Les endroits où la lumière du soleil se reflète sont presque blanc chaud, les endroits à l'ombre sont éclairés par la lumière réfléchie de la pièce en bleu, et les feuilles à travers lesquelles le soleil brille sont vert néon.

Analysez les œuvres que vous aimez et essayez de comprendre pourquoi les couleurs donnent l'impression que vous ressentez.

 

Étudiez comment les couleurs fonctionnent ensemble à partir de photos de référence de lieux et d'objets auxquels vous ne pouvez pas accéder personnellement, mais évitez de prendre les couleurs de ces photos – les appareils photo ont une gamme de couleurs très limitée et ont tendance à regrouper les couleurs similaires. Vous avez probablement remarqué que certaines couleurs, en particulier celles des fleurs, sont impossibles à capturer avec un appareil photo, sans compter qu'il rend les ombres noires et le ciel blanc alors que nous pouvons clairement voir de nombreuses couleurs et détails dans les ombres et le ciel en réalité.

Le plus drôle, c'est que nous, artistes numériques, travaillons avec le même nombre limité de couleurs que l'appareil photo. Les peintres traditionnels peuvent plus ou moins mélanger toutes les couleurs possibles qu'ils voient, tandis que nous sommes limités par le nombre de couleurs que nos écrans peuvent afficher...

Mais c'est là tout l'intérêt du défi ! Nous ne sommes pas enfermés dans les algorithmes qu'utilisent les appareils photo, aussi sophistiqués soient-ils !

 

Profitons au maximum de ce que nous avons appris sur les interactions de couleurs et en observant ces phénomènes dans la réalité ou les œuvres d'autrui pour exprimer de manière créative la lumière, les ombres, la température, les sensations, l'atmosphère, etc., dans notre art !

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Note :

Je ne prends aucune responsabilité pour les dommages causés par l'observation des couleurs dans le monde réel… Soyez prudent, ne soyez pas comme moi qui me laisse envoûter par une lune rose au-dessus des lumières de la ville en allant au travail tôt le matin !

(Ne vous inquiétez pas, je ne l'ai pas peinte au volant, je l'ai peinte de mémoire plus tard :D )

🟧 Couleurs principales et couleurs d'accent

Lorsque vous peignez une image dans laquelle vous voulez que les gens s'immergent, il est bon de choisir une couleur (ou un ensemble de couleurs voisines) comme couleur principale de votre œuvre.

 

Cela ne signifie pas monochromatique, mais qu'un ensemble de couleurs similaires couvre la majeure partie de votre toile et que des couleurs contrastantes sont utilisées uniquement pour les accents.

 

Par exemple, la majeure partie de cette image est composée de couleurs bleu violacé et sarcelle plus foncées, et couvre pratiquement la moitié de la roue chromatique. À l'opposé de ces couleurs se trouvent l'orange, le jaune et le vert-jaune, qui sont ajoutés à l'image avec parcimonie, représentant environ 10-20 % de la toile. Ce sont ce qu'on appelle les couleurs d'accent car elles ajoutent des éléments intéressants à votre image.

L'utilisation d'un ensemble de couleurs qui couvre la majorité de la toile et l'ajout parcimonieux de leurs couleurs d'accent respectives aide à maintenir votre peinture intéressante tout en préservant sa clarté et son harmonie.

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🟨 Répartition uniforme des couleurs

Dans une image où toutes les couleurs occupent la même portion de la toile, l'œil est constamment distrait et s'en lasse rapidement.

Mais en fait, vous pouvez toujours en tirer parti dans certains cas !

 

Surtout dans la publicité rapide – le pop art en est un parfait exemple, tout comme de nombreux styles publicitaires similaires, car maintenir l'attention des spectateurs n'est pas leur but. Leur objectif est de capter le regard par une explosion de couleurs pendant un instant suffisamment long pour que le spectateur clique sur la bannière ou se souvienne inconsciemment du produit.

🟪 ASTUCES ET CONSEILS PRATIQUES

Ce sont des astuces et des conseils faciles sur la façon de rendre votre art plus intéressant avec les couleurs ! La plupart des gens ne remarquent pas ces petites choses, mais elles ajoutent une sensation riche et unique à votre art qui le rendra mémorable !

🟧 Contours colorés

En masquant un nouveau calque sur vos contours et en peignant des couleurs différentes à des endroits comme les bords des éléments, les traits du visage, les cheveux, etc., vous pouvez donner une toute nouvelle sensation à votre bande dessinée ou illustration ! N'ayez pas peur d'utiliser des couleurs vives, comme le violet, l'orange ou le sarcelle ; en les utilisant sur de petites zones comme le line art, vous en faites des couleurs d'accent.

 

Par exemple, j'aime généralement transformer mon line art en violet foncé, en rouge ou même en cyan, selon les conditions d'éclairage et l'ambiance de l'image. Ensuite, je choisis la couleur de la peau et je peins légèrement sur les traits du visage et les mains.

 

Pour les zones éclairées, j'utilise l'orange, le rose, le jaune et même le blanc, assurez-vous simplement que l'arrière-plan est plus sombre, sinon la silhouette disparaîtrait.

 

Pour les ombres, j'aime ajouter du violet ou du sarcelle saturé.

Voyez à quel point l'ambiance de l'image a changé simplement en colorant les contours ?

🟧 Contre-jour

Donner à un personnage ou un objet un contre-jour d'une couleur différente de votre lumière principale aide non seulement à les faire ressortir de l'arrière-plan, mais aussi à augmenter la richesse de votre œuvre.

 

🟨 Le moyen le plus simple d'ajouter un contre-jour :

 

1. Ctrl-cliquez sur l'icône du calque ou du dossier de votre personnage pour créer une sélection de sa silhouette

2. Avec l'outil de sélection rectangulaire ou lasso sélectionné, déplacez-le de quelques pixels dans la direction de votre contre-jour souhaité

3. Inversez-le

4. Masquez un nouveau calque en mode addition à votre dossier de personnage

5. Remplissez la sélection avec la couleur de votre contre-jour.

 

En l'effaçant par endroits et en ajustant la forme avec l'outil de fluidité, le contour du contre-jour s'intègre facilement à votre peinture.

🟧 Peau colorée

Même si vous dessinez dans un style anime ou bande dessinée, il existe quelques astuces qui ne coûtent pas beaucoup de temps mais ajoutent une vivacité inattendue à votre art !

 

Vous connaissez probablement les zones de couleur du visage, où le front est teinté d'or, le milieu allant des sourcils à la pointe du nez est rougeâtre et légèrement verdâtre ou bleuté autour de la bouche. C'est principalement utilisé dans les peintures plus réalistes, mais vous pouvez l'utiliser à un léger degré même avec des personnages stylisés.

Soyez juste extrêmement prudent de ne pas en faire trop, surtout avec le bleu chez les enfants et les femmes, ou ils finiront par ressembler à un ivrogne non rasé ! :D

Mais en dehors des zones faciales souvent mentionnées, il existe aussi des zones de couleur dans le reste du corps humain !

 

Le dos de la main et les doigts sont légèrement dorés, tandis que le bout des doigts, les jointures, les articulations et les coussinets de la paume de la main sont rougeâtres. Le dessous du poignet et la base du pouce sont bleuâtres :

De même, d'autres articulations, telles que les coudes, les épaules et les genoux, sont rougeâtres.

 

Avec ces zones de couleur, vous n'avez pas besoin d'être aussi prudent qu'avec le visage ; et elles peuvent sembler sans importance puisque les gens se concentrent principalement sur le visage, mais essayez de colorer les doigts et les jointures de la main d'un personnage en rougeâtre et vous serez étonné de voir à quel point ils prennent vie !

C'est l'exemple parfait de petits détails que personne ne remarque mais que la quantité de vie et de magie qu'ils apportent à l'œuvre d'art vaut le peu de temps qu'on leur consacre !

🟧 Diffusion sous-surfacique

Ce terme abstrait fait référence à la façon dont la lumière éclaire les matériaux fins et translucides – oui, c'est le fameux halo orange qui apparaît lorsque vous tenez votre main contre une forte lumière.

 

Tout comme les zones de couleur, il est souvent utilisé dans la peinture réaliste, mais en l'ajoutant même à votre œuvre stylisée, vous pouvez la faire passer à un autre niveau !

Dans ma bande dessinée, j'aime utiliser cet effet, par exemple, sur les mains ou l'intérieur des oreilles fortement éclairées par l'arrière.

Les cheveux sont aussi un matériau translucide, donc ajouter de la lueur aux parties à travers lesquelles la lumière brille rend l'image encore plus intéressante.

🟧 Utilisation de pinceaux avec changement de couleur aléatoire

Pour ajouter plus de variété à votre peinture, tirez le meilleur parti des paramètres du pinceau !

 

Essayez d'activer le Mélange de couleurs dans Encre ou de régler la Variabilité des couleurs sur Aléatoire par trait – ces fonctions sont excellentes pour peindre des surfaces texturées comme le sol, les rochers ou la neige !

🟧 Couleurs saturées utilisées pour créer une peinture vibrante

Cette astuce tire le meilleur parti de la relation entre les couleurs que nous avons explorée précédemment pour améliorer davantage l'ambiance, la composition, la lumière et l'espace que nous voulons transmettre.

 

Sans changer la luminosité, utilisez une teinte différente de la couleur de l'ombre le long de son bord pour ajouter du contraste.

Essayez d'ajouter des touches de couleurs saturées pour enrichir les textures.

Cela demande un peu d'essais et d'erreurs pour y arriver, mais je suis sûr que vous le ferez inconsciemment bientôt.

 

Par exemple, les lignes violettes et oranges sur le palmier sont en contraste avec le vert des feuilles et la fraîcheur du ciel, indiquant au spectateur que le soleil est chaud et qu'il y a une plage de sable sous le palmier, même si la plage n'est pas visible.

🟧 Ajustement des couleurs

Si vous n'êtes toujours pas satisfait des couleurs de votre œuvre, vous pouvez utiliser des calques de réglage ou des modes de fusion de calques pour les modifier davantage.

 

J'utilise souvent la Courbe de tonalité pour augmenter ou diminuer le contraste entre les lumières et les ombres, l'Équilibre des couleurs pour décaler légèrement les couleurs…

… ou le Mappage de dégradé en modes de fusion pour divers effets – par exemple, ce panneau avait les parties claires encore plus éclaircies en appliquant un mappage de dégradé du noir (car le noir est ignoré dans les modes additifs) au jaune en mode Ajout (éclat).

Allez-y et expérimentez avec eux pour voir ce qui fonctionne le mieux pour votre flux de travail et votre peinture actuelle !

🟪 Conclusion

Ce sont quelques conseils et astuces sur ce sur quoi se concentrer lors de l'observation des couleurs et de la peinture avec celles-ci. Mais tout comme les couleurs sont relatives, il n'y a pas de règle à suivre strictement. Puisque nous travaillons numériquement, nous pouvons tout changer plus tard, alors même si vous n'êtes pas sûr de votre choix, soyez simplement spontané et suivez vos instincts de peintre sans crainte !

 

L'une des choses les plus importantes que j'ai apprises au fil des années en tant qu'illustrateur est que suivre son instinct, même si cela enfreint les règles et la physique, fonctionne dans 99 % des cas, plutôt que de suivre strictement les règles ou un tutoriel.

 

Maintenant, allez-y et amusez-vous beaucoup à créer de la magie avec les couleurs !