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Bonjour !

Je m'appelle .avi. Je travaille comme illustrateur de jeux vidéo professionnel et la création de bandes dessinées et de webtoons est mon passe-temps.

 

Vous voulez peindre des images colorées intéressantes, mais vous ne savez pas comment vous y prendre ?

Vous trouvez la théorie des couleurs intimidante ?*

Ou vous voulez simplement ajouter quelque chose en plus à votre art qui le rend vivant ?

 

N'ayez pas peur, peindre avec des couleurs ne consiste pas à utiliser de la magie, c'est créer de la magie !

Je ne vais pas me plonger dans la théorie des couleurs, car elle peut être trouvée n’importe où et, pour être honnête, je n’ai jamais trouvé qu’elle soit réellement applicable.

Au lieu de cela, j’aimerais vous montrer comment comprendre la magie des couleurs et l’utiliser en pratique !

 

Ce tutoriel est structuré à la fois pour les débutants et les utilisateurs avancés.

Nous commencerons par les conseils de base pour l’ombrage avec les couleurs, puis nous passerons à la relativité dans les interactions des couleurs et à des conseils sur la façon de développer votre intuition des couleurs, et enfin, je vous montrerai quelques astuces pour donner vie facilement à votre art.

PRINCIPES DE BASE

Ombrage avec des couleurs

À quoi ressemble cette bande de couleur ?

Plutôt générique, non ?

C’est parce que toutes les couleurs étaient ombrées de noir, ce qui signifie que seule leur luminosité était diminuée.

Et ceux-là ? Ils sont bien plus jolis à regarder, non ?

C'est parce que ce n'est pas du noir, mais d'autres couleurs ont été utilisées pour l'ombrage.

Mais comment savoir quelle couleur utiliser pour l'ombrage ?

Astuce n°1 pour la palette de couleurs

La palette de couleurs de CSP ne sert pas uniquement à choisir des couleurs, elle est conçue pour vous aider à décider quelles couleurs utiliser même sans théorie des couleurs !

 

Grâce à elle, il est très facile de trouver la bonne couleur pour l'ombrage en fonction de votre couleur de base.

 

1. Trouvez où se trouve votre couleur de base sur la roue

2. Assombrissez-la en faisant glisser le curseur du carré vers le noir comme vous le feriez normalement

3. Déplacez légèrement le curseur de la roue vers le bas, quel que soit le côté de la roue où vous vous trouvez.

 

Plus la couleur est foncée, plus vous tournez le curseur de la roue vers le bas.

Quant au jaune, si vous voulez lui donner un aspect chaud, allez vers le rouge, si vous voulez qu'il donne une sensation de fraîcheur, comme un citron, allez vers le vert.

 

Quant au bleu en bas de la roue, eh bien, vous pouvez soit utiliser uniquement une version plus sombre, soit le décaler vers le violet. Nous en parlerons plus en détail dans les interactions de couleurs.

La roue chromatique fonctionne également dans le sens inverse pour l'éclairage !

En plus d'éclaircir une couleur, déplacez légèrement le curseur circulaire vers le haut.

Bien sûr, il s'agit d'une astuce de base pour vous aider à décider de la couleur d'ombrage, mais en fonction de l'ambiance que vous souhaitez transmettre et de votre palette de couleurs générale, vous pouvez utiliser à peu près n'importe quelle couleur pour exprimer l'ombrage ou l'éclairage !

Astuce n°2 pour la palette de couleurs

Un autre avantage du cercle chromatique est qu'il montre clairement quelles couleurs sont contrastées et lesquelles sont harmonieuses.

 

Les couleurs complémentaires, qui créent un contraste, sont opposées sur le cercle.

Les couleurs analogues, qui créent une harmonie, sont les unes à côté des autres.

Lumière et couleurs

La lumière est ce qui définit les couleurs, mais comme elle a été abordée dans mon tutoriel précédent, je vais l’ignorer pour l’instant :)

AVANCÉ

Interactions de couleurs

Avez-vous déjà essayé de peindre sans utiliser le noir et le blanc ?

 

Vous n’avez pas vraiment besoin de ces deux couleurs pour exprimer la lumière et l’ombre !

Je vais vous montrer comment tirer parti de la façon dont les couleurs fonctionnent par rapport aux autres couleurs.

C'est la magie de créer une illusion d'optique, car le plus souvent, une couleur peut ne pas être ce qu'elle semble être en raison des couleurs qui l'entourent !

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Luminosité

N’importe quelle couleur peut paraître sombre ou claire lorsqu’elle est placée à côté d’une autre couleur.

 

L’exemple le plus évident est la roue chromatique elle-même – même si techniquement le cercle est constitué de couleurs de même luminosité et saturation, personne ne nierait que le jaune semble plus clair que le bleu.

Cela nous indique essentiellement que nous pouvons créer un fort contraste entre la lumière et l’ombre simplement en utilisant le bleu comme ombre et le jaune (de la même luminosité et saturation) comme lumière.

Essayez de placer différentes couleurs les unes à côté des autres pour voir comment leur luminosité relative change en fonction de la couleur environnante.

 

Certaines sont comme on pourrait s'y attendre, mais certaines semblent étonnamment plus foncées ou plus claires que leur partenaire :

Si vous désaturez les couleurs, vous verrez qu’elles ont toutes la même luminosité, mais si vous utilisez la propriété Layer pour changer la couleur d’expression en Gray, qui prend en compte la luminosité relative, vous verrez à quel point le contraste perçu en termes de luminosité peut être fort !

En bref, nous pouvons utiliser la luminosité relative des teintes pour exprimer la lumière et l’ombre et bien plus encore !

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Teinte

Regardons un peu cette végétation ici, elle est verte, n’est-ce pas ?

Attendez, c’est en fait violet grisâtre ?

Il n’apparaît vert que parce qu’il est entouré de violets plus intenses. Ces violets saturés donnent l’impression que le violet moins saturé est sa couleur complémentaire de l’autre côté du cercle chromatique, le vert, ce qui n’est pas le cas.

 

Vous pouvez tirer parti de ces propriétés relatives des couleurs lorsque vous souhaitez faire allusion à une couleur mais que vous savez qu’elle ressortirait trop dans votre tableau. Utilisez les couleurs environnantes pour vous aider à l’exprimer sans utiliser réellement la couleur qu’elle devrait avoir, comme la végétation verte.

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Température

Vous avez probablement entendu parler des couleurs chaudes et froides – généralement, la moitié supérieure du cercle chromatique est composée de couleurs chaudes tandis que la moitié inférieure de couleurs froides.**

Mais tout comme pour la luminosité et la teinte relatives, même la température perçue d’une couleur peut changer en fonction des couleurs environnantes.

C'est un autre phénomène de couleur que nous pouvons utiliser pour notre illusion d'optique !

Conseils pour développer l'intuition des couleurs

Maintenant que nous avons exploré la façon dont les couleurs interagissent entre elles, regardez autour de vous et essayez de découvrir ces illusions dans le monde réel !

 

Sur cette photo de notre plante de bureau, vous pouvez voir comment la lumière joue avec le vert des feuilles. Les endroits où la lumière du soleil se reflète sont presque d'un blanc chaud, les endroits dans l'ombre sont éclairés par la lumière réfléchie de la pièce en bleu, et les feuilles où le soleil brille sont d'un vert fluo.

Analysez les œuvres que vous aimez et essayez de comprendre pourquoi les couleurs donnent l’impression que vous ressentez.

 

Étudiez comment les couleurs fonctionnent ensemble à partir de photos de référence de lieux et d’objets auxquels vous ne pouvez pas accéder personnellement, mais évitez de choisir des couleurs à partir de celles-ci – les appareils photo ont une gamme de couleurs très limitée et ont tendance à regrouper les couleurs similaires. Vous avez probablement remarqué que certaines couleurs, en particulier celles des fleurs, sont impossibles à capturer avec un appareil photo, sans compter que cela rend les ombres noires et le ciel blanc alors que nous pouvons clairement voir de nombreuses couleurs et détails dans les ombres et le ciel en réalité.

Le plus drôle, c'est que nous, les artistes numériques, travaillons avec le même nombre limité de couleurs que l'appareil photo. Les peintres traditionnels peuvent plus ou moins mélanger toutes les couleurs possibles, alors que nous sommes limités par le nombre de couleurs que nos écrans peuvent afficher...

 

Mais c’est là que réside tout le plaisir du défi ! Nous ne sommes pas enfermés dans les algorithmes utilisés par les caméras, aussi sophistiqués soient-ils !

 

Tirons le meilleur parti de ce que nous avons appris sur les interactions entre les couleurs et, en observant ces phénomènes dans la réalité ou dans les œuvres d’autres personnes, transmettons de manière créative les lumières, les ombres, la température, les sentiments, l’atmosphère, etc. dans notre art !

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Note de bas de page :

Je décline toute responsabilité pour les dommages causés par l’observation des couleurs dans le monde réel… Soyez prudent, ne soyez pas comme moi qui suis fasciné par une lune rose au-dessus des lumières de la ville alors que je me rends au travail au petit matin !

(Ne vous inquiétez pas, je ne l’ai pas peint au volant, je l’ai peint de mémoire plus tard :D )

Couleurs principales et couleurs d'accentuation

Lorsque vous peignez une image dans laquelle vous souhaitez que les gens se plongent, il est judicieux de choisir une couleur (ou un ensemble de couleurs voisines) comme couleur principale de votre œuvre.

 

Cela ne signifie pas qu'elle doit être monochrome, mais qu'un ensemble de couleurs similaires couvre la majeure partie de votre toile et que les couleurs contrastantes ne sont utilisées que pour les accents.

 

Par exemple, la majeure partie de cette image est composée de couleurs violacées plus foncées et de bleu sarcelle, et couvre pratiquement la moitié du cercle chromatique. À l'opposé de ces couleurs se trouvent l'orange, le jaune et le vert jaune, qui sont ajoutés à l'image avec parcimonie, représentant environ 10 à 20 % de la toile. On les appelle couleurs d'accent car elles ajoutent des éléments intéressants à votre image.

L'utilisation d'un ensemble de couleurs qui couvre la majorité de la toile et l'aspergeant de leurs couleurs d'accent respectives permet de garder votre peinture intéressante tout en préservant sa clarté et son harmonie.

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Répartition uniforme des couleurs

Dans un tableau où toutes les couleurs occupent la même portion de la toile, l'œil est constamment distrait et s'en lasse vite.

Mais en réalité, vous pouvez toujours en tirer parti dans certains cas !

 

En particulier dans le cas d’une publicité rapide, le pop art en est un parfait exemple, tout comme de nombreux styles publicitaires similaires, car retenir l’attention du spectateur n’est pas son objectif. Son but est d’attirer l’attention avec une attaque de couleurs pendant un moment suffisamment long pour que le spectateur clique sur la bannière ou se souvienne inconsciemment du produit.

CONSEILS ET ASTUCES PRATIQUES

Voici des trucs et astuces simples pour rendre votre art plus intéressant avec des couleurs ! La plupart des gens ne remarquent pas ces petites choses, mais elles ajoutent une sensation riche et unique à votre art qui le rendra mémorable !

Contours de couleur

En découpant un nouveau calque sur vos contours et en peignant des couleurs différentes à des endroits comme les bords des éléments, les traits du visage, les cheveux, etc., vous pouvez ajouter une toute nouvelle sensation à votre bande dessinée ou illustration ! N’ayez pas peur d’utiliser des couleurs vives, comme le violet, l’orange ou le bleu sarcelle. En les utilisant sur de petites zones comme des dessins au trait, vous en faites les couleurs d’accent.

 

Par exemple, j’aime généralement transformer mes dessins au trait en violet foncé ou en rouge ou même en cyan, selon les conditions de lumière et l’ambiance de l’image. Ensuite, je choisis la couleur de la peau et je peins légèrement les traits du visage et les mains.

 

Pour les zones éclairées, j’utilise de l’orange, du rose, du jaune et même du blanc, assurez-vous simplement que l’arrière-plan derrière est plus sombre, sinon la silhouette disparaîtrait.

 

Pour les ombres, j’aime ajouter du violet ou du bleu sarcelle saturé.

Voyez à quel point la sensation de l’image a changé simplement en coloriant les contours ?

Rétroéclairage

Donner à un personnage ou à un objet un rétroéclairage d'une couleur différente de votre lumière principale permet non seulement de les faire ressortir sur l'arrière-plan, mais aussi d'augmenter la richesse de votre œuvre.

 

Le moyen le plus simple d'ajouter un rétroéclairage :

 

1. Ctrl-Clic sur l'icône du calque ou du dossier de votre personnage pour faire une sélection de sa silhouette

2. Avec l'outil de sélection ou de lasso sélectionné, déplacez-le de quelques pixels dans la direction de votre rétroéclairage souhaité

3. Inversez-le

4. Clip un nouveau calque dans un mode d'ajout à votre dossier de personnage

5. Remplissez la sélection avec la couleur de votre rétroéclairage.

 

En l'effaçant dans certaines parties et en ajustant la forme avec la fluidité, le bord du rétroéclairage s'intègre facilement dans votre peinture.

Peau colorée

Même si vous dessinez dans le style anime ou bande dessinée, il existe quelques astuces qui ne prennent pas beaucoup de temps mais qui ajoutent une vivacité inattendue à votre art !

 

Vous connaissez probablement les zones de couleur du visage, où le front est teinté de doré, le milieu des sourcils jusqu'au bout du nez est rougeâtre et légèrement verdâtre ou bleuté autour de la bouche. On l'utilise surtout dans les peintures plus réalistes, mais vous pouvez l'utiliser dans une certaine mesure même avec des personnages stylisés.

Faites juste très attention à ne pas en faire trop, surtout avec le bleu chez les enfants et les femmes, sinon ils finiront par ressembler à des ivrognes mal rasés ! :D

Mais en dehors des zones faciales souvent mentionnées, il existe aussi des zones de couleur dans le reste du corps humain !

 

Le dos de la main et les doigts sont légèrement dorés, tandis que les bouts des doigts, les articulations, les coussinets et les coussinets de la paume de la main sont rougeâtres. Le dessous du poignet et la racine du pouce sont bleuâtres :

De même, d’autres articulations, comme les coudes, les épaules et les genoux sont rougeâtres.

 

Avec ces zones de couleur, vous n’avez pas besoin d’être aussi prudent qu’avec le visage ; et elles peuvent sembler sans importance puisque les gens se concentrent principalement sur le visage, mais essayez de colorer le bout des doigts et les articulations de la main d’un personnage en rouge et vous serez étonné de voir à quel point elles prennent vie !

C'est l'exemple parfait de petits détails que personne ne remarque mais la quantité de vie et de magie qu'ils donnent à l'œuvre d'art vaut le peu de temps passé dessus !

Diffusion souterraine

Ce terme abstrait fait référence à la façon dont la lumière illumine les matériaux fins et translucides. Oui, il s’agit du fameux bord orange qui apparaît lorsque vous tenez votre main face à une forte lumière.

 

Tout comme les zones de couleur, il est souvent utilisé dans la peinture réaliste, mais en l’ajoutant même à votre œuvre stylisée, vous pouvez l’amener à un autre niveau !

Dans ma bande dessinée, j'aime utiliser cet effet, par exemple, sur les mains ou l'intérieur des oreilles qui sont fortement rétroéclairés.

Les cheveux sont également un matériau translucide, donc ajouter de l'éclat dans les parties à travers lesquelles la lumière brille rend l'image encore plus intéressante.

Utilisation de pinceaux avec changement de couleur aléatoire

Pour ajouter plus de variété à votre peinture, tirez le meilleur parti des paramètres de pinceau !

 

Essayez d'activer le mélange de couleurs dans Ink ou de régler Color jitter sur Randomize per stroke. Ces fonctions sont idéales pour peindre des surfaces texturées comme le sol, les rochers ou la neige !

Couleurs saturées utilisées pour créer une peinture vibrante

Cette astuce exploite au maximum la relation entre les couleurs que nous avons explorée précédemment pour améliorer encore l'ambiance, la composition, la lumière et l'espace que nous souhaitons transmettre.

 

Sans modifier la luminosité, utilisez une teinte différente de la couleur de l'ombre le long de son bord pour ajouter du contraste.

Essayez d'ajouter des touches de couleurs saturées pour enrichir les textures.

Il faut un peu d’essais et d’erreurs pour y arriver, mais je suis sûr que vous vous surprendrez à le faire inconsciemment bientôt.

 

Par exemple, les lignes violettes et orange sur le palmier sont en contraste avec le vert des feuilles et la fraîcheur du ciel, indiquant au spectateur que le soleil est chaud et qu’il y a une plage de sable sous le palmier, même si la plage n’est pas visible.

Ajuster les couleurs

Si vous n’êtes toujours pas satisfait des couleurs de votre œuvre, vous pouvez utiliser des calques de réglage ou des modes de fusion de calques pour les modifier davantage.

 

J’utilise souvent la courbe de tonalité pour augmenter ou diminuer le contraste entre les lumières et les ombres, la balance des couleurs pour décaler légèrement les couleurs…

… ou Carte de dégradé dans les modes de fusion pour divers effets – par exemple, ce panneau avait les parties claires encore plus éclaircies en mettant une carte de dégradé du noir (car le noir est ignoré dans les modes additifs) au jaune dans le mode Ajouter une lueur.

N'hésitez pas à jouer avec eux pour voir ce qui fonctionne le mieux pour votre flux de travail et votre peinture réelle !

Conclusion

Voici quelques conseils et astuces sur ce sur quoi se concentrer lorsque l’on observe les couleurs et que l’on peint avec elles. Mais tout comme les couleurs sont relatives, il n’y a aucune règle à suivre strictement. Comme nous travaillons numériquement, nous pouvons tout changer plus tard, donc même si vous n’êtes pas sûr de votre choix, soyez spontané et suivez votre instinct de peintre sans crainte !**

 

L’une des choses les plus importantes que j’ai apprises au cours de mes années d’illustratrice est que se fier à son ressenti, même si cela enfreint les règles et la physique, fonctionne dans 99 % des cas, plutôt que de suivre strictement des règles ou un tutoriel.

 

Maintenant, allez-y et amusez-vous bien à créer de la magie avec les couleurs !