Bonjour! Je suis LibertyFreedom.

Vous êtes-vous déjà demandé comment créer de superbes peintures à l'huile à l'aide de Clip Studio Paint ?

Dans cet article de didacticiel, je vais vous guider à travers les connaissances importantes que vous devez connaître pour commencer en tant que débutant.

Dans ce tutoriel de peinture à l'huile, je n'utilise que trois pinceaux de peinture à l'huile : le « Pinceau à l'huile », un « Pinceau à l'huile » dupliqué mais avec des paramètres de texture différents et le « Pinceau à l'huile réel », une alternative sur mesure que j'ai téléchargée à partir de Actif Clip Studio.

Vous pouvez trouver les deux pinceaux via les liens suivants :

Comprendre les paramètres importants et les fonctionnalités des pinceaux à huile numériques dans Clip Studio Paint

Texture (brosse humide et brosse sèche)

Dans le domaine de la peinture à l’huile traditionnelle, la texture joue un rôle central. Les deux techniques couramment utilisées sont la méthode du pinceau humide, qui donne moins de texture, et la méthode du pinceau sec qui offre plus de texture.

Une technique de pinceau humide consiste à mélanger des pigments avec une plus grande quantité de diluants comme l’eau. Cette composition donne une peinture plus lisse donnant moins de texture lors de son application. A l’inverse, la technique du pinceau sec incorpore moins de diluant aux pigments. Par la suite, l’application de la peinture est plus grossière, créant un effet visuel plus texturé. La traduction de ces méthodes en peinture numérique à l'aide de Clip Studio Paint implique l'utilisation des pinceaux à huile trouvés dans la catégorie « Peinture épaisse ».

Chaque pinceau de cette classe possède des textures uniques observables dans la section « Texture » du panneau de détail du sous-outil. Clip Studio Paint vous donne la liberté de modifier cette texture en appliquant différentes textures de papier.

En allant simplement dans le panneau [Matériau], tapez « toile » ou « huile » dans la zone de recherche et vous pourrez trouver différentes textures de papier à votre disposition. De plus, Clip Studio Assets offre plus de variations de nouvelles textures de papier téléchargeables.

Ce qui est important, c'est le paramètre Densité de texture et Rapport d'échelle.

Pour imiter numériquement un effet de peinture sèche, améliorez la texture en augmentant la valeur du rapport d'échelle et de la densité de texture. Pour imiter numériquement un effet de peinture humide, maintenez la valeur du rapport d'échelle et de la densité de texture faible.

Par défaut, le pinceau "Peinture à l'huile" est un pinceau plus humide (moins texturé). Si vous souhaitez une version plus sèche du même pinceau (plus texturée), vous pouvez dupliquer le sous-outil et ajuster le paramètre de texture.

Dans ce didacticiel, j'opte pour le pinceau « Peinture à l'huile » (avec son réglage par défaut) comme pinceau humide de choix. Quant à mon pinceau sec, j'utilise également le même pinceau "Peinture à l'huile" mais avec une valeur de densité de texture plus élevée. De plus, j'utilise également le pinceau "Real oil" (téléchargé depuis Clip Studio Asset) comme deuxième pinceau sec.

Outre la différence de texture, la particularité du pinceau « Véritable huile » est que si vous utilisez la couleur de premier plan, la couleur d'arrière-plan créera des brins et des lignes d'une manière qui imite un véritable pinceau à huile. C'est bien pour détailler la peinture. Choisissez un ton similaire plus foncé pour la couleur de fond afin que les mèches semblent naturelles, sinon les mèches se démarqueront clairement.

D'un autre côté, si vous choisissez la couleur d'arrière-plan à peindre, ce sera simplement un pinceau de texture normal sans interaction avec la couleur de premier plan. (pas de brins).

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Le pinceau « véritable huile » est un pinceau avancé, il peut donc ne pas convenir aux débutants, car vous devez choisir deux couleurs appropriées à peindre.

Dans ce tutoriel, nous n'avons besoin que de la texture, alors assurez-vous de choisir la couleur d'arrière-plan à peindre.

Mélange de couleurs

Notez que "Mélange de couleurs" n'affecte que la couleur du même calque.

Cette fonctionnalité améliore considérablement le mélange des couleurs, imitant l'effet d'une peinture épaisse traditionnelle ou d'un « empâtement » dans un environnement numérique.

En utilisant la même couleur, si vous appliquez légèrement les premiers coups de pinceau sur une autre couleur de votre toile, la teinte obtenue devient une version désaturée et plus claire de la couleur sélectionnée. Cet effet recrée le mélange subtil qui se produit lorsque les couleurs à l'huile se mélangent sur une palette ou une toile réelle.

La puissance de cette fonction réside dans sa profondeur de contrôle. Si vous continuez à appliquer plusieurs coups de pinceau sur la même zone, la couleur s'intensifie progressivement et se rapproche de la teinte initialement sélectionnée. Ce comportement reproduit de manière unique les attributs de superposition d'une peinture à l'huile épaisse, offrant une expérience de mélange sans effort.

 

 

Vous pouvez trouver cette fonctionnalité sous le panneau « Encre » dans les paramètres « Détails du sous-outil ». L'ajustement de ces paramètres affectera directement l'apparence de votre couleur peinte. Par exemple, si vous réduisez ces valeurs, votre couleur paraîtra plus claire et plus désaturée. Cela signifie que si vous recherchez la teinte d'origine, vous devrez repeindre l'endroit plusieurs fois pour augmenter l'intensité ou la saturation.

D'un autre côté, augmenter ces valeurs augmentera la limite minimale de la valeur de saturation et de luminosité. Cela signifie que l’utilisation d’une densité plus élevée ou d’une plus grande quantité de peinture donnera un mélange de couleurs plus proche de votre choix de couleur initial, sans qu’il soit nécessaire de peindre le même endroit plusieurs fois, ce dont nous n’avons pas vraiment besoin en peinture à l’huile.

En effet, la peinture à l’huile est une forme de peinture épaisse pour une peinture réaliste. Cela implique beaucoup de tons désaturés (gris) et de formes communiquant entre elles. Il faut donc passer du temps à peindre avec beaucoup de coups de pinceau pour rendre les peintures réalistes ou du moins crédibles.

 

 

Exercice de mélange de couleurs

Voici un exercice simplifié conçu pour vous familiariser avec le « Mélange de couleurs » lors de la peinture numérique à l'aide de pinceaux épais. Je vais partager six points cruciaux que vous devez garder à l'esprit lorsque vous utilisez la technique du « mélange de couleurs ». Pour cet exercice, j'utiliserai "Oil Paint", un pinceau humide, pour peindre une sphère en utilisant seulement deux tons : un plus foncé et un plus clair.

1. Commencez par former la sphère avec le ton le plus foncé. Il est essentiel de comprendre que lorsque vous peignez sur la toile, la peinture appliquée a une intensité de 100 %. Chaque trait conserve la couleur d'origine jusqu'à ce qu'il soit superposé à une autre couleur. N'oubliez pas que le mélange de couleurs ne s'applique que lorsqu'une couleur est peinte sur une autre, et que cette interaction ne se produit qu'au sein du même calque. Par conséquent, peindre sur plusieurs couches ne facilitera pas le mélange des couleurs.

2. Maintenant, sélectionnez un ton plus clair pour illustrer la lumière sur la sphère. Par défaut, la quantité de peinture est fixée à 61 %, ce qui signifie que la visibilité maximale de votre trait initial est de 61 %, avec une visibilité de 49 % de la couleur sous-jacente. L'intensité est également en corrélation avec la pression du stylet : appliquer une légère pression entraîne une opacité inférieure à 61 %, tandis qu'appliquer plus de pression donne une opacité plus proche de 61 %. Cependant, vous ne pouvez pas atteindre une opacité de 100 %, car le maximum est fixé à 61 %.

Par conséquent, votre trait initial est toujours une variante désaturée et plus sombre de la couleur choisie, car elle se mélange à la couleur située en dessous.

3. Si vous souhaitez appliquer la couleur pure choisie sans mélanger, peignez simplement plusieurs fois sur la même zone. Donc, dans ce cas, nous devons peindre la même zone plusieurs fois car nous voulons que le ton clair ressorte.

4.disons que nous voulons obtenir le ton moyen de la sphère. Pour obtenir le ton moyen entre la lumière et l'ombre, utilisez simplement le ton clair pour peindre plusieurs fois sur la zone d'ombre afin d'obtenir le ton moyen souhaité. Un seul trait penche vers le ton sombre et plusieurs traits vous rapprochent de la couleur d'origine. Attention à ne pas trop peindre sinon vous retrouverez le ton clair d'origine.

 

 

5.Une fois le ton moyen obtenu, appuyez simplement sur la touche « Alt » pour le sélectionner, qui peut ensuite être utilisé pour affiner la forme ou les coups de pinceau.

 

 

Vous pouvez répéter les mêmes étapes pour créer autant de tons intermédiaires que vous le souhaitez.

6. Si vous souhaitez que les bords soient lisses, vous pouvez utiliser l'outil « Mélangeur pictural » pour estomper les bords. Cependant, vous n'avez pas besoin d'utiliser trop de bavures dans la peinture à l'huile, car cela effacera la texture, les coups de pinceau et le langage des formes de votre peinture, lui donnant davantage une sensation d'aquarelle.

En vous familiarisant avec le mélange de couleurs, vous pouvez créer plusieurs tons intermédiaires pour un ombrage plus détaillé et affiner les formes ou les coups de pinceau. La sélection directe des couleurs dans la roue chromatique et le mélange peuvent produire des résultats similaires. Cependant, la méthode de mélange des couleurs offre un meilleur contrôle sur la saturation des couleurs et l’application des traits. Il rationalise également le processus de peinture car vous n'avez pas besoin de changer constamment d'outil ou de choisir de nouvelles couleurs, ce qui rend l'expérience globale plus fluide.

Bords

Pour des bords plus doux et un effet de dégradé fluide, utilisez le sous-outil "Painterly Blender". Cela fonctionne comme un outil de maculage, vous permettant de fusionner les couleurs de manière transparente, adoucissant ainsi les bords de votre peinture.

Pour obtenir les bords perdus, là où la frontière entre les éléments devient indistincte, utilisez le sous-outil "Flou" pour flouter les bords.

Pour obtenir un bord net, où la limite entre les éléments est clairement définie, utilisez l'outil lasso pour sélectionner cette zone.

Une fois la zone sélectionnée, peignez simplement dans la sélection pour obtenir un bord précis et net.

Gigue de couleur

Pour obtenir des couleurs réalistes et du réalisme dans vos peintures à l'huile, vous devrez ajouter une variation de couleur nuancée au sein de chaque valeur. Le monde nous présente une myriade de couleurs différentes, donc si vous n'utilisez qu'une seule couleur pour chaque valeur, votre travail aura un aspect monochrome et graphique.

Dans Clip Studio Paint, vous pouvez utiliser la fonctionnalité « Color Jitter », accessible via le panneau « Sub Tool Detail », pour introduire ces variations de couleurs nuancées.

 

 

"Color Jitter" peut randomiser la teinte, la saturation et la luminosité pour chaque trait que vous effectuez. Par exemple, si vous augmentez la valeur de teinte à environ 6-10 tout en gardant les valeurs de saturation et de luminosité faibles, vous observerez de subtils changements de couleur. vous pouvez voir que certaines couleurs grisâtres changent lorsque vous utilisez la même couleur pour peindre.

Sur l'image ci-dessus, malgré la peinture avec le même bleu grisâtre, vous remarquerez l'apparition de nuances de vert et de violet, donnant l'illusion de nuances de gris froides et chaudes dans les tons bleus. Cette fonctionnalité est incroyablement utile et pratique car elle élimine le besoin constant de mélanger manuellement les couleurs pour capturer ces nuances de couleurs.

Si vous préférez découvrir ces gris en mélangeant les couleurs manuellement, vous pouvez désactiver « Color Jitter ».

 

 

Maintenez toujours des valeurs faibles pour la saturation et la luminosité afin de maintenir une plage de valeurs cohérente. Si la saturation et la luminosité changent radicalement, la valeur pourrait se briser, conduisant à une peinture chaotique dans laquelle les aspects de lumière et d’ombre perdent leur cohérence.

Dans mon approche personnelle, j'ajuste généralement la valeur de teinte pour qu'elle se situe dans la plage de 6 à 10 (le réglage par défaut est 4), tout en gardant les indices de saturation et de luminosité entre 1 et 3.

 

Maintenant que nous avons couvert les paramètres clés des pinceaux à huile numériques, approfondi l'utilisation du mode « Mélange de couleurs » et contrôlé les bords avec les outils de fusion et de lasso, nous sommes prêts à mettre ces compétences en pratique. Appliquons nos nouvelles connaissances pour créer une pomme simple, rendue dans un style de peinture à l'huile dans Clip Studio Paint.

 

 

Peinture à l'huile numérique : Apple

Étape 1 : Esquisse

Vous pouvez utiliser n'importe quel pinceau de votre choix pour dessiner le croquis, mais il est important que les lignes soient moins opaques. Essayez de produire des lignes simples et moins opaques sans trop de détails, car cette esquisse sera éventuellement recouverte de peinture. Tant que votre croquis est suffisamment clair pour servir de guide compréhensible pour la peinture finale, vous pouvez passer à l'étape suivante.

L'utilisation d'un outil stylo classique avec des bords nets et du noir intégral peut donner l'impression que l'esquisse est trop définitive. Pour conserver une approche plus fluide, je recommande d'utiliser un outil plus doux comme le sous-outil "Aérographe", associé à un ton grisâtre pour l'étape d'esquisse.

Une fois votre croquis terminé, vous pouvez utiliser l'outil « Liquéfier » pour ajuster la silhouette et les proportions. Dans mon cas, je n'étais pas entièrement satisfait de mon croquis initial, mais plutôt que d'effacer et de recommencer, j'ai simplement utilisé le mode "Push" de l'outil "Liquify" pour agrandir la silhouette de la pomme centrale. Ensuite, en passant en mode "Agrandir", j'ai pu facilement agrandir les feuilles. Cette approche vous donne la flexibilité d’affiner votre concept initial sans avoir à repartir de zéro à chaque fois.

Étape 2 : lignes de contour croisées

Une pratique précieuse pour les débutants souhaitant visualiser des objets sous forme 3D consiste à dessiner des « lignes de contour croisées ». Cette technique vous aide à comprendre la structure 3D des objets, vous permettant de déterminer où peindre correctement la lumière et les ombres une fois la direction de la source lumineuse décidée.

 

 

De plus, lorsque vous peignez la pomme plus tard, essayez d'aligner vos coups de pinceau avec la direction des lignes de contour. Cette technique améliore le sens de la forme et de la profondeur de votre œuvre.

Étape 3 : Contexte

Commencez par peindre le fond. Bien que nous travaillions sur un support numérique et puissions utiliser l'outil Remplir le pot de peinture, notre intention est de suivre les méthodes traditionnelles pour éviter une apparence plate.

Commencez avec un pinceau plus humide (moins de densité de texture) pour créer la couleur de base et établir la direction des coups de pinceau pour l'arrière-plan. Dans cet exemple, j'utilise le pinceau "Peinture à l'huile" pour peindre de biais avec un ton cyan moyen au milieu. Ensuite, je peins dans une ombre plus chaude et un ton plus sombre et plus froid entoure le ton cyan moyen.

 

 

Ensuite, mélangez les couleurs en choisissant l’un des côtés des couleurs et peignez de l’autre côté pour obtenir les couleurs mélangées. Vous pouvez essayer de peindre dans différentes directions pour l'arrière-plan, mais j'aimerais que tous mes coups de pinceau suivent la même direction dans cet exemple.

Vous pouvez également introduire d'autres couleurs à mélanger si vous le souhaitez. Dans ce cas, je mélange une couleur verdâtre et orangée désaturée avec le cyan.

Une fois que vous êtes satisfait des couleurs, passez aux pinceaux secs pour ajouter plus de détails, créant ainsi une variété de textures et de duretés de bords.

Dans mon cas, j'ai utilisé deux pinceaux secs. L'un est le pinceau "Peinture à l'huile" dupliqué que j'ai créé plus tôt avec une densité de texture et un rapport d'échelle plus élevés et l'autre est le pinceau "à l'huile réelle" téléchargé à partir des ressources de Clip Studio. Vous pouvez utiliser des textures plus différentes de pinceaux secs si vous préférez.

Variez la taille du pinceau lorsque vous peignez, en faisant des traits grands, d'autres moyens et d'autres petits.

Utilisez également le sous-outil "Painterly Blend" pour estomper certains bords durs.

Étape 4 : Direction de la lumière et palette de couleurs

Avant de peindre, il faut décider d’où vient la lumière. Dans ce cas, j’ai choisi que la lumière vienne légèrement à droite de tout droit.

Une fois la direction de la lumière définie, créez une palette de couleurs afin de ne pas avoir à vous soucier des choix de couleurs plus tard.

Il est important de comprendre la couleur ambiante et la couleur de la lumière de la scène, car elles affectent le ton local des objets. Ici, la couleur ambiante est un rougeâtre légèrement chaud et la lumière est un blanc normal.

Créez un nouveau calque et commencez par trouver la couleur de l'ombre, puis le ton moyen et le ton clair pour la pomme, les feuilles et la nappe.

Bien que vous puissiez créer une palette de couleurs dans le panneau "Mélange des couleurs" (situé dans le menu "Fenêtre"), je recommande de le faire sur un nouveau calque.

Cela vous permet d'utiliser [Teinte/Saturation/Luminosité] et [Balance des couleurs] (Ctrl+U ou Ctrl+B) pour ajuster facilement les couleurs.

Par exemple, si vous n'êtes pas sûr du choix de couleur de la nappe, utilisez l'outil lasso pour sélectionner les couleurs de la nappe, puis appuyez sur Ctrl+U et ajustez les curseurs pour explorer différentes possibilités.

De même, vous pouvez sélectionner, disons, le ton moyen vert et le ton d'ombre, appuyer sur Ctrl + B (Balance des couleurs) et déplacer le curseur vers le rouge pour mélanger un peu de rouge dans les verts d'ombre, reflétant la couleur ambiante rougeâtre.

Une fois satisfait des couleurs de la palette, vous pouvez commencer à peindre les objets. Personnellement, je préfère mélanger les couleurs pour créer plus de tons intermédiaires dans ma palette, me donnant ainsi une gamme de teintes plus riche avec laquelle travailler.

 

 

Étape 5 : Ombre, Ombre plus foncée et ton moyen

Placez le calque d'esquisse par-dessus, définissez le mode de calque sur Multiplier et réduisez l'opacité à un niveau approprié. Il existe deux approches pour peindre : commencer par des bords doux et des tons plus clairs, ou commencer par des bords durs et des tons plus foncés. Je préfère commencer par des bords durs et des tons plus sombres.

Bloquer les ombres :

-Créez deux nouveaux calques au dessus du calque de fond : un pour la nappe et un pour les pommes.

-Utilisez un pinceau humide, tel que le pinceau "Peinture à l'huile" ou tout autre pinceau humide de votre choix, pour bloquer la couleur de l'ombre de chaque objet.

-N'oubliez pas de choisir le ton de l'ombre dans la palette de couleurs que nous avons créée plus tôt.

 

 

Tons moyens :

Une fois les ombres bloquées, verrouillez les calques de pixels et commencez à peindre les tons moyens sur le même calque afin que le mélange des couleurs puisse fonctionner.

-Nappe : choisissez le ton moyen dans la palette et peignez la surface supérieure.

Pommes:

-choisissez le ton moyen dans la palette et peignez sur le côté droit car la source de lumière est à droite.

Feuilles:

-choisissez le ton moyen dans la palette et peignez d'abord un ton moyen plat pour indiquer où la lumière frappe la feuille.

Assurez-vous que vos coups de pinceau suivent la direction des lignes de contour pour donner une impression de forme à la pomme.

 

 

Ombre plus sombre :

-Pour peindre la cavité de la pomme, choisissez un ton d'ombre rouge plus foncé.

-Pour obtenir des bords nets, utilisez l'outil lasso pour faire une sélection, puis peignez dans le

Ton moyen plus foncé :

-utilisez un ton moyen plus foncé pour peindre la surface de la feuille.

-Assurez-vous que la valeur du ton moyen la plus sombre n'est pas plus sombre que le ton de l'ombre.

-Remarquez que mes coups de pinceau imitent la direction de croissance des feuilles, s'étendant de la tige vers les pointes.

 

 

Ajout de saturation :

-Choisissez un ton moyen rouge légèrement plus clair et plus saturé dans la palette.

-Peignez-le par-dessus le ton moyen précédent pour ajouter plus de saturation aux pommes.

-La pomme de gauche reste dans l'ombre, évitez donc d'y utiliser des couleurs saturées.

 

Étape 6 : Ombre projetée, ombre centrale et lumière réfléchie

Lancer l'Ombre de la feuille :

-Choisissez le ton rouge le plus foncé de la palette.

-Utilisez l'outil lasso pour dessiner l'ombre portée de la feuille et remplissez-la avec le ton rouge le plus foncé.

Lancer l'Ombre de la pomme :

Répétez les mêmes étapes que précédemment.

-Sur la couche de nappe, peignez l'ombre portée de la pomme en utilisant le ton rouge le plus foncé.

-Utilisez l'outil lasso pour dessiner la sélection d'ombre portée. Puisque la lumière vient de la gauche, l’ombre portée doit être étendue vers la gauche.

 

 

-Notez que le bord de l'ombre portée n'est pas toujours dur car la pomme a une forme arrondie.

-Désélectionnez la sélection et utilisez l'outil "Flou" pour adoucir la partie inférieure des bords, améliorant ainsi l'aspect arrondi.

-Flou le côté gauche de l'ombre portée pour montrer qu'elle est plus éloignée de la source de lumière. (Plus l'ombre portée est éloignée de l'objet, plus elle devient floue.)

Ombre centrale :

-Choisissez le deuxième ton rouge foncé de la palette et peignez l'ombre centrale de la pomme. -Suivez la ligne de contour pour peindre vos coups de pinceau.

Lumière réfléchie :

-Utilisez un ton moyen plus foncé pour peindre la lumière réfléchie autour du bas gauche de l'ombre.

Étape 7 : Ton clair et surbrillance

Pomme:

Ton clair :

-Choisissez le ton orangé clair de la palette pour peindre dans la zone des tons moyens.

-Choisissez le ton jaunâtre plus clair de la palette pour peindre dans la zone orangée claire.

- Gardez le contraste plus faible pour la pomme de droite car ce n'est pas le point focal

 

 

Souligner:

-Ajoutez un peu de surbrillance à la zone légèrement jaunâtre

-Utilisez le sous-outil Flou pour mélanger doucement les bords.

-Pour la pomme de droite, évitez la surbrillance pour conserver une valeur de contraste plus faible car ce n'est pas le point focal.

-Pas besoin d'appliquer un ton clair ou de surligner la pomme gauche car elle est cachée dans l'ombre.

Évitez d'utiliser excessivement les outils de fusion, sinon le coup de pinceau et la texture seront délavés et la peinture ressemblera à de l'aquarelle. Gardez d’abord la plupart des bords relativement durs, nous lisserons certains des bords durs plus tard.

 

 

Feuilles:

Réglage de la luminosité

-Dans mon cas, je souhaite conserver les coups de pinceau existants sans peindre à nouveau des tons clairs par-dessus, je crée donc un calque et change le mode de calque en "Esquivement des couleurs".

-Clip sur le calque du dessous et peignez pour éclaircir la feuille droite et une partie de la feuille gauche.

-Si l'effet est trop lumineux, vous pouvez appuyer sur ctrl+u pour baisser la luminosité. Alternativement, vous pouvez également réduire la valeur de l’opacité du calque.

-Une fois que vous êtes satisfait du résultat, fusionnez les calques afin que le mélange des couleurs fonctionne lorsque vous peignez dessus.

 

 

-Pour montrer qu'elle est plus proche de la source lumineuse, peignez dans un ton plus clair la feuille de droite.

 

 

Brunch:

-Quant à la branche, nous n'avons pas besoin d'utiliser beaucoup de tons car elle est de petite taille. Peindre dans un ton clair pour montrer quelques changements dans les plans de la forme est suffisant.

Nappe de table:

- Peignez dans un ton clair sur le côté droit de la surface de la nappe.

 

 

-Pour donner l'impression que la table est recouverte d'un tissu fin, utilisez le sous-outil " Painterly Blend " pour estomper les zones plus claires dans les zones d'ombre.

-Pour maculer plus longtemps, augmentez la valeur d'étirement des couleurs et de densité du pinceau à partir de la propriété de l'outil.

-Choisissez les couleurs de la zone de transition et d'autres tons pour affiner les plis de la nappe.

 

 

-Utilisez à nouveau l'outil lasso pour effectuer des sélections afin de garantir que le bord dur de l'ombre portée ne reste pas affecté.

-Enfin, peignez dans des tons plus clairs pour indiquer où la lumière frappe.

 

 

Étape 8 : Détailler le point focal et ajouter davantage de variations de couleurs

Maintenant, nous nous concentrons sur l’ajout de plus de détails au tableau. Nous n'avons pas besoin de peindre les détails tout au long du tableau, nous devons simplement peindre plus de détails au point focal afin qu'il y ait un contraste entre le point focal et les zones détendues. Dans ce tableau, les zones détendues sont les petites pommes et la partie ombrée de la pomme centrale. Le point focal est l’endroit où la lumière atteint la pomme centrale et la feuille droite.

 

 

Lorsque je parle de « détails », j'entends utiliser un pinceau plus sec pour introduire des détails plus texturés, incorporant différentes couleurs saturées et mettant l'accent sur les bords plus durs au point focal.

Parfois, les détails peuvent gâcher la peinture ou donner lieu à quelque chose que nous ne voulons pas vraiment. Donc, pour éviter cela, il est préférable de dupliquer à nouveau la même couche en guise de sauvegarde.

N'oubliez pas que créer un nouveau calque et peindre dessus ne fonctionnera pas car le « Mélange de couleurs » ne s'applique qu'aux couleurs du même calque.

Pour les détails, j'utilise le pinceau « Real Oil » comme pinceau sec de choix.

-Zoom sur le canevas

-Réduire la taille du pinceau

-Choisissez les couleurs claires

-Appliquez des coups de pinceau plus petits pour améliorer les zones aux tons clairs avec plus de texture et de coups de pinceau.

 

 

À des fins d'art esthétique, autre que le ton rouge qui est la pomme elle-même, envisagez d'incorporer des couleurs environnementales comme celles de l'arrière-plan et des feuilles dans la pomme.

-Je mélange des verts et des bleus saturés dans le point focal aux tons clairs.

 

 

-Pour les ombres et les ombres portées, je mélange des gris verdâtres et bleutés désaturés.

 

 

Étape 9 : Vérification finale et flou des bords durs

Faites une dernière vérification de l’ensemble du tableau et voyez s’il manque quelque chose ou si vous pouvez l’améliorer.

Dans mon cas, j'ai remarqué que j'avais oublié de peindre l'ombre portée de la branche, alors je l'ai ajoutée. Je pensais également que la pomme pourrait bénéficier d'un rouge plus saturé, mais je n'en étais pas entièrement sûr. Par mesure de précaution, j'ai dupliqué le calque et expérimenté en ajoutant des tons rouges très saturés aux tons moyens. Le résultat était satisfaisant.

Une fois satisfait de la peinture, il est temps d’adoucir certains bords durs. Encore une fois, dupliquez le calque de sauvegarde, masquez ce calque de sauvegarde et nous pouvons utiliser l'outil "Flou" pour flouter les bords nets dans les zones d'ombre.

Étape 10 : Texture de superposition

Pour donner à la peinture une sensation plus traditionnelle, nous pouvons superposer un calque de texture.

-Ouvrez le panneau [Matériau]

-Allez à "Motif monochrome"

-Tapez « huile » ou « toile » dans la barre de recherche.

-Choisissez l'un des motifs de texture à l'huile qui correspond à vos préférences, faites-le glisser sur la toile,

-Ajustez sa taille pour l'adapter aux dimensions de la toile.

 

 

-Naviguez vers le panneau « Propriété du calque » et sélectionnez « Texture de superposition ».

-Si la texture est trop lourde, vous pouvez réduire l'opacité du calque ou la force de la texture à partir du panneau « Propriétés du calque ».

 

 

-Si vous préférez effacer une partie de la texture, utilisez le masquage de calque.

-Utilisez l'outil gomme "Soft" pour effacer doucement certaines parties dont vous souhaitez réduire l'intensité de la texture.

- Si des erreurs se produisent au cours de ce processus, passez simplement à un « aérographe doux » et peignez pour restaurer la texture si nécessaire.

Merci de votre écoute ! J'espère que les conseils que j'ai partagés vous seront utiles dans votre parcours artistique.

Rendez-vous dans le prochain conseil.