Bonjour ! Je suis LibertyFreedom.

Vous êtes-vous déjà demandé comment créer de superbes peintures à l'huile avec Clip Studio Paint ?

Dans cet article tutoriel, je vais vous guider à travers les connaissances importantes que vous devez maîtriser pour commencer en tant que débutant.

Dans ce tutoriel de peinture à l'huile, j'utilise seulement trois pinceaux pour peinture à l'huile : le "Pinceau à l'huile", une copie du "Pinceau à l'huile" mais avec des paramètres de texture différents, et le "Vrai pinceau à l'huile", une alternative personnalisée que j'ai téléchargée depuis Clip Studio Asset.

Vous pouvez trouver les deux pinceaux via les liens suivants :

Comprendre les paramètres et fonctionnalités importants des pinceaux à l'huile numériques dans Clip Studio Paint

Texture (Pinceau humide et pinceau sec)

Dans le domaine de la peinture à l'huile traditionnelle, la texture joue un rôle essentiel. Les deux techniques couramment utilisées sont la méthode du pinceau humide, qui donne moins de texture, et la méthode du pinceau sec, qui offre plus de texture.

Une technique de pinceau humide implique de mélanger des pigments avec une plus grande quantité de diluants comme l'eau. Cette composition donne une peinture plus lisse, produisant moins de texture lors de son application. Inversement, la technique du pinceau sec incorpore moins de diluant avec les pigments. Par conséquent, l'application de la peinture est plus rugueuse, créant un effet visuel plus texturé. La transposition de ces méthodes en peinture numérique avec Clip Studio Paint implique l'utilisation des pinceaux à l'huile que l'on trouve dans la catégorie 'Peinture épaisse'.

Chaque pinceau de cette catégorie possède des textures uniques observables dans la section 'Texture' du panneau de détails du sous-outil. Clip Studio Paint vous donne la liberté de modifier cette texture en appliquant différentes textures de matériaux papier.

En vous rendant simplement dans le panneau [Matériau], tapez 'toile' ou 'huile' dans la barre de recherche et vous trouverez diverses textures de papier à votre disposition. De plus, Clip Studio Assets offre plus de variations de nouvelles textures de papier téléchargeables.

Ce qui est important, ce sont les paramètres de densité de texture et de rapport d'échelle.

Pour imiter un effet de peinture sèche numériquement, améliorez la texture en augmentant la valeur du rapport d'échelle et de la densité de texture. Pour imiter un effet de peinture humide numériquement, maintenez la valeur du rapport d'échelle et de la densité de texture basse.

Par défaut, le pinceau "Peinture à l'huile" est un pinceau plus humide (moins texturé). Si vous souhaitez une version plus sèche du même pinceau (plus texturée), vous pouvez dupliquer le sous-outil et ajuster les paramètres de texture.

Dans ce tutoriel, j'opte pour le pinceau 'Peinture à l'huile' (avec son réglage par défaut) comme pinceau humide de choix. Quant à mon pinceau sec, j'utilise également le même pinceau "Peinture à l'huile" mais avec une valeur de densité de texture plus élevée. De plus, j'utilise aussi le pinceau "Vraie huile" (téléchargé depuis Clip Studio Asset) comme deuxième pinceau sec.

Outre la différence de texture, ce qui est spécial avec le pinceau "Vraie huile", c'est que si vous utilisez la couleur de premier plan, la couleur d'arrière-plan créera des mèches et des lignes d'une manière qui imite un vrai pinceau à l'huile. C'est bon pour les détails de la peinture. Choisissez une teinte plus foncée similaire pour la couleur d'arrière-plan afin que les mèches semblent naturelles, sinon les mèches ressortiront clairement.

D'autre part, si vous choisissez la couleur d'arrière-plan pour peindre, ce sera juste un pinceau de texture normal sans l'interaction avec la couleur de premier plan. (pas de mèches).

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Le pinceau "Vraie huile" est un pinceau avancé, il pourrait donc ne pas convenir aux débutants car vous devez choisir deux couleurs appropriées pour peindre.

Dans ce tutoriel, nous avons juste besoin de la texture, alors assurez-vous de choisir la couleur d'arrière-plan pour peindre.

Mélange de couleurs

Notez que le "Mélange de couleurs" n'affecte la couleur que sur la même couche.

Cette fonctionnalité améliore considérablement le mélange des couleurs, imitant l'effet de la peinture épaisse traditionnelle ou "impasto" dans un environnement numérique.

En utilisant la même couleur, si vous appliquez légèrement les premiers coups de pinceau sur une autre couleur de votre toile, la teinte résultante devient une version désaturée et plus claire de votre couleur sélectionnée. Cet effet recrée le mélange subtil qui se produit lorsque les couleurs à l'huile se mélangent sur une palette ou une toile réelle.

La puissance de cette fonction réside dans sa profondeur de contrôle. Si vous continuez à appliquer plusieurs coups de pinceau sur la même zone, la couleur s'intensifie progressivement et se rapproche de votre teinte initialement sélectionnée. Ce comportement reproduit de manière unique les attributs de superposition de la peinture à l'huile épaisse, offrant une expérience de mélange sans effort.

 

 

Vous pouvez trouver cette fonctionnalité sous le panneau 'Encre' dans les paramètres 'Détails du sous-outil'. L'ajustement de ces paramètres affectera directement l'apparence de votre couleur peinte. Par exemple, si vous réduisez ces valeurs, votre couleur apparaîtra plus claire et plus désaturée. Cela signifie que si vous visez la teinte originale, vous devrez repeindre la zone plusieurs fois pour augmenter l'intensité ou la saturation.

D'autre part, l'augmentation de ces valeurs augmentera la limite minimale de la saturation et de la valeur de luminosité. Cela signifie qu'utiliser une densité plus élevée ou une plus grande quantité de peinture donnera un mélange de couleurs plus proche de votre choix de couleur initial, sans avoir besoin de peindre le même endroit plusieurs fois, ce dont nous n'avons pas vraiment besoin en peinture à l'huile.

C'est parce que la peinture à l'huile est une forme de peinture épaisse pour une représentation réaliste. Elle implique beaucoup de tons désaturés (gris) et de formes qui communiquent entre elles. Vous devez donc passer du temps à appliquer de nombreux coups de pinceau pour rendre les peintures réalistes ou du moins crédibles.

 

 

Exercice de mélange de couleurs

Voici un exercice simplifié conçu pour vous familiariser avec le "Mélange de couleurs" lors de la peinture numérique à l'aide de pinceaux à peinture épaisse. Je vais partager six points cruciaux que vous devriez garder à l'esprit lors de l'utilisation de la technique de "Mélange de couleurs". Pour cet exercice, j'utiliserai le "Pinceau à l'huile", un pinceau humide, pour peindre une sphère en utilisant seulement deux tons - un plus foncé et un plus clair.

1. Commencez par former la sphère avec le ton plus foncé. Il est essentiel de comprendre que lorsque vous peignez sur la toile, la peinture appliquée est à 100% d'intensité. Chaque coup de pinceau conserve sa couleur d'origine, jusqu'à ce qu'il soit chevauché par une autre couleur. N'oubliez pas que le mélange de couleurs ne s'applique que lorsqu'une couleur est peinte sur une autre, et cette interaction ne se produit que sur la même couche. Par conséquent, peindre sur plusieurs couches ne facilitera pas le mélange des couleurs.

2. Maintenant, sélectionnez une teinte plus claire pour illustrer la lumière sur la sphère. Par défaut, la quantité de peinture est réglée à 61%, ce qui signifie que la visibilité maximale de votre coup de pinceau initial est de 61%, avec 49% de visibilité de la couleur sous-jacente. L'intensité est également corrélée à la pression du stylet : l'application d'une légère pression entraîne moins de 61% d'opacité, tandis qu'une pression plus forte donne une opacité plus proche de 61%. Cependant, vous ne pouvez pas atteindre 100% d'opacité, car le maximum est fixé à 61%.

Par conséquent, votre coup de pinceau initial est toujours une variante désaturée et plus foncée de la couleur choisie, car elle se fond avec la couleur en dessous.

3. Si vous souhaitez appliquer la couleur choisie pure sans la mélanger, peignez simplement la même zone plusieurs fois d'avant en arrière. Donc, dans ce cas, nous devons peindre la même zone plusieurs fois puisque nous voulons que la teinte claire ressorte.

4. Disons que nous voulons obtenir le ton moyen de la sphère. Pour obtenir le ton moyen entre la lumière et l'ombre, utilisez simplement le ton clair pour peindre la zone d'ombre plusieurs fois afin d'obtenir le ton moyen désiré. Un coup de pinceau tend vers le ton sombre et plusieurs coups de pinceau vous rapprochent de la couleur originale. Attention à ne pas trop peindre, sinon vous atteindrez le ton clair original.

 

 

5. Une fois le ton moyen atteint, il suffit d'appuyer sur la touche 'Alt' pour le sélectionner, ce qui peut ensuite être utilisé pour affiner la forme ou les coups de pinceau.

 

 

Vous pouvez répéter les mêmes étapes pour créer autant de tons intermédiaires que vous le souhaitez.

6. Si vous voulez que les bords soient lisses, vous pouvez utiliser l'outil "Mélangeur pictural" pour estomper les bords. Cependant, vous n'avez pas besoin d'utiliser trop d'estompage en peinture à l'huile car cela effacerait la texture, les coups de pinceau et le langage des formes de votre tableau, lui donnant plus une sensation d'aquarelle.

En vous familiarisant avec le mélange de couleurs, vous pouvez créer plusieurs tons intermédiaires pour un ombrage plus détaillé et affiner les formes ou les coups de pinceau. Sélectionner directement les couleurs de la roue chromatique et les mélanger peut produire des résultats similaires. Cependant, la méthode de mélange de couleurs offre un meilleur contrôle sur la saturation des couleurs et l'application des coups de pinceau. Elle simplifie également le processus de peinture car vous n'avez pas besoin de changer constamment d'outils ou de choisir de nouvelles couleurs, ce qui rend l'expérience globale plus fluide.

Bords

Pour des bords plus doux et un effet de dégradé lisse, utilisez le sous-outil "Mélangeur pictural". Celui-ci fonctionne comme un outil d'estompage, vous permettant de fusionner les couleurs de manière transparente, adoucissant ainsi les bords de votre tableau.

Pour obtenir des bords estompés, où la limite entre les éléments devient indistincte, utilisez le sous-outil "Flou" pour flouter les bords.

Pour obtenir un bord net, où la limite entre les éléments est clairement définie, utilisez l'outil Lasso pour faire une sélection de cette zone.

Une fois la zone sélectionnée, peignez simplement à l'intérieur de la sélection pour obtenir un bord précis et net.

Variation de couleur

Pour obtenir des couleurs réalistes et du réalisme dans vos peintures à l'huile, vous devrez ajouter une variation de couleur nuancée au sein de chaque valeur. Le monde nous présente une myriade de couleurs différentes, donc si vous n'utilisez qu'une seule couleur pour chaque valeur, votre travail aura l'air monochrome et graphique.

Dans Clip Studio Paint, vous pouvez utiliser la fonction "Variation de couleur" (Color Jitter), accessible via le panneau "Détail du sous-outil", pour introduire ces variations de couleur nuancées.

 

 

La "Variation de couleur" (Color Jitter) peut randomiser la Teinte, la Saturation et la Luminosité pour chaque coup de pinceau que vous faites. Par exemple, si vous augmentez la valeur de la teinte à environ 6-10 tout en maintenant la saturation et la luminosité à un niveau bas, vous observerez des changements subtils de couleur. Vous pouvez voir des couleurs grisâtres changer lorsque vous utilisez la même couleur pour peindre.

Sur l'image ci-dessus, malgré la peinture avec le même bleu grisâtre, vous remarquerez l'apparition de nuances de vert et de violet, donnant l'illusion de nuances de gris froid et chaud dans les tons bleus. Cette fonction est incroyablement utile et pratique car elle élimine le besoin constant de mélanger manuellement les couleurs pour capturer ces nuances de couleur.

Si vous préférez découvrir ces gris en mélangeant les couleurs manuellement, vous pouvez désactiver "Variation de couleur" (Color Jitter).

 

 

Maintenez toujours des valeurs basses pour la Saturation et la Luminosité afin de conserver une plage de valeurs cohérente. Si la saturation et la luminosité varient de manière drastique, la valeur pourrait se rompre, conduisant à une peinture chaotique où les aspects de lumière et d'ombre perdent leur cohérence.

Dans mon approche personnelle, j'ajuste généralement la valeur de la teinte pour qu'elle se situe dans la plage de 6-10 (le réglage par défaut est 4), tout en maintenant les indices de saturation et de luminosité à 1-3.

 

Maintenant que nous avons abordé les paramètres clés des pinceaux à huile numériques, exploré l'utilisation du mode "Mélange de couleurs" et contrôlé les bords avec les outils de fusion et de lasso, nous sommes prêts à mettre ces compétences en pratique. Appliquons nos nouvelles connaissances pour créer une simple pomme, rendue dans un style de peinture à l'huile dans Clip Studio Paint.

 

 

Peinture à l'huile numérique : Pomme

Étape 1 : Croquis

Vous pouvez utiliser n'importe quel pinceau de votre préférence pour dessiner le croquis, mais il est important que les lignes soient moins opaques. Visez à produire des lignes simples et moins opaques, sans trop de détails, car ce croquis sera finalement recouvert de peinture. Tant que votre croquis est suffisamment clair pour servir de guide compréhensible pour la peinture finale, vous pouvez passer à l'étape suivante.

L'utilisation d'un outil stylo typique avec des bords nets et un noir complet peut rendre le croquis trop définitif. Pour maintenir une approche plus fluide, je recommande d'utiliser un outil plus doux comme le sous-outil "Aérographe", combiné à une teinte grisâtre pour l'étape de l'esquisse.

Une fois votre croquis terminé, vous pouvez utiliser l'outil "liquéfier" pour ajuster la silhouette et les proportions. Dans mon cas, je n'étais pas entièrement satisfait de mon croquis initial, mais plutôt que d'effacer et de recommencer, j'ai simplement utilisé le mode "Pousser" de l'outil "Liquéfier" pour agrandir la silhouette de la pomme centrale. Ensuite, en passant en mode "Élargir", j'ai pu facilement agrandir les feuilles. Cette approche vous offre la flexibilité de peaufiner votre concept initial sans avoir à recommencer à zéro à chaque fois.

Étape 2 : Lignes de contour croisé

Une pratique précieuse pour les débutants afin de visualiser des objets en 3D est de dessiner des "lignes de contour croisé". Cette technique vous aide à comprendre la structure 3D des objets, vous permettant de déterminer où peindre la lumière et les ombres correctement une fois la direction de la source lumineuse décidée.

 

 

De plus, lorsque vous peindrez la pomme plus tard, essayez d'aligner vos coups de pinceau avec la direction des lignes de contour. Cette technique améliore le sens de la forme et de la profondeur dans votre œuvre.

Étape 3 : Arrière-plan

Commencez par peindre l'arrière-plan en premier. Bien que nous travaillions dans un médium numérique et que nous puissions utiliser l'outil Pot de peinture, notre intention est de suivre les méthodes traditionnelles pour éviter un aspect plat.

Commencez avec un pinceau plus humide (moins de densité de texture) pour construire la couleur de base et établir la direction des coups de pinceau pour l'arrière-plan. Dans cet exemple, j'utilise le pinceau "Peinture à l'huile" pour peindre en biais avec un ton cyan moyen au centre. Ensuite, je peins une ombre plus chaude et un ton plus foncé et plus froid entourant le ton cyan moyen.

 

 

Ensuite, mélangez les couleurs en choisissant l'un des côtés des couleurs et en peignant de l'autre côté pour obtenir les couleurs mélangées. Vous pouvez essayer de peindre dans différentes directions pour l'arrière-plan, mais j'aimerais garder tous mes coups de pinceau dans la même direction dans cet exemple.

Vous pouvez également introduire d'autres couleurs à mélanger si vous le souhaitez. Dans ce cas, je mélange une couleur verdâtre et orangée désaturée avec le cyan.

Une fois que vous êtes satisfait des couleurs, passez aux pinceaux secs pour ajouter plus de détails, créant une variété de textures et de dureté des bords.

Dans mon cas, j'ai utilisé deux pinceaux secs. L'un est le pinceau "Peinture à l'huile" dupliqué que j'ai créé plus tôt avec une densité de texture et une valeur de rapport d'échelle plus élevées, et l'autre est le pinceau "Vraie huile" téléchargé depuis Clip Studio Asset. Vous pouvez utiliser plus de textures différentes de pinceaux secs si vous le souhaitez.

Variez la taille du pinceau lorsque vous peignez, en faisant des coups de pinceau grands, moyens et petits.

Utilisez également le sous-outil "Mélangeur pictural" pour estomper certains des bords durs.

Étape 4 : Direction de la lumière et palette de couleurs

Avant de peindre, nous devons décider d'où vient la lumière. Dans ce cas, j'ai choisi que la lumière provienne légèrement à droite de face.

Une fois la direction de la lumière définie, créez une palette de couleurs afin de ne pas avoir à vous soucier des choix de couleurs plus tard.

Il est important de comprendre la couleur ambiante et la couleur de la lumière dans la scène, car elles affectent le ton local des objets. Ici, la couleur ambiante est un rouge légèrement chaud, et la lumière est un blanc normal.

Créez une nouvelle couche et commencez par trouver la couleur d'ombre, puis le ton moyen et le ton clair pour la pomme, les feuilles et la nappe.

Bien que vous puissiez créer une palette de couleurs dans le panneau "Mélange de couleurs" (que l'on trouve sous le menu "Fenêtre"), je recommande de le faire sur une nouvelle couche.

Cela vous permet d'utiliser [Teinte\/Saturation\/Luminosité] et [Balance des couleurs] (Ctrl+U ou Ctrl+B) pour ajuster les couleurs de manière pratique.

Par exemple, si vous n'êtes pas sûr du choix de couleur pour la nappe, utilisez l'outil lasso pour sélectionner les couleurs de la nappe, puis appuyez sur Ctrl+U et ajustez les curseurs pour explorer différentes possibilités.

De même, vous pouvez sélectionner, par exemple, le ton moyen vert et le ton d'ombre, appuyer sur Ctrl+B (Balance des couleurs) et déplacer le curseur vers le rouge pour mélanger un peu de rouge dans les verts d'ombre, reflétant la couleur ambiante rougeâtre.

Une fois satisfait des couleurs de la palette, vous pouvez commencer à peindre les objets. Personnellement, je préfère mélanger les couleurs ensemble pour créer plus de tons intermédiaires dans ma palette, ce qui me donne une gamme de teintes plus riche avec laquelle travailler.

 

 

Étape 5 : Ombre, ombre plus foncée et ton moyen

Placez la couche de croquis au-dessus, définissez le mode de calque sur Multiplier et réduisez l'opacité à un niveau approprié. Il existe deux approches pour la peinture : commencer par des bords doux et des tons plus clairs, ou commencer par des bords durs et des tons plus foncés. Je préfère commencer par des bords durs et des tons plus foncés.

Bloquer les ombres :

-Créez deux nouvelles couches au-dessus de la couche d'arrière-plan : une pour la nappe et une pour les pommes.

-Utilisez un pinceau humide, tel que le pinceau "Peinture à l'huile" ou tout autre pinceau humide de votre choix, pour bloquer la couleur d'ombre de chaque objet.

-N'oubliez pas de choisir le ton d'ombre dans la palette de couleurs que nous avons créée précédemment.

 

 

Tons moyens :

Une fois les ombres bloquées, verrouillez les couches de pixels et commencez à peindre les tons moyens sur la même couche afin que le mélange de couleurs puisse fonctionner.

-Nappe : choisissez le ton moyen de la palette et peignez la surface supérieure.

Pommes :

-choisissez le ton moyen de la palette et peignez sur le côté droit, car la source de lumière est à droite.

Feuilles :

-choisissez le ton moyen de la palette et peignez d'abord un ton moyen plat pour indiquer où la lumière frappe la feuille.

Assurez-vous que vos coups de pinceau suivent la direction des lignes de contour pour donner un sens de la forme à la pomme.

 

 

Ombre plus foncée :

-Pour peindre la cavité de la pomme, choisissez une teinte d'ombre rouge plus foncée.

-Pour obtenir des bords nets, utilisez l'outil lasso pour faire une sélection puis peignez à l'intérieur de la

Ton moyen plus foncé :

-utilisez un ton moyen plus foncé pour peindre la surface de la feuille.

-Assurez-vous que la valeur du ton moyen plus foncé n'est pas plus sombre que le ton d'ombre.

-Remarquez que mes coups de pinceau imitent la direction de la croissance des feuilles, s'étendant de la tige vers les extrémités.

 

 

Ajout de saturation :

-Choisissez un ton moyen rouge légèrement plus clair et plus saturé dans la palette.

-Peignez-le sur le ton moyen précédent pour ajouter plus de saturation aux pommes.

-La pomme de gauche reste dans l'ombre, évitez donc d'y utiliser des couleurs saturées.

 

Étape 6 : Ombre portée, ombre propre et lumière réfléchie

Ombre portée de la feuille :

-Choisissez le ton rouge le plus foncé de la palette.

-Utilisez l'outil lasso pour dessiner l'ombre portée de la feuille et remplissez-la avec le ton rouge le plus foncé.

Ombre portée de la pomme :

Répétez les mêmes étapes qu'avant.

-Sur la couche de la nappe, peignez l'ombre portée de la pomme en utilisant le ton rouge le plus foncé.

-Utilisez l'outil lasso pour dessiner la sélection de l'ombre portée. Comme la lumière vient de la gauche, l'ombre portée doit être étendue vers la gauche.

 

 

-Notez que le bord de l'ombre portée n'est pas toujours net car la pomme a une forme arrondie.

-Désélectionnez la sélection et utilisez l'outil "Flou" pour adoucir la partie inférieure des bords, améliorant ainsi l'apparence arrondie.

-Floutez le côté gauche de l'ombre portée pour montrer qu'elle est plus éloignée de la source lumineuse (plus l'ombre portée est éloignée de l'objet, plus elle devient floue).

Ombre propre :

-Choisissez le deuxième ton rouge foncé de la palette et peignez l'ombre propre de la pomme. -Suivez la ligne de contour pour peindre vos coups de pinceau.

Lumière réfléchie :

-Utilisez un ton moyen plus foncé pour peindre la lumière réfléchie autour du bas gauche de l'ombre.

Étape 7 : Ton clair et surbrillance

Pomme :

Ton clair :

-Choisissez le ton orangé clair de la palette pour peindre la zone de ton moyen.

-Choisissez le ton jaunâtre plus clair de la palette pour peindre dans la zone orangée claire.

- Maintenez le contraste plus bas pour la pomme de droite car ce n'est pas le point focal

 

 

Surlignage :

-Ajoutez un peu de surbrillance à la zone jaunâtre claire.

-Utilisez le sous-outil Flou pour estomper doucement les bords.

-Pour la pomme de droite, évitez le surlignage pour maintenir un contraste de valeur plus faible car ce n'est pas le point focal.

-Il n'est pas nécessaire d'appliquer un ton clair ou une surbrillance à la pomme de gauche car elle est cachée dans l'ombre.

Évitez l'utilisation excessive d'outils de fusion, sinon le coup de pinceau et la texture seront effacés et le tableau ressemblera à de l'aquarelle. Gardez la plupart des bords relativement durs au début, nous lisserons certains des bords durs plus tard.

 

 

Feuilles :

Ajustement de la luminosité

-Dans mon cas, je veux préserver les coups de pinceau existants sans peindre de nouveau un ton clair par-dessus, alors je crée une couche et change le mode de fusion en "Densité linéaire (Ajout)".

-Écrêtez à la couche inférieure et peignez pour éclaircir la feuille de droite et une partie de la feuille de gauche.

-Si l'effet est trop lumineux, vous pouvez appuyer sur Ctrl+U pour réduire la luminosité. Alternativement, vous pouvez également réduire la valeur de l'opacité de la couche.

-Une fois que vous êtes satisfait du résultat, fusionnez les couches pour que le mélange de couleurs fonctionne lorsque vous peignez par-dessus.

 

 

-Pour montrer qu'elle est plus proche de la source lumineuse, peignez une teinte plus claire sur la feuille de droite.

 

 

Branche :

-Quant à la branche, nous n'avons pas besoin d'utiliser beaucoup de tons car sa taille est petite. Peindre un ton clair pour montrer quelques changements dans les plans de la forme est suffisant.

Nappe :

- Peignez une teinte claire sur le côté droit de la surface de la nappe.

 

 

-Pour donner l'impression que la table est recouverte d'une fine étoffe, utilisez le sous-outil "Mélangeur pictural" pour estomper les zones plus claires dans les zones d'ombre.

-Pour estomper plus longtemps, augmentez les valeurs de l'étirement de couleur et de la densité du pinceau dans les propriétés de l'outil.

-Choisissez les couleurs de la zone de transition et d'autres tons pour affiner les plis de la nappe.

 

 

-Utilisez à nouveau l'outil lasso pour faire des sélections afin de garantir que le bord net de l'ombre portée reste intact.

-Enfin, peignez des tons plus clairs pour indiquer où la lumière frappe.

 

 

Étape 8 : Détailler le point focal et ajouter plus de variation de couleur

Maintenant, nous nous concentrons sur l'ajout de plus de détails à la peinture. Nous n'avons pas besoin de peindre les détails sur toute la peinture, nous devons juste peindre plus de détails au point focal afin qu'il y ait un contraste entre le point focal et les zones détendues. Dans cette peinture, les zones détendues sont les petites pommes et la partie d'ombre de la pomme centrale. Le point focal est l'endroit où la lumière frappe la pomme centrale et la feuille de droite.

 

 

Quand je parle de 'détails', je veux dire utiliser un pinceau plus sec pour introduire plus de détails texturés, incorporer différentes couleurs saturées et accentuer les bords plus durs au point focal.

Parfois, les détails peuvent gâcher la peinture ou aboutir à quelque chose que nous ne voulons pas vraiment. Pour éviter cela, il est préférable de dupliquer à nouveau la même couche en tant que sauvegarde.

N'oubliez pas que créer une nouvelle couche et peindre par-dessus ne fonctionnera pas car le "Mélange de couleurs" ne s'applique qu'aux couleurs sur la même couche.

Pour les détails, j'utilise le pinceau 'Vraie huile' comme pinceau sec de prédilection.

-Zoomez sur la toile

-Réduisez la taille du pinceau

-Choisissez les couleurs claires

-Appliquez de plus petits coups de pinceau pour améliorer les zones claires avec plus de texture et de coups de pinceau.

 

 

À des fins esthétiques, outre le ton rouge qui est la pomme elle-même, envisagez d'incorporer des couleurs environnementales, comme celles de l'arrière-plan et des feuilles, dans la pomme.

-Je mélange des verts et des bleus saturés dans le point focal aux tons clairs.

 

 

-Pour les ombres et les ombres portées, je mélange des gris verdâtres et bleuâtres désaturés.

 

 

Étape 9 : Vérification finale et estompage des bords nets

Faites une dernière vérification de l'ensemble de la peinture et voyez si quelque chose manque ou si vous pouvez l'améliorer.

Dans mon cas, j'ai remarqué que j'avais oublié de peindre l'ombre portée de la branche, alors je l'ai ajoutée. J'ai également pensé que la pomme pourrait bénéficier d'un rouge plus saturé, mais je n'en étais pas entièrement sûr. Par précaution, j'ai dupliqué la couche et j'ai expérimenté l'ajout de tons rouges très saturés aux tons moyens. Le résultat a été satisfaisant.

Une fois satisfait de la peinture, il est temps d'adoucir certains des bords nets. Encore une fois, dupliquez la couche pour la sauvegarde, masquez cette couche de sauvegarde et nous pouvons utiliser l'outil "Flou" pour estomper les bords nets dans les zones d'ombre.

Étape 10 : Superposition de texture

Pour donner à la peinture une sensation plus traditionnelle, nous pouvons superposer une couche de texture.

-Ouvrez le panneau [Matériau]

-Allez à "Motif monochrome"

-Tapez "huile" ou "toile" dans la barre de recherche.

-Choisissez l'un des motifs de texture d'huile qui convient à vos préférences, faites-le glisser sur la toile,

-Ajustez sa taille pour qu'il corresponde aux dimensions de la toile.

 

 

-Naviguez vers le panneau 'Propriété de la couche' et sélectionnez 'Superposition de texture'.

-Si la texture est trop prononcée, vous pouvez réduire l'opacité de la couche ou la force de la texture depuis le panneau "Propriété de la couche".

 

 

-Si vous préférez effacer une partie de la texture, utilisez le masquage de couche.

-Utilisez l'outil gomme "Douce" pour effacer délicatement les portions où vous souhaitez réduire l'intensité de la texture.

- Si des erreurs se produisent pendant ce processus, passez simplement à un 'Aérographe doux' et peignez pour restaurer la texture si nécessaire.

Merci de votre attention ! J'espère que les conseils que j'ai partagés vous seront utiles dans votre parcours artistique.

À bientôt pour le prochain conseil.