Präsentation

Hallo!!, willkommen zu diesen neuen TIPPS. Bei dieser Gelegenheit werde ich auf einige Kenntnisse und Werkzeuge eingehen, die zum Komponieren von Fantasy-Hintergründen erforderlich sind. Ich werde einige Kompositionsregeln erläutern, die wir in einem Hintergrund verwenden können, die Farben und schließlich die Werkzeuge, über die das Programm CLIP STUDIO PAINT verfügt und die wir verwenden können, damit die Erstellung unserer Hintergründe dynamisch ist. Obwohl in der Pixelkunst Beispiele verwendet werden, können alle diese Kompositionsregeln und -werkzeuge auch in anderen Stilen verwendet werden. Außerdem hinterlasse ich am Ende eine kurze Anleitung zur Pixelkunst. Ich hoffe, es ist ohne weiteres für Sie nützlich ...

 

Lass uns anfangen!!

0. Inspiration

Die erste und grundlegendste Sache beim Erstellen von Fantasy-Hintergründen und im Allgemeinen jeder Illustration ist, das Thema zu finden, über das wir sprechen werden. Um Inspiration zu finden, können wir uns eine Reihe von Fragen stellen, wie zum Beispiel:

 

Was für einen Fantasy-Hintergrund möchte ich zeichnen? Eine Wüste? Das Meer? Welche Art von Umgebung wird es darstellen?

 

Wenn wir unser Thema bereits im Kopf haben, empfehle ich, schnell eine Reihe von Miniaturen zu erstellen, die mehrere Variationen unserer Ideen festhalten. Auf diese Weise können wir mehrere Ideen ausprobieren und diejenige finden, die uns am besten gefällt.

1. Zusammensetzung

Komposition ist die Art und Weise, wie wir die Elemente verteilen, die das Thema der Illustration bilden. Es ist ein auf Schemata und Kompositionsgesetzen basierendes Medium, mit dem wir eine Geschichte erzählen und sie visuell eindrucksvoll, ansprechend und dynamisch gestalten können. Die Kompositionsgesetze sind nicht absolut. Letztlich haben wir alle eine bestimmte Art, das Leben zu verstehen, basierend auf den Erfahrungen und den Orten, an denen wir aufgewachsen sind, aber ohne Zweifel sind sie eine gute universelle Referenz, die es uns ermöglicht, Emotionen und Ideen zu vermitteln und Träume für jeden auf der Welt. Welt.

 

Den einzelnen Regeln ist hier ein eigener Abschnitt gewidmet, was jedoch nicht bedeutet, dass sie sich gegenseitig ausschließen.

 

 

► Visuelles Gewicht

• SYMMETRISCH: Es ist eine ausgewogene Komposition, die angenehm für das Auge ist, Seelenfrieden gibt, aber langweilig ist. Wenn wir unsere Leinwand in zwei gleiche Teile teilen würden, müssten wir die Elemente so verteilen, dass beide Seiten das gleiche Gewicht haben. Darüber hinaus müssen wir die Leerräume respektieren, damit die Illustration atmet.

• ASYMMETRISCH

Andererseits zeichnen sich asymmetrische (unausgeglichene) Kompositionen dadurch aus, dass eine Seite schwerer ist als die andere. Diese Art der Komposition sorgt für Kraft und Dynamik.

► Drittelregel

Die Drittelregel basiert auf der Goldenen Regel, dem Goldenen Schnitt, ist aber einfacher anzuwenden. Diese Regel legt fest, dass wir die Leinwand unabhängig von der Größe in zwei Drittel der Vertikalen und Horizontalen unterteilen können; Diese Fürbitten schaffen vier Punkte. In diesen Punkten ist es am angenehmsten, unseren Schwerpunkt zu legen.

Unten hinterlasse ich ein nützliches Material, es handelt sich um Bildmaterialien, die die Goldene Regel und die Drittelregel enthalten; bereit, auf der Leinwand festgehalten und nach eigenem Ermessen skaliert zu werden.

 

 

Es gibt andere Formen der Komposition, mit denen wir unsere Illustrationen optisch ansprechender gestalten können. Dies sind: Diagonale, Dreieck und neunzig Grad.

Bei Landschaften ist es nicht ratsam, den Brennpunkt in der Mitte der Abbildung zu platzieren, da dieser Bereich als toter Raum betrachtet wird und die ihn umgebenden Objekte an Bedeutung verlieren, wenn wir möchten, dass der Betrachter seine Aufmerksamkeit auf einen Randbereich lenkt wird nicht möglich sein. weil das Objekt in der Mitte den Rest überschattet.

Abbildungen mit Spiegelungen auf der Wasseroberfläche verstoßen oft gegen die erste Regel über den Horizont im ersten Drittel der Höhe. Diese ist in vielen Fällen in der Mitte platziert, was die Symmetrie hervorhebt, da beide Hälften der Abbildung, die obere und die untere, sehr ähnlich sind, was sie optisch attraktiv macht.

► Linien, die den Blick leiten

Die Kompositionslinien ermöglichen es, den Blick des Betrachters zu bestimmten Punkten in der Komposition zu lenken, an denen sich die wichtigsten Elemente befinden. Aus der Sicht der Komposition sind die Flüsse, die Straßen, die Furchen im Feld, die Hänge ausgeglichener Berge interessant.

S-Linien bestehen aus zwei oder mehr Windungen und wenn sie am Rand der Abbildung beginnen, was sehr häufig vorkommt, leiten sie den Blick des Betrachters vom Rand bis zum Ende der Linie. Eine andere Art sind die konvergierenden Linien, die im Allgemeinen bis zum Horizont reichen. Ihre Konvergenz und damit auch ihre Wirkung. Wie im vorherigen Fall folgt der Betrachter ihnen automatisch und sein Blick gleitet zu ihrem Schnittpunkt. Einige wichtige Zeilen, die wir berücksichtigen müssen, sind die folgenden:

 

HORIZONTALE LINIE: Bietet Stabilität, Ruhe, Gelassenheit und Ruhe.

VERTIKALE LINIE: Im Gegensatz zur vorherigen vermittelt diese das Gefühl von Instabilität und Eleganz.

• DIAGONAL: Diagonalen stehen für Kraft und Bewegung. Alles, was strategisch platziert ist, kann als Orientierung für den Blick dienen; Beispielsweise scheinen diese Wolken aufgrund ihrer Krümmung zum Zentrum zu zeigen.

► Rahmung

Wenn das Hauptobjekt weit entfernt ist, empfiehlt es sich, es zu ergänzen. Beim Einrahmen wird das gewünschte Objekt platziert und dann mit Elementen umgeben, die den Blick des Betrachters auf diesen Punkt lenken. Sie können beispielsweise einige Bereiche um das Hauptobjekt herum hinzufügen, bei denen es sich im Allgemeinen um Bäume in der Natur, Felsen, Wolken, Blumen usw. handelt .

2. Tiefe

Die Verwendung der Tiefendarstellung ist nützlich, um Ebenen hervorzuheben. Auf diese Weise verhindern wir, dass unsere Illustration flach aussieht und sich alle Elemente auf derselben Ebene befinden.

 

 

► Illustrationspläne

Die Pläne sind das Wichtigste beim Aufbau einer Szene. Die Pläne helfen dabei, die Elemente der Illustration in der Reihenfolge ihrer Wichtigkeit aufzubauen. Die dem Blickwinkel am nächsten kommende Aufnahme wird als „Vordergrund“ bezeichnet; die zweitnächste wird „Zweite Ebene“ und die drittweiteste „Dritte Ebene“ genannt, also fortlaufend mit der gewünschten Anzahl an Ebenen.

TIPP: Es wird empfohlen, jede Ebene auf einer anderen Ebene zu zeichnen, um mehr Ordnung und einen besseren Arbeitsablauf zu gewährleisten. Wenn Sie mehrere Ebenen für dieselbe Ebene verwenden müssen, können Sie alle diese Ebenen in einem Ordner ablegen.

In den Ebenenoptionen haben wir oben links ein Symbol mit der Bezeichnung „Palettenfarbe ändern“. Wenn Sie darauf klicken, wird ein Dropdown-Menü mit einigen Standardfarben angezeigt. Wir können jedoch auch unsere eigenen Farben auswählen, indem wir auf die letzte Option im Menü klicken.

• DETAILGRAD

Die Unterschiede in Größe, Farbe und Textur der Flächen vermitteln den Eindruck von Tiefe und Distanz. Es ist wichtig zu berücksichtigen, auf welche Tiefenebene der Fokus der Aufmerksamkeit gelenkt wird, damit die vorherige und die nachfolgende Ebene Sie dorthin führen. Aus diesem Grund müssen wir den Detaillierungsgrad verwalten, die Elemente in unserer Nähe müssen Details aufweisen, während diejenigen hinter unserem Interessenschwerpunkt fortlaufend Details verlieren müssen. Wenn wir sonst alles im Detail zeichnen, wird es für den Betrachter ermüdend, es anzusehen.

► Atmosphärische Perspektive

Die atmosphärische Perspektive gibt an, wie sich ein Objekt vom Betrachter entfernt; Wenn wir uns entfernen, sehen wir dieses Objekt mit verminderter Klarheit, Wertigkeit und Sättigung. Entfernte Objekte scheinen eine kältere Temperatur zu haben. Im Grunde sieht es so aus. Die Farben im Vordergrund sind sehr gesättigt und dunkel, während die im Hintergrund verbleibenden Farben an Sättigung verlieren, sodass wir sie mit reduzierter Klarheit, Helligkeit und Sättigung sehen müssen.

Wir sollten die Farben der Ebenen nicht mit sehr hellen oder sehr dunklen Farbverläufen platzieren, wie unten erwähnt, wo das Bild links schlecht gesättigte Grautöne aufweist, während wir rechts viele Schwarztöne – gesättigte Grautöne – finden. Wenn wir dies tun, wird das Bild unleserlich.

Die harmonische Art und Weise, die Ebenen zu markieren, bestünde darin, Farben mit einem größeren Spektrum an Farbverläufen zu wählen, um die Farbtiefe zu variieren.

Die am weitesten entfernten Objekte haben die Farbe, die der Atmosphäre entspricht. Wie bereits erläutert, sind die am weitesten entfernten Farben hell und ungesättigt. Sie können sogar einen großen Teil des Objekts in der Hintergrundfarbe verlieren.

 

Wenn die Atmosphäre nicht gut gemanagt wird, erhalten wir ein unterschiedliches Ergebnis. Die blaue Atmosphäre der linken Miniatur beruhigt und leitet den Blickpunkt, während auf der rechten Seite keine Verbindung zwischen den Farben besteht. Abgesehen davon, dass sie alle sehr gesättigt sind, wirken sie alle wichtig, sodass wir nicht wissen, wo wir unsere Augen platzieren sollen.

Die richtige Farbgestaltung der Atmosphäre dient dazu, den Blick des Betrachters durch die Komposition zu leiten. Bei dieser Illustration führt uns die Atmosphäre zum Zentrum.

► Größentiefe

Die Platzierung verschiedener Größen hilft uns, eine Illustration hervorzuheben. Kleine, mittlere und große Formen sind Parameter, anhand derer wir wissen, wie nah oder weit ein Objekt entfernt ist. Die größten Dinge sind die, die am nächsten sind, und die kleinsten Dinge sind in der Ferne. Schauen wir uns einige Beispiele an: Die Abbildung links hat keine Tiefe, während das Bild rechts Tiefe in Größe und Farbe zeigt.

In CLIP STUDIO PAINT können wir das Transformationstool verwenden; Wir können die Größe desselben Objekts ändern; Wenn wir die Größe ändern, müssen wir sie vom Objekt im Vordergrund entfernen. Um auf die Transformation zuzugreifen, verwenden wir die Tastenkombination „STRG + T“.

 

Mit der Transformation können wir drehen, skalieren oder ins rechte Licht rücken.

Andererseits sollten, wie wir im vorherigen Abschnitt gesehen haben, Objekte, die in einer Ebene weit vom Hintergrund entfernt sind, gedämpfte Farben haben; Um dies zu erreichen, können wir Verlaufskarten verwenden.

 

• STEIGUNGSKARTEN

Die Funktion befindet sich im folgenden Pfad: Ebene > Neue Tonkorrekturebene > Verlaufskarte.

Wenn wir es öffnen, wird beim Öffnen des Kartenfensters eine neue Ebene über der aktiven Ebene generiert. Der Farbverlauf wirkt sich auf alle darunter liegenden Ebenen aus. Innerhalb dieses Fensters wählen wir den Farbverlauf, der am besten zu uns passt. Wenn wir das Verlaufsfenster schließen, müssen wir es an die darunter liegende Ebene anpassen, damit es nur diese Ebene betrifft. Wir können auch mehrere Ebenen in einen Ordner legen und die Verlaufskarte auf diesen Ordner anwenden, indem wir sie mit ihm verknüpfen, sodass der Verlauf gleichmäßig auf alle Ebenen im Ordner angewendet wird.

Im Eintrag des folgenden TIPP finden Sie eine ausführliche Erklärung, wie Sie die Verläufe einer Verlaufskarte hinzufügen, erstellen und ändern.

 

 

 

Wenn wir den Gradienten so belassen, wie er ist, können wir die Objekte nicht an die Atmosphäre koppeln und somit keinen Tiefeneffekt erzielen; Um es zu lösen, können wir zwei Funktionen verwenden, die das Programm hat.

 

1. DECKKRAFT: Diese Funktion befindet sich in den Ebenenoptionen. Wir können die Werte ändern, indem wir den Prozentbalken verschieben oder den Wert im Feld direkt neben dem Deckkraftbalken numerisch ändern. Damit können wir den Prozentsatz der Sichtbarkeit der Verlaufsebene modulieren.

2. KOMBINATIONSMODI: Es gibt 28 Mischmodi, diese finden Sie in den Ebenenoptionen. Wir müssen wissen, dass die Kombinationsmodi Verdunkelungseffekte, Aufhellungseffekte, Kontrasteffekte und Farbwechseleffekte ergeben. In dem zuvor erwähnten Eintrag „Werkzeuge zum Hinzufügen von Farbe“ gehe ich ausführlich auf Mischmodi ein.

• MAGISCHE ELEMENTE

Indem wir mit unserer Vorstellung von der Realität spielen, können wir Objekte, die normalerweise klein sind, in monströseren Formen zeichnen und so das Ideal einer ungewöhnlichen, magischen Umgebung schaffen.

 

Beispielsweise sind Pilze in der Natur kleiner als Kaninchen, aber wenn wir ihre Größe umkehren, erhalten wir eine jenseitige Umgebung.

► Farbkontrast

Die Verwendung einer Farbe, die im Kontrast zu den vorherrschenden Farben der Komposition steht, zieht zweifellos die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich. Das Bild unten ist ein tolles Beispiel. Für die mittlere Blüte wurde eine kräftigere Farbe gewählt als für die anderen Blüten. Das Ergebnis wird sein, dass der Blick des Betrachters auf diesen Punkt gerichtet wird.

• LUMINOSITÄTS-/SÄTTIGUNGSKONTRAST

Diese Art von Kontrast zeichnet sich dadurch aus, dass die Hintergrundelemente dunkel sind, während der Fokuspunkt hell ist. Im folgenden Bild wandert der Blick des Betrachters über die gesamte Leinwand, landet aber auf die eine oder andere Weise in der Mitte, da das Weiß im Kontrast zu allen anderen Violetttönen steht.

Um die Leuchtkraft unserer Illustrationen zu ändern, können wir die Tonwertkorrekturebenen verwenden, insbesondere: «Farbton/Sättigung/Leuchtkraft» oder «Tonkurve». Wir finden diese beiden Werkzeuge im folgenden Pfad: Ebene > Neue Ebenenkorrektur (J).

• FARBTON/SÄTTIGUNG/LUMINOSITÄT

Wie der Name schon sagt, können wir mit seinen Steuerelementen den Ton, den Kontrast und die Sättigung der Farben in der aktuell ausgewählten Ebene ändern. Wenn wir jede Farbe auf einer separaten Ebene platzieren, können wir sie separat ändern.

 

Indem wir mit der Sättigung der verschiedenen Ebenen spielen, können wir wie oben erläutert Tiefe hinzufügen und mit der Leuchtkraft einen spektakulären Kontrast erzielen und außerdem den Ton modifizieren, obwohl ich sagen muss, dass diese Funktion begrenzt ist, sagen wir das so sein Bearbeitungsgrad ist grundlegend; Die Tonkurve hingegen sorgt für ein abgerundetes Erlebnis.

Tonkurve

 

Im Interface stellen wir fest, dass die linke Seite das Licht und die rechte Seite die Dunkelheit steuert.

Die Schnittstelle ist wie folgt. Wie wir sehen können, befindet sich die Ausgabe links und die Eingabe unten. Das bedeutet, dass die Kurve die Schatten (1), die Mitteltöne (2) und die Lichter (3) darstellt. Indem wir Punkte auf der Kurve erstellen und diese nach links verschieben, erhalten wir Lichter und Schatten nach rechts. Das Zentrum sind die Mitteltöne.

An jedem Ende der Kurve gibt es zwei Punkte. Der erste Punkt ist die Helligkeit (oben rechts). Wenn wir ihn nach unten ziehen, wird er dunkler. Der Punkt unten links ist die Dunkelheit, wenn wir ihn nach oben ziehen, beginnt er aufzuhellen.

 

Indem wir mit den Parametern spielen, können wir die Leuchtkraft unserer Komposition verändern. Wenn wir möchten, dass es nur auf einer Ebene angewendet wird, befestigen wir die Korrekturebene an der unteren Ebene. Durch Klicken auf ein beliebiges Intervall der Mittellinie werden neue Punkte erstellt, mit denen Sie die Farbparameter präzise steuern können.

Oben links finden wir ein Dropdown-Menü, die Standardoption ist RGB. Bei der Anzeige des oberen Menüs finden wir weitere Optionen wie: Rot, Grün und Blau.

 

Mit dem RGB-Modus können wir die Leuchtkraft und Sättigung ändern, mit den anderen drei können wir jedoch eine Farbkorrektur durchführen.

Wenn wir die Option ändern, müssen wir:

 

RGB: Steuert Schwarz-/Weißtöne.

Rot: Steuert Rot-/Cyantöne.

Grün: Steuert Grün-/Magentatöne.

Blau: Steuert Blau-/Gelbtöne.

 

In der Grafik werden wir feststellen, dass sich der Ursprung der Farben ändert, oben Rot, Grün und Blau; unten Cyan, Magenta und Gelb; während es in RGB nur Schwarz und Weiß gibt. Sie können so viele Punkte hinzufügen, wie Sie benötigen. Je mehr, desto besser. So haben wir eine bessere Kontrolle über die Töne.

► Unschärfe

Mit dem Bokeh-Effekt können wir einen visuellen Effekt erzielen, der den Blick des Betrachters lenkt. Beim Fotografieren können Objekte in der Nähe des Objektivs oder in weiter Entfernung unscharf werden, sodass der Fokus auf einem bestimmten Objekt liegt. Das Gleiche können Sie auch in Ihren Illustrationen tun, und zwar mit dem Unschärfe-Werkzeug von Clip Studio Paint. Insbesondere „Gaußsche Unschärfe“ wird verwendet, um diesen Effekt zu erzielen.

Um auf die Gaußsche Unschärfe zuzugreifen, müssen Sie zu folgendem Pfad gehen: Filter > Unschärfe > Gaußsche Unschärfe.

 

Wir wählen das gewünschte Element mit einem der Auswahlwerkzeuge aus. Im angezeigten Menü können wir den Unschärfegrad modulieren.

HINWEIS: Es wird nicht empfohlen, diesen Effekt für Pixelkunst zu verwenden, er wird jedoch für alle anderen Effekte empfohlen, die dies rechtfertigen. Es ist ein Effekt, der auf Realismus ausgerichtet ist.

Das Menü bietet auch andere Arten von Unschärfen wie Bewegung, Radial und Glättung. Sie werden auf die zuvor beschriebene Art und Weise angewendet und entfalten genau die Wirkung, die ihr Name verspricht. Wenn wir beispielsweise den Effekt von fallenden Blättern oder Regen erzeugen möchten, verwenden wir Bewegungsunschärfe. In diesem Effektfenster können wir den Bewegungswinkel, den Grad der Unschärfe und ihre Richtung ändern.

3. Verwendung von Farbe

Wenn in der Szene eine Vielzahl ähnlicher Farben auftauchen, fühlen wir uns wohler, als wenn es eine verwirrende Mischung aus mehreren unterschiedlichen Farben gibt. Aus diesem Grund ist es gut, Farbharmonien zu kennen. Wenn wir sie richtig einsetzen, können wir Paletten erstellen, die unseren Illustrationen Glaubwürdigkeit verleihen. Es gibt fünf wichtige Harmonien, mal sehen, was sie sind:

 

ZU. KOMPLEMENTÄR: Komplementärfarben sind diejenigen, die im Farbkreis entgegengesetzt sind. Diese Kombination bewirkt einen Kontrast.

 

B. ANALOGE: Analoge Harmonie entsteht durch die Implementierung von Farben, die im Farbkreis nahe beieinander liegen. Aufgrund ihrer Nähe lassen sie sich gut miteinander kombinieren.

C. ADJACENT COMPLEMENTARY: Für diese Harmonie nehmen wir eine Farbe, die wir Hauptfarbe nennen, und später nehmen wir zwei benachbarte Farbtöne zu ihrer Komplementärfarbe.

 

D. TRIAD: Um einen harmonischen Dreiklang zu erzeugen, werden drei äquidistante Farben verwendet.

UND. EINFARBIG:

Um Paletten mit dieser Harmonie zu erstellen, werden alle Farben von einer einzigen Farbe abgeleitet, von der die verschiedenen Variationen von Helligkeit und Sättigung verwendet werden. Sie können auch verschiedene neutrale Grautöne hinzufügen.

• FARBWAHL

In der Pixelkunst ist keine große Vielfalt an Farben erforderlich, etwa vier oder fünf Farben für ein Objekt sind mehr als genug, während wir in anderen Illustrationen mehr verwenden können. Sehen wir uns einige Tipps für die Auswahl an.

 

1. GRUNDFARBEN: Es wird empfohlen, Farben zu verwenden, die nicht so gesättigt sind; Das Problem mit gesättigten Farben ist, dass sie das Auge zu sehr stören. Es ist gut, Farben zu wählen, die in der Mitte des Farbdreiecks liegen.

2. LICHTER UND SCHATTEN: Um die Schatten auszuwählen, verwenden wir kalte Farben, während wir für die Lichter warme Farben verwenden. Wenn wir den Farbkreis in zwei Hälften teilen, erhalten wir, dass warme Farben von Rot bis Gelb und kalte Farben von Lila bis Grün reichen.

 

WARME FARBEN: Sie vermitteln dem Betrachter die Empfindungen von hohen Temperaturen, Begeisterung, Leidenschaft, Freude, Liebe, Energie, Wärme usw. Außerdem können sie eine Jahreszeit wie Frühling, Herbst, eine Wüste, usw.

 

KALTE FARBEN: Es ist die Farbe Blau, die am meisten mit kalten Tönen in Verbindung gebracht wird. Wenn sie in anderen Tönen vorhanden ist, trägt sie dazu bei, dass diese als kälter wahrgenommen werden. Je blauer eine Farbe ist, desto kälter wird sie. Kalte Farben hängen mit niedrigen Temperaturen zusammen, sie sind die Töne des Winters, der Nacht, der Meere, Seen, Ruhe, Stille, Einsamkeit, Gelassenheit, Traurigkeit, der Nacht und des Winters usw.

• FANTASYFARBEN

Wenn Sie Ihren Illustrationen einen fantasievolleren Effekt verleihen möchten, empfehle ich die Verwendung von Farben, die in der Natur nicht so leicht zu sehen sind. Wenn wir an eine futuristische Stadt denken, kommen uns Neonfarben in den Sinn, bei Wäldern denken wir an Grün, bei der Wüste denken wir an Gelb und beim Meer an Blau. Wenn wir diese Schemata verlassen, werden wir Atmosphären erhalten, die nicht von dieser Welt sind.

Wir können mit dem Malen mit typischen Farben beginnen und dann die Atmosphäre mithilfe der verschiedenen Korrekturebenen, die wir zuvor gesehen haben, in eine mystischere Atmosphäre verwandeln. Wenn wir mehrere Schichten kombinieren, können wir bessere Ergebnisse erzielen.

Wir können auch den Mischmodus ändern, um mehr Ergebnisse zu erhalten, und die anderen Korrekturebenen wie „Farbbalance“ und „Pegelkorrektur“ ändern.

• FARBKARTEN

Wenn Sie nicht gut darin sind, Farben auszuwählen, können Sie Farbkarten verwenden; Dabei handelt es sich um eine Tabelle mit verschiedenen Farbverläufen oder zufälligen Farben. Sie sind bei CLIP STUDIO ASSETS erhältlich. Um sie zu erhalten, müssen Sie die gewünschte Karte herunterladen, zu „Materialien“ gehen, die Karte nehmen und sie in die „Farbpalette“ ziehen. Fertig, jetzt können Sie diese Auswahl an vordefinierten Farben verwenden.

 

Wenn Sie die Palette „Farbpalette“ nicht geöffnet haben, können Sie dies über „Fenster“ > „Farbpalette“ tun.

4. Fantasy-Effekte

Das Leuchten von Lichtern oder Zaubersprüchen vermittelt die Illusion, etwas Magisches zu sehen, weshalb die Hervorhebung der Lichter von größter Bedeutung ist. Mal sehen, wir haben diese Fee, sie sieht gut aus, aber ein bisschen langweilig, was können wir tun, um sie magischer zu machen?

GLÄNZENDE PARTIKEL

 

Auf einer neuen Ebene mit dem Mischmodus „Überlagern“ wenden wir Partikel an. So scheint es, als würden strahlende Lichter hervortreten und es umgeben.

• GLÜHEN

Es gibt Gegenstände, die einen bestimmten Glanz ausstrahlen, in meinem Fall sollten das Schwert und die Krone, die die Fee hat, leuchten. Um diesen Effekt zu erzielen, erstellen wir eine Ebene mit dem Kombinationsmodus „Überlagerung“* und malen dann mit der Airbrush den ersten Ring des Leuchtens in den umgebenden Bereich.

 

Für das zweite Leuchten erstellen wir eine Ebene mit dem Modus „Starkes Licht“; wir werden sie erneut dort anwenden, wo es nötig ist. Bereit.

Das Hinzufügen dieser Lichteffekte hebt nicht nur die Formen hervor, sondern sorgt auch für einen fantastischen Fokus.

 

HINWEIS: Wenn der Effekt übertrieben auffällig ist, können wir die Deckkraft der Ebene verringern oder sie mit dem Unschärfe-Werkzeug verwischen, um die Intensität zu verringern.

5. Kurzanleitung zu Pixel Art

Daher geht es in diesem Abschnitt nicht direkt darum, wie man Fantasy-Hintergründe erstellt, aber wenn Sie nichts über Pixelkunst wissen und sich damit befassen möchten, wird dieser Abschnitt für Sie nützlich sein. Zusammen mit dem, was Sie oben gelernt haben, können Sie unzählige Fantasy-Pixelkunst-Hintergründe erstellen.

 

 

► Werkzeugeinstellungen

• LEINWAND: Wenn wir unsere Leinwand erstellen, müssen wir berücksichtigen, dass die Leinwände bei der Arbeit mit Pixelkunst klein und mit niedriger Auflösung sein müssen; Diese kleinen Auflösungen verleihen ihm die charakteristische Pixelung. Wir können mit den Maßen „150 x 150“ oder „200 x 200“ beginnen, aber ich rate, nicht über „400 x 400“ hinauszugehen, dann können wir die Leinwand nach Bedarf skalieren. Beachten Sie außerdem, dass die Einheiten in „px“ angegeben werden müssen. Eine Auflösung von 72 dpi ist gut.

• GITTER

Das Raster trägt zu einer besseren Wahrnehmung der Leinwand bei. Schließlich arbeiten wir mit Pixeln. Dieses Raster kann dabei helfen, die Pixel mit den Abmessungen 1 x 1 zu visualisieren.

 

Um das Raster zu öffnen, müssen wir auf die folgende Route zugreifen: Ansicht > Raster (G).

Auf dem gleichen Weg zum Öffnen des Rasters finden wir die Option: „Lineal-/Rastereinstellungen (N)“, mit dieser Option können wir das Raster konfigurieren. Standardmäßig sind die Werte größer als wir benötigen. Für den Pixel-Art-Stil ändern wir die Anzahl der Unterteilungen und Intervalle auf 1. Das Ergebnis dieses Rasters ist perfekt für das, was wir tun möchten.

• WERKZEUGE

Pixelkunst ist nicht so realistisch und erfordert auch nicht so viele Farben und Texturen, um gut auszusehen. Für diesen Stil verwenden wir folgende Werkzeuge: Figur, Auswahl, harte Pinsel, Füllung, Gummi, Lineale, Kombinationsmodi, Tonwertkorrekturebene und Farbverläufe. Bei einigen von ihnen müssen wir die Einstellungen ändern, damit sie in der Pixelkunst funktionieren.

 

1. GLÄTTUNG: Wir müssen die Glättung entfernen, um eine bessere Wahrnehmung der Linie zu erhalten. Im Bild unten haben wir: Links mit Glättung, rechts ohne Glättung.

Für Figur, Auswahl, Pinsel, Füllung und Gummi müssen wir die Glättung auf „Nichts“ ändern. Die Glättungseinstellung finden Sie in den Werkzeugeigenschaften jedes einzelnen Werkzeugs.

Wenn diese Option nicht gefunden wird, können wir sie aus der Konfiguration in die Palette übernehmen. Zuerst öffnen wir die Werkzeugkonfiguration, indem wir auf den Schraubenschlüssel unten rechts klicken; Es öffnet sich ein Fenster, darin gehen wir in den linken Bereich, dort finden wir die Option „Glättung“, die wir anklicken. Jetzt haben wir rechts ein kleines Kästchen, beim Anklicken erscheint ein Auge, das anzeigt, dass die Funktion nun in den Werkzeugeigenschaften angezeigt werden kann.

2. TRANSFORMIEREN: Aufgrund der Natur des Werkzeugs, das auf das Modifizieren großer Bilder ausgerichtet ist, ist es normal, dass das Werkzeug beim Transformieren eines Objekts die Kanten weicher macht. Bei Pixelkunst funktioniert dies jedoch nicht, da die Transformation dadurch unscharf wird.

Um es zu lösen, wählen wir einen Teil der Zeichnung aus, dann öffnen wir mit «STRG + T» die Transformation, in der Werkzeugeigenschaftenpalette finden wir am Ende die Option „Interpolationsmodus“ Im Dropdown-Menü müssen wir die Option auf „Definierte Grenzen (nächster Nachbar)“ ändern.

3. Was die Regeln, Mischmodi, Tonwertkorrekturebene und Farbverläufe betrifft, können wir sie so verwenden, wie sie funktionieren.

 

• SKALA

Wie wir am Anfang gesehen haben, sind die Leinwände für Pixelkunst sehr klein. Wenn wir sie exportieren, wird das Ergebnis sehr klein sein; Um dieses Problem zu lösen, müssen Sie das Bild skalieren.

 

Zunächst gehen wir zu folgendem Pfad: Bearbeiten > Bildauflösung ändern.

Es öffnet sich ein Fenster, in dem wir den Skalenwert ändern. Standardmäßig wird er bei 1 angezeigt. Wir werden die Skala in ganzen Zahlen ändern (1, 2, 3, 4, 5, 6...), um die Proportionen beizubehalten. Zusätzlich ändern wir die Interpolationsmethode auf „Definierte Kanten (nächster Nachbar)“. Wir belassen die Auflösung bei 72 dpi. Fertig, jetzt können wir in einer größeren Größe exportieren.

 

HINWEIS: Eine größere Skalierung von „400 x 400“ sollte nur am Ende der Abbildung erfolgen, da sonst der Pixeleffekt beim Neuzeichnen verloren geht.

► Grundlagen der Pixelkunst

• LINIEN: Wenn wir mit der Pixelkunst beginnen, ist es normal, geladene Linien zu erstellen. Diese Linien werden als Doppellinien bezeichnet. Das bedeutet, dass wir zwei Pixel statt einem malen. Damit unsere Arbeit gut aussieht, wird empfohlen, dass alle Linien sauber aussehen und nicht mehr als ein Pixel enthalten. Wenn dies nicht möglich ist, können wir den Überschuss mit dem Radiergummi in sehr kleiner Größe entfernen.

 

Die Qualität der Linie sollte berücksichtigt werden, wenn Sie an kleinen Objekten arbeiten, die einen Umriss erfordern. Wenn Sie jedoch an großen Elementen arbeiten, die keinen Lineart erfordern, müssen Sie sich darüber wegen der Füllung keine Sorgen machen wird nicht auffallen.

• FARBEN MISCHEN

Daher können wir die Farben nicht wie in der traditionellen Malerei mischen, sondern in der Pixelkunst wird darauf geachtet, Textur zu verleihen. Wir erreichen diese Textur, indem wir Muster zwischen den Farben erstellen, das heißt, indem wir ein paar Pixel einer Farbe und die darauffolgenden Pixel einer anderen Farbe belassen.

Wir können dies mit nützlichen Standardpinseln tun, ich empfehle jedoch das folgende Pinselpaket, das Sie von CLIP STUDIO ASSETS herunterladen können:

 

 

6. Verwendung von Vermögenswerten

Um ein Objekt im Pixel-Art-Stil zu erstellen, müssen wir seine Form so weit wie möglich vereinfachen, aber es gibt Zeiten, in denen wir mit bestimmten Formen oder Texturen nicht gut umgehen können. In diesem Abschnitt lernen wir den Umgang mit Materialien.

 

• VERMÖGENSWERTE HERUNTERLADEN

Materialien können geformte Pinsel, Bildmaterialien oder 3D-Primitive sein. Um sie zu erhalten, gehen wir zu CLIP STUDIO ASSETS. Sobald wir dort sind, suchen wir nach dem, was wir wollen, und laden es herunter. In meinem Fall verwende ich als Beispiel einen Wal, aber Sie können auch Autos, Burgen, Häuser, Städte usw. finden.

 

 

• MATERIALIEN HINZUFÜGEN

Die heruntergeladenen Materialien werden im rechten Bereich des Programms im Abschnitt „Materialien“ angezeigt, genauer gesagt im Ordner „Downloads“. Um sie hinzuzufügen, müssen wir das Material auswählen, es auf die Leinwand ziehen und dort ablegen.

 

Das Material wird im Vergleich zu unserer sehr kleinen Leinwand groß sein, deshalb skalieren wir das Material auf die von uns benötigte Größe.

• 3D-Primitive

Darüber hinaus können wir mithilfe von 3D-Primitiven unsere eigenen Strukturen erstellen. Die 3D-Primitive finden wir unter: Materialien > 3D > Primitive.

 

Wie im vorherigen Fall ziehen wir das Grundelement auf die Leinwand. Wenn Sie auf die Figur klicken, erscheint eine Reihe von Pfeilen, mit denen wir die Figur drehen, die Größe ändern, verschieben usw. können. Durch die Kopplung mehrerer Grundelemente können wir Strukturen bilden.

• MATERIAL BEARBEITEN

Anstatt es zu bearbeiten, werden wir es übermalen. Erstens verringern wir bei Bedarf die Deckkraft der Materialebene, zweitens erstellen wir darüber eine neue Ebene, auf der wir die Form und Farben mit den oben erläuterten Techniken malen. Fertig, wir haben jetzt ganz einfach einen Wal im Pixel-Art-Format. Mit den 3D-Primitiven machen wir dasselbe.

Wenn es sich bei unserem Objekt um ein 3D-Material handelt, bei dem wir den Blickwinkel ändern können, ist es perfekt für Szenarien, wir müssen es nur in den gewünschten Winkel drehen.

• TEXTUREN

Für Texturen müssen wir die Verwendung von Pinseln in Betracht ziehen, die von CLIP STUDIO ASSETS heruntergeladen wurden. Mithilfe von Schlüsselwörtern (zum Beispiel: Blumen) können wir Pinsel mit nahezu jeder Textur finden. Unter vielen finden wir einige zum Gestalten von Landschaften, wie zum Beispiel:

 

 

7. Arbeitsablauf

• PIXEL-KUNST

PHASE 1: Landschaftsskizze. Mir kam der Gedanke, dass ich eine kleine Insel mit einer Burg bauen könnte, umgeben von Wasser und Wolken. Für die Zusammensetzung der Elemente habe ich die Drittelregel verwendet. Bezüglich des Schlosses habe ich ein Materialbild verwendet, das ich von CLIP STUDIO ASSETS heruntergeladen habe.

 

 

 

Malen Sie eine Schicht darunter in Grau. Es ist gut, eine Ebene in dieser Farbe zu haben, sie hilft uns, die Elemente klarer zu erkennen.

Phase 2: Grundfarben. Verwenden Sie eine Verlaufsebene, um die Farbe des Schlosses so zu ändern, dass es besser zur Atmosphäre passt. Dann habe ich mit einem Pinsel die anderen Elemente mit ihrer Grundfarbe bemalt. Ich habe eine rosa/gelbe Farbpalette verwendet, die Art von Farben, die bei mir einen fantasievollen Eindruck hinterlassen, Farben, die man in der Natur nicht so leicht sieht.

Phase 3: Sobald ich eine Vorstellung davon habe, wo ich die Schatten platzieren soll, beginne ich mit der Platzierung ihrer Formen.

Phase 4: Effekte. Gruppieren Sie alle Wolkenebenen in einer Ebene und duplizieren Sie sie dann mit „STRG + C“ und „STRG + V“. Ich habe die Ebene mit dem Transformationswerkzeug (STRG + T) invertiert und die Deckkraft verringert, um ihr den Reflexionseffekt im Wasser zu verleihen.

Phase 5: Details. Verwenden Sie verschiedene Pinsel, um dem Schloss und dem Hintergrund Textur zu verleihen und Verzierungen wie Sterne und Monde hinzuzufügen. Denken Sie daran, alles durch Ebenen und Ordner zu trennen.

Nachdem ich ein paar weitere Details hinzugefügt hatte, kam ich zu diesem Ergebnis. Wenn wir die Farbe der Komposition ändern, eine Farbe hervorheben oder die Lichter und Schatten korrigieren möchten, können wir die in den vorherigen Abschnitten erläuterten Korrekturebenenfunktionen verwenden.

ANDERE STILE

 

Wie ich zu Beginn der Präsentation sagte, trägt die Anfertigung von Miniaturen der Illustrationspläne dazu bei, unsere Idee zu verwirklichen. In diesem Fall habe ich mich dafür entschieden, ein riesiges Meereskleid in einer Fantasiewelt aus riesigen Pilzen anzufertigen.

Für die Komposition habe ich die Drittelregel verwendet. Ich beginne damit, eine Skizze zu erstellen und die Elemente so zu platzieren, wie ich es für richtig halte. Meine Skizzen sind nie detailliert, ich gebe ihnen mit Farbe Form.

Als nächstes verringere ich die Deckkraft der Skizze. Nachdem ich mehrere Schichten aufgetragen habe, fange ich an, die Farbblöcke zu malen. Alles in Teilen. In diesem Fall habe ich mit dem Meer begonnen.

Um die Schatten zu definieren, ist es immer gut, die Grauskala zu verwenden. In meinem Fall habe ich bei der Erstellung der Miniaturansicht am Anfang die hellen und dunklen Werte ausgewählt. Im Farbkreis habe ich diejenigen ausgewählt, die weit von Grau entfernt sind. Ich möchte, dass es wie ein Meeresboden aussieht. Mithilfe einer Verlaufskarte wechsle ich zu Graustufen, um die Hell- und Dunkelwerte besser erkennen zu können.

Um das Wasser aufzuhellen, verwenden Sie eine hellere Grünfarbe, malen Sie mit der Airbrush die Richtung des Lichts und verwischen Sie es dann mit dem Unschärfewerkzeug, damit die Änderung nicht so abrupt wird. Auch mit Spaltpinseln habe ich diesen Effekt wie Blasen erzielt.

Fügen Sie nun das Mädchen und den Hintergrund hinzu. Für den Hintergrund habe ich mehrere Pilze nach dem Prinzip der Tiefe nach Größe gezeichnet, die nächsten sind groß, während die im Hintergrund klein sind. Die Farben folgen dem Prinzip, dass Objekte im Vordergrund dunkle Farben haben, während Objekte in der Ferne ungesättigt sind. Zum Schluss fügen Sie die Tentakel des Seeungeheuers hinzu; Um einen Kontrast zum Hintergrund zu schaffen, habe ich mit der Airbrush und dem Mischmodus „Dodge“ einen roten Schimmer erzeugt.

Da mir das Ergebnis der Farben nicht wirklich gefällt, werde ich „Tonkurve“ verwenden, um ihre Werte zu ändern.

Mit der Ebenenmaske lösche ich die Teile und ändere die Tonkurve, die ich nicht benötige. Die Ebenenmaske ist die weiße Miniaturansicht, die auf der rechten Seite der Ebene angezeigt wird.

Die Ebenenmaske ist die weiße Miniaturansicht, die auf der rechten Seite der Ebene angezeigt wird. Wenn wir auf das weiße Miniaturbild klicken, können wir Abschnitte des Farbverlaufs löschen; Abhängig von der Art des Radiergummis können wir harte oder weiche Kanten erzielen.

Als Ergebnis haben wir:

Lebewohl

Ich wollte den Zeitraffer des Burgvorgangs hinzufügen, habe aber vergessen, die Aufzeichnung zu aktivieren. Schade, aber gut. Ich hoffe, dass Ihnen das, was Sie in diesem Tutorial sehen, gefällt und dass es hilfreich für Sie ist. Es tut mir leid, dass es so lang ist. Nun, ohne etwas zu sagen: Vielen Dank, dass Sie so weit gekommen sind! ପ(๑•̀ुᴗ•̀ु) ॣ৳৸ᵃᵑᵏ Ꮍ৹੫ᵎ ॣ

 

Hoch vibrieren!!!

Wir sehen uns kein zweites Mal ( •⌄• ू ) ✧