Einleitung
Okay … ich weiß, warum du hier bist, ich WEISS, dass du sie süß findest! Ich urteile nicht, ich auch, Kumpel, ich auch … ich bin der Typ, der stundenlang gedankenlos Pinnwände mit „Pinn deine Interessen“ durchblättert und versucht, herauszufinden, wie zum Teufel sie das machen! Kawaii POP-Art ist einfach … auf den Punkt!
Hast du jemals „Myuse and dash“ gespielt? (die Namen werden übrigens absichtlich geändert). Wenn nicht, spiel es oder schau dir wenigstens ihre Kunst an. Also … Alter, ihre Sprites im Spiel sind wahnsinnig schön und süß, die Farbpaletten, Details, Strichzeichnungen, Halbtonarbeiten und Designs. Es ist die perfekte Balance zwischen POP-Art und kawaii-Ästhetik. Ich wage zuzugeben, dass sie eine wirklich gute Referenz für diese Art von Kunst auf dem Markt sind, und obwohl ich bei Rhythmusspielen nicht so gut bin, spiele ich dieses hier trotzdem nur wegen der Designs und Animationen, und ich strebe schon lange danach, ihr Niveau an Niedlichkeit und Qualität zu erreichen, also ist es eine große Inspiration für mich.
Und diese Spielkunst wird meine Hauptinspiration für dieses Tutorial sein. Ich bin ziemlich begabt in kawaii bunten Illustrationen, da ich sie im Grunde mein ganzes Leben lang „süß gezeichnet“ habe, und ich hoffe, dass ich heute ein wenig von meiner Besessenheit in Ihr Gehirn und Ihr Muskelgedächtnis fließen lassen kann, wenn Sie bereit sind, diese Reise mit mir zu unternehmen!
Also, ohne weitere Umschweife, fangen wir an!
Konzept
Bevor wir anfangen, fragen Sie sich bestimmt, was zum Teufel „Moe“, „Pop“, „kawaii“ ist? Oder vielleicht haben Sie bereits eine ungefähre Vorstellung davon, was das ist, aber wenn Sie zufällig mit dem Fallschirm hierher gefallen sind, lassen Sie mich erklären, was diese Begriffe bedeuten:
Pop-Art ist eine Kunstbewegung, die in den 1950er Jahren entstand und in den 1960er Jahren in Amerika und Großbritannien florierte und sich von Quellen der Pop- und kommerziellen Kultur inspirieren ließ. Verschiedene Kulturen und Länder trugen in den 1960er und 70er Jahren zu dieser Bewegung bei (siehe Schriftartreferenzen)
Pop-Künstler verwendeten das Aussehen und den Stil der Massenkultur, um ihre Kunst zu schaffen, und integrierten dabei oft Bilder aus Comics, Hollywood-Filmen, Werbung, Produktverpackungen und Popmusik. Sie zerschnitten, überarbeiteten und kombinierten verschiedene Popkultur-Referenzen, um kräftige, einfache Bilder von Alltagsgegenständen zu erstellen, die in leuchtenden Farben bemalt waren. Einige häufige Motive waren Suppendosen, Verkehrsschilder, Hamburger und Prominente.
Schriftart: https://www.tate.org.uk/art/art-terms/p/pop-art
Was die „Moe/Kawaii“-Ästhetik betrifft, ist „Moe“ (萌え/もえ) ein japanischer Begriff, der das Subgenre der Anime- und Manga-Grafiken beschreibt, bei denen Niedlichkeit und Unschuld im Vordergrund stehen. Der Begriff, der stark in Richtung Kawaii und feminine Grafik tendiert, wird für Charaktere verwendet, die Gefühle der Zuneigung und Verehrung hervorrufen. Die Moe-Ästhetik stellt diese Charaktere in den Mittelpunkt.
Ihre Ästhetik besteht im Wesentlichen aus:
♥ Weiches und abgerundetes Design*
♥ Kawaii-Bilder*
♥ Chibi- oder Miniaturproportionen (z. B. „kätzchenförmige“ Totenköpfe)*
♥ Kemono Mimi*
♥ Nendoroid/Moe-Anime-Figuren*
♥ Bishoujos und Bishounens*
♥ Ästhetische oder bearbeitete Anime-Bilder*
♥ Niedliche Outfits voller Details/Overdesigns*
Schriftart: https://aesthetics.fandom.com/wiki/Moe
Müder Pop!
Durch die Verschmelzung dieser beiden Stile entsteht Moe POP, das eine einzigartige und optisch ansprechende Ästhetik schafft:
Niedliche Charaktere, kräftige Farben: Die charmanten Charakterdesigns von Moe werden beibehalten, aber mit der lebendigen Farbpalette der Pop-Art angereichert. Dadurch entsteht ein markanter Kontrast zwischen Niedlichkeit und Ausdruckskraft.
Dynamische Komposition: Die Betonung der Komposition und grafischer Elemente der Pop-Art wird auf die Moe-Kunst übertragen, was zu dynamischeren und optisch interessanteren Stücken führt.
Verspielt und energisch: Die Kombination aus Moes Unschuld und der Energie der Pop-Art schafft eine verspielte und optimistische Atmosphäre.
Lass uns zeichnen!
Niedliche Designs
Der Kunststil „Kawaii/Moe“ verkörpert dieses Konzept, indem er kindliche Unschuld, Charme und eine weibliche Welt betont. Für manche kann es ziemlich schwierig sein, diesen Stil zu erreichen, daher sind folgende Schlüsselmerkmale beim Zeichnen zu beachten:
Große, ausdrucksstarke Augen:
Kleine oder empfindliche Münder:
Abgerundete Formen; Für Körper, Köpfe und Objekte werden weiche, runde Formen verwendet:
Chibi/kindlich, Miniaturproportionen oder übertriebene Merkmale (z. B. „kätzchenförmige“ Totenköpfe):
Skizzieren
Unter Berücksichtigung dieser Schlüsselaspekte werde ich mein Stück skizzieren. Es werden einige meiner Figuren in einem einfachen Set eines Maid-Cafés sein. Ich werde nicht zu viele Details einbauen, da ich ein Feind von handgezeichneten Hintergründen bin. Außerdem liegt mein Fokus hier auf der Figur und die späteren Dekorationen könnten etwas Leerraum füllen.
Lineart-Regeln (oder Tipps)
Denken Sie immer daran: Wenn Sie Kunst mit vielen Details machen, wählen Sie immer dünne und feine Linien. Bei einer flachen/einfachen Darstellung sollten Sie sich eher auf dickere Linien konzentrieren, die innen dünn und wellig und außen dicker sind. Meiner Meinung nach ist dieser Stil der Strichzeichnung am besten für Kawaii-Pop-Art geeignet, da das Werk am Ende sehr detailliert sein wird und die dickeren Linien dabei helfen, die Elemente besser voneinander zu trennen.
Scheuen Sie sich nicht, Ihrem Werk zufällige Details oder surreale Elemente hinzuzufügen. Wir versuchen auch, unsere Strichzeichnungen nicht mit unnötigen Details zu verunstalten und können dies durch das Hinzufügen zufälliger Objekte und Dekorationen ausgleichen.
Färbung
Farbe… Theorie?
Hier sind wir, die Ziege der Pop-Art, die Farben! Das wird wahrscheinlich der wichtigste Abschnitt dieses gesamten Tutorials sein, also bitte aufgepasst! Und alles beginnt mit:
Farbrad
Ein Farbkreis, basierend auf Rot, Gelb und Blau, den Primärfarben. Sir Isaac Newton entwickelte 1666 das erste kreisförmige Farbdiagramm, und seitdem ist es ein traditionelles, häufig verwendetes Werkzeug im Bereich der Kunst.
In der traditionellen Farbtheorie (verwendet bei Farben und Pigmenten) sind Primärfarben die 3 Pigmentfarben, die nicht gemischt oder durch eine Kombination anderer Farben gebildet werden können. Alle anderen Farben werden von diesen 3 Farbtönen abgeleitet.
Sekundärfarben: Grün, Orange und Lila, das sind die Farben, die durch Mischen der Primärfarben entstehen.
Tertiärfarben: Gelborange, Rotorange, Rotviolett, Blauviolett, Blaugrün und Gelbgrün sind die Farben, die durch Mischen einer Primär- und einer Sekundärfarbe entstehen. Deshalb besteht der Farbton aus zwei Wörtern, wie beispielsweise Blaugrün, Rotviolett und Gelborange.
Farbton, Wert und Sättigung
Jede Farbe besteht aus drei Komponenten:
Farbton ist die spezifische Farbe, die sie von anderen Farben auf dem Farbkreis unterscheidet.
Wert stellt die relative Helligkeit oder Dunkelheit einer Farbe in Graustufen dar. Der Wert ist wichtig, um Kontrast und Tiefe in der bildenden Kunst zu erzeugen.
Sättigung, auch Chroma oder Intensität genannt, beschreibt die Reinheit und Lebendigkeit einer Farbe. Die Sättigung kann von vollständig gesättigt (lebendig) bis entsättigt (grau) variieren.
Farbharmonie
Aber wie verwendet man sie nun auch bestimmungsgemäß?
Die Farbtheorie ist kein festes „Regelbuch zur Farbauswahl“, dem Sie folgen müssen, sondern nur eine Studie, die Ihnen dabei helfen soll, zu verstehen, wie Farben zusammenwirken können und wie Sie eine zufriedenstellendere und harmonischere Farbpalette für Ihr Stück finden, ohne dass es langweilig oder seltsam aussieht. Daher gibt es viele Farbauswahltechniken, mit denen Sie Ihre eigene Farbpalette erstellen können. Einige der am häufigsten verwendeten sind:
Achromatisch
Verwendung nur von Schwarz, Weiß und Halbtönen dazwischen.
Monochromatisch
Kombination verschiedener Versionen derselben Farbe für einen einheitlichen und eleganten Look.
Analog
Ein analoges Farbschema umfasst drei benachbarte Farben im Farbkreis. Dieses Schema ist in der Natur häufig zu sehen.
Komplementär
Komplementärfarbschemata kombinieren Farben, die sich beim Mischen gegenseitig neutralisieren, was normalerweise zu einem Weiß-Schwarz-Kontrast führt, wenn Sie sie in einem Graustufenton kombinieren.
Triade
Ein triadisches Farbschema besteht aus drei Farben, die gleichmäßig im Farbkreis verteilt sind und oft einen harmonischen und dennoch optisch auffälligen Kontrast bieten. Sie wirken lebendig, auch wenn den einzelnen Farbtönen die Lebendigkeit fehlt.
Split-komplementär
Bei Farbschemata mit geteiltem Komplementärfarbschema vermischen Designer die Prinzipien von Komplementär- und Analogfarben. Sie wählen die Komplementärfarbe zu ihrer Primärfarbe aus und fügen dann die benachbarten Farben im Farbkreis hinzu.
Quadrat
Das tetradische Farbschema umfasst zwei komplementäre Farbpaare. Dieses Schema kann lebendige Bilder erzeugen, doch für Designer ist es eine Herausforderung, ein Gleichgewicht zu erreichen.
Pop & Moe Paletten
Jetzt, da wir gelernt haben, wie man Farben auswählt, können wir loslegen! Und nutze die Gelegenheit auch, um etwas über einige Paletten in der Pop- und Moe-Kultur zu lernen:
Eine Farbpalette ist eine sorgfältig ausgewählte Gruppe von Farben, die gut zusammenpassen. Sie ist wie der Werkzeugkasten eines Malers und bietet die wesentlichen Farbtöne für die Erstellung eines optisch ansprechenden und stimmigen Designs.
Moe verwendet mehr Pastell- und helle Farbpaletten und orientiert sich eher an einer analogen Farbwahl, insbesondere Rosa, Blau und Lila, während in der Pop-Art kräftige und komplementäre Farbpaletten wie Gelb, Rot und Blau verwendet werden. Die Idee besteht darin, niedliche Farben mit hohem Kontrast zu verschmelzen und so das zu schaffen, was wir Kawaii-Pop-/Dark-Pop-Paletten nennen:
Der Unterschied zwischen den Stilen bei der Farbauswahl besteht im Wesentlichen in der Lebendigkeit der Farbe und dem Kontrast (unter Verwendung der Harmonietechnik). Moe Pop wählt immer die kontrastreichsten Farben mit einem niedrigen Sättigungswert, während Pop das Gegenteil tut und den höchsten Kontrast und den dunkelsten Sättigungswert wählt, um eine beeindruckende Palette zu erstellen.
Wie Sie sehen, sind sie alle ziemlich farbenfroh und ziehen leicht die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich.
Anwenden von Farben auf Ihre Illustration
Dies ist die Palette, die ich verwenden werde. Die Harmoniemethode, die ich verwendet habe, um dies zu erreichen, war die quadratische/komplementäre Methode. Sie besteht grundsätzlich aus Pink, das direkt mit Neoncyan und leuchtendem Gelb kontrastiert, während Dunkelblau und Lila mit Pink und Grün kontrastieren.
Die dunkleren und weniger hellen Farben werden im Hintergrund sein, da ich den Rahmen so plane, dass er die Aufmerksamkeit auf die Figur lenkt. Sie können je nach Ziel Ihres Konzepts auch das Gegenteil tun.
Denken Sie daran, Ihre Farben gleichmäßig zu verteilen, sie kontrastierend nebeneinander zu platzieren und zu versuchen, sich wiederholende Farbmuster mit ähnlichen Tönen zu vermeiden. Sobald Sie Ihren Graustufeneffekt mit einer weißen Farbebene darüber erreicht haben, sollte Ihre Illustration in möglichst vielen Bereichen einen hohen Kontrast aufweisen:
Meine Rendertechniken
Schattierung
Meine Schattierungstechnik besteht aus einer einzigen Mehrfachschicht. Mit einer satten Fliederfarbe schattiere ich die Zeichnung gleichmäßig mit „flachen“ Strichen, füge dann Komplementärfarben am Rand hinzu und vertiefe die Schattierungsdetails mit einem Wischwerkzeug. Ich detailliere nicht alle Teile des Stücks, da das für das, was ich vorhabe, zu viel wäre. Also fügen wir einfach einen kleinen Komplementärfarbreflex an der Seite hinzu, um es spiegelähnlich und unscharf zu machen.
Dieses Tutorial hilft Ihnen möglicherweise dabei, ein ähnliches Ergebnis zu erzielen.
Hervorheben und Kontrast
Nun zur geheimen Technik für den Hochkontrasteffekt. Ich wette, Sie sind es gewohnt, für Ihre Glanzlichter Addieren oder Abblenden zu verwenden, und Sie liegen nicht falsch, sie eignen sich ziemlich gut für realistische und einfache Glanzlichter, aber wir wollen Kontrast, wir wollen Farben! Deshalb werde ich Sie jetzt bitten, Ihre Lichtebene vorsichtig auf „hartes Licht“ einzustellen, einen häufig verwendeten Effekt für übertriebene und surreale Beleuchtung.
In diesem Modus sind die Farben am Ende extrem kräftig, verhalten sich aber immer noch wie Glanzlichter, und hier wird es interessant: Sie spüren möglicherweise, wie sich der Kontrast rundherum verstärkt.
Feinschliff und Halbtöne
Halbtöne werden häufig in Comics und in der Pop-Art verwendet, ehrlich gesagt sind sie überall, und meiner Meinung nach zeichne ich lieber jedes Detail von Hand, lösche die Kanten, rastere die Ebene und sperre sie auf Alfa. Dann färben wir jedes Detail mit hohem Kontrast und Komplementärfarben und fügen den Teilen, auf die man nicht aufmerksam machen möchte, auch einige analoge Farbtöne hinzu, da es sich um ein komplexes Werkzeug handelt:
Schritt 1: Zeichnen Sie den Effekt von Hand mithilfe der Tonfunktion in der Ebeneneigenschaft.
Schritt 2: Rastern Sie die Tonebene, klicken Sie auf Bearbeiten und konvertieren Sie Helligkeit in Deckkraft
Schritt 3: Sperren Sie die Ebene mit Alfa und malen Sie die Töne mit der Kontrastfarbe. In diesem Fall verwende ich Cyan, Lila usw.
Und fertig!
Dekorationen & Materialien
Organisieren & Dekorieren
Nun kommen wir zum Organisieren der Dekorationen (Skizzieren). Es ist wichtig, auch die Größe der Objekte ausgewogen zu halten. Kleine Objekte werden immer von größeren Objekten umgeben sein und sie sollten besser in 3 Elementen gepaart werden, wie folgt:
Mit den Materialien, die ich am Ende dieses Artikelkatalogs hinzufügen werde, werde ich das Gelände für die Hauptdekorationen, Sterne, vorbereiten! Und platziere zuerst einige kleinere Objekte herum (vergessen Sie nicht, auch ihre Farben kontrastieren zu lassen), und konzentriere dich auf die Platzierung dort, wo deiner Meinung nach Details fehlen, und es gibt viele Stellen wie diese in diesem Stück, die ich nicht detailliert ausarbeiten möchte, also nimm dir diesen Tipp zu Herzen.
Jetzt ist es Zeit, die Sterne zu zeichnen. Ich mache das von Hand mit einem Kohlestift, um einige zusätzliche Details hinzuzufügen. Die Farbe der Sterne ist der kontrastreichste zur Umgebung, nämlich Gelb! Wenn Ihr Stück jedoch anders aufgebaut ist, denken Sie daran, dass Ihr Dekor möglicherweise eine andere Farbe benötigt, um einen hohen Kontrast zu erzielen. Finden Sie es also mithilfe einiger Harmonietechniken heraus.
Das Gleiche gilt für den Schriftzug, den Gelb- und Cyankontrast. Wenn wir fertig sind, fügen wir allem einen weißen Umriss hinzu.
Ebene nach Effekten
Um das Aussehen zu verbessern, sind möglicherweise Farb- und Schattierungsanpassungen erforderlich. Kopieren Sie dies also, um Ihr Stück mit Layer-After-Effects fertigzustellen!
Abschluss
Das war ein verdammt umfangreiches Tutorial, aber wenn Sie bis zum Ende dabeigeblieben sind, hoffe ich, dass es für Sie nützlich war. Hören Sie außerdem nicht auf, mit neuen Farben und Techniken zu experimentieren. Die weiße Leinwand ist Ihr Spielplatz und Sie sind noch ein kleines Kind mit strahlenden Augen! Also verfeinern Sie Ihr Handwerk weiter und geben Sie niemals auf! Schließlich ist es einfach das Beste, unsere eigenen Universen erschaffen zu können!
Tschüß!
Materialkatalog:
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