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¡Hola! 🌟 Hablamos tamil. Te damos la bienvenida a este tutorial sobre cómo crear una ilustración vibrante y colorida en Clip Studio Paint. En esta guía, profundizaremos en las técnicas y los procesos creativos para darle vida a una pieza inspirada en el arte pop, llena de colores llamativos y energía dinámica.

 

Al final de este artículo, verás cómo transformo mi lienzo digital en una llamativa ilustración de arte pop de una niña. ¡Espero que te inspire a crear tus propias obras maestras vibrantes!

 

Mi video se centra en repasar mi proceso de ilustración, pero en este artículo me centraré en muchos aspectos fundamentales de la teoría del color. Te ayudará a prepararte para los colores dinámicos y a volverte loco con tu arte.

¿Qué son los esquemas de color?

Los esquemas de color hacen referencia a las combinaciones o disposiciones específicas de colores que se utilizan en el diseño y la ilustración. En el diseño, estos esquemas suelen describir los colores naturales de los objetos o materiales en condiciones de iluminación neutra. Sin embargo, en las ilustraciones, los esquemas de color desempeñan un papel crucial a la hora de transmitir el estado de ánimo o el ambiente. Es importante tener en cuenta que los colores locales de una ilustración se ven influenciados por los colores ambientales circundantes.

^mi vieja pintura que hice con colores rosas para las nubes :)

Como artistas digitales, tenemos la ventaja de tener miles de colores a nuestro alcance, a solo un clic de distancia. Además, las capas de ajuste suelen considerarse una solución rápida para cualquier problema de coloración. Si bien es útil aprovechar estas herramientas para lograr eficiencia, hay ciertos principios que debe conocer (y que, a veces, no cumple). En esta sección, compartiré algunos consejos esenciales sobre la teoría del color para ayudarlo a elegir esquemas de color más efectivos para sus obras de arte.

Los esquemas de colores armoniosos nos permiten crear combinaciones de colores visualmente agradables. También desempeñan un papel fundamental a la hora de transmitir un estado de ánimo o una sensación específica al espectador.

¿Sientes la diferencia de humor al mirar colores más enfocados en el verde?

Teoría del color

La teoría del color nos ayuda a entender cómo funcionan las diferentes combinaciones de colores y cómo los colores no siempre son lo que parecen a primera vista.

 

Cuando los colores se colocan uno al lado del otro, interactúan de diversas maneras. Algunos colores se complementan entre sí, lo que hace que destaquen, mientras que otros pueden chocar, lo que hace que ambos se vean opacos. La teoría del color nos enseña que ciertas combinaciones en el círculo cromático pueden crear armonía cuando se usan juntas en una obra de arte o diseño. A continuación se muestra un gráfico conocido que ilustra combinaciones de colores armoniosas basadas en estos principios.

Las combinaciones armoniosas de colores pueden parecer limitadas, ya que existen seis combinaciones principales: monocromática, análoga, complementaria, complementaria dividida, triádica y tetrádica. Cada una ofrece una forma única de equilibrar y contrastar los colores, lo que proporciona una base sólida para crear obras de arte visualmente agradables.

Diferentes tipos de armonías

Complementarios: dos colores que se encuentran uno frente al otro en el círculo cromático crean una combinación de alto contraste y gran impacto. Cuando se usan juntos, estos colores parecen más brillantes y prominentes, lo que hace que destaquen de manera efectiva.

Monocromático: tres tonos, matices y matices de un único color base crean una combinación sutil y conservadora. Este enfoque versátil es fácil de aplicar en proyectos de diseño y ofrece un aspecto armonioso y equilibrado.

Análogo: tres colores uno al lado del otro en el círculo cromático forman un esquema de colores análogo. Si bien esta combinación es versátil, puede resultar abrumadora si no está equilibrada. Para lograr la armonía, seleccione un color dominante y utilice los demás como acentos.

Triádico: tres colores espaciados uniformemente en el círculo cromático crean un esquema de color triádico. Ofrece un alto contraste, aunque menos intenso que un esquema complementario, lo que lo hace más versátil. Esta combinación da como resultado paletas de colores vibrantes y audaces.

Tetrádico: cuatro colores espaciados de manera uniforme en el círculo cromático crean un esquema de color tetrádico. Esta combinación audaz funciona mejor cuando un color es dominante y los demás se utilizan como acentos. Cuantos más colores haya en la paleta, más difícil será lograr el equilibrio.

Utilicé un esquema de color tetrádico para mi ilustración. Me ayudó a limitar los colores y, al mismo tiempo, a desafiar mis habilidades artísticas.

¡Hay muchos sitios web disponibles para ayudarte a elegir excelentes colores y muchos de ellos son gratuitos!

Yo personalmente he utilizado Paletton, pero no es la única forma de hacer combinaciones de colores. No dudes en experimentar y hacer las tuyas propias.

Recuerde que los esquemas de color implican más que combinaciones de tonos; también incluyen variaciones en valor e intensidad. Estos tres factores (tono, valor e intensidad) se conocen como las tres propiedades del color.

TINTE: hace referencia a los nombres tradicionales de los colores, como "azul" o "amarillo". En el espectro, los tonos se suelen enumerar como ROYGBIV (rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo, violeta).

 

INTENSIDAD: también conocida como saturación o croma, se refiere a la pureza de un tono. Determina qué tan vívido o apagado se ve el color.

 

VALOR: indica la claridad u oscuridad de un color. Por ejemplo, un rojo de alto valor se ve como rojo brillante o rosa cuando se reduce su intensidad.

Ejemplos de combinaciones de colores

Si bien estas tres variables ofrecen una amplia gama de posibilidades para los esquemas de color, la pregunta sigue siendo: ¿existen realmente opciones ilimitadas?

 

A continuación, se muestran algunos esquemas de color que apliqué en mi ilustración, que muestran varias combinaciones armoniosas inspiradas en el gráfico de la teoría del color anterior.

En términos generales, puede que algo no funcione bien, incluso si los colores siguen las reglas (ejemplos anteriores). Es posible que no funcionen tan bien como te gustaría. ¿Cuáles son algunas formas de refinar estas combinaciones y mejorar el impacto general?

1 - Aunque es opcional, siempre ordeno mi esquema de colores en función de sus niveles de valor. Este enfoque facilita la aplicación de los colores a una ilustración o un diseño. Por ejemplo, los colores de acento oscuros se pueden utilizar para el arte lineal, mientras que los colores más claros funcionan bien para los reflejos, los elementos del cielo o las fuentes de luz.

2 - Suelo disminuir la saturación de los colores a medida que van pasando de tonos más claros a más oscuros. Este método ayuda a mantener los colores más saturados para los tonos medios, lo que garantiza que destaquen en la combinación de colores.

3 - Cuando ajustas el valor, cambia también el tono (temperatura).

 

Por ejemplo, aquí están mis colores monocromáticos antiguos y nuevos.

Siempre que cambies el tono, asegúrate de que la dirección de la luz y la sombra sean opuestas. Si mueves el tono hacia la derecha para obtener un valor más alto, muévelo hacia la izquierda para obtener un valor más bajo, y viceversa.

 

En este caso, puedes ver que comencé con el verde como punto medio: el color gris. Luego, cambié hacia el amarillo/rojo para las partes más brillantes de la imagen. Utilicé el cian/azul para las partes con sombras y cualquier cosa más oscura.

 

La variedad le dio mucha más vida y contraste. Siempre puedes hacer lo contrario si realmente lo deseas. Ve hacia el azul para el brillo y hacia el rojo para las sombras. Una vez que comiences, asegúrate de seguir con la idea.

Frío vs. Cálido

Al trabajar con colores, es útil comprender la distinción entre tonos cálidos y fríos. El círculo cromático generalmente se divide en dos mitades: colores cálidos como el rojo, el naranja y el amarillo, y colores fríos como el verde, el azul y el violeta. Los colores cálidos evocan sensaciones de calor y luz solar, y suelen crear una sensación de energía y calidez.

 

En cambio, los colores fríos nos recuerdan al cielo, al agua y a otros entornos frescos o serenos, y nos aportan una sensación de calma y tranquilidad. Los colores cálidos tienden a llamar la atención y pueden resultar más atractivos, mientras que los colores fríos suelen ser más relajantes y relajantes. Comprender estas características le permitirá establecer el tono y el estado de ánimo de su pintura de manera eficaz.

^ El lado izquierdo es tonos de color fríos y el lado derecho tonos de color cálidos

Entonces, teníamos la ilustración de la rana con solo verde, ¿cierto? Es una combinación de colores monocromática. Veamos si podemos agregar un color para que sea complementario. El opuesto del verde en la rueda es el morado y el rojo. Veamos qué resultado obtenemos si los mezclamos.

Con solo agregar un color adicional, logramos que el diseño fuera mucho más interesante. Trabajar con colores limitados realmente ayuda a mantener la coherencia y a que sea agradable a la vista.

Relación de color

Evite utilizar colores (matices) en cantidades iguales; en su lugar, elija un color como tono dominante y utilice los demás como acentos o colores complementarios. Muchas personas cometen el error de dividir los colores de manera uniforme, como usar 4 colores en una proporción del 25 % cada uno, pero esto puede generar una imagen plana y poco interesante. Lo mismo ocurre con la composición o cualquier otro principio de diseño: cuando todo es igual, se vuelve menos atractivo. Seguir la regla "grande, mediano, pequeño" crea más interés visual y equilibrio.

En este ejemplo, hay muchos colores, pero es fácil detectar el predominio. El naranja de la calabaza se destaca como el color más dominante, seguido por el color del esqueleto. El rosa se utiliza para pequeños reflejos y el verde aparece sutilmente en la parte superior de la calabaza.

Este boceto más antiguo también destaca la importancia que puede tener la saturación. El naranja y el rosa están muy saturados, mientras que el color hueso y el verde están más apagados. Quería que el foco estuviera en los ojos, así que utilicé el color más saturado para llamar la atención.

Imaginemos que los colores son instrumentos de una orquesta. Si todos los instrumentos tocan a todo volumen, el sonido se torna caótico. En cambio, dejemos que la mayoría de los colores suenen suavemente, con uno o dos que tomen la delantera como un solo, creando una composición equilibrada y armoniosa.

Puede que este sea un ejemplo un poco contundente, pero demuestra de forma eficaz lo sencillo que es guiar la mirada del espectador hacia el objeto adecuado. En el lado derecho, todas las formas tienen la misma saturación, lo que dificulta saber dónde enfocar. En el lado izquierdo, hay tres niveles de saturación distintos, lo que permite que la vista se fije de forma natural en la forma más destacada en lugar de distraerse con las tres a la vez.

Tono vs Valor

El tono y el valor son dos de los componentes principales del color, y comprender la diferencia es clave para crear obras de arte equilibradas y efectivas.

• Tono se refiere al color en sí, ya sea rojo, azul, amarillo, etc. Es lo que solemos pensar cuando hablamos de "color".

• Valor, por otro lado, describe la claridad u oscuridad de un color. Cada tono tiene un valor que se puede ver si convierte la imagen a escala de grises. Ayuda a definir la forma, la profundidad y el contraste dentro de una pieza.

Incluso con tonos vibrantes o poco convencionales, es fundamental mantener valores fuertes. Si todos los colores tienen valores similares (claridad u oscuridad), la pieza puede verse plana o caótica, porque el ojo no tiene un enfoque claro. Al variar los valores, incluso en colores brillantes o "locos", creas contraste y guías la mirada del espectador hacia las áreas más importantes de la obra de arte.

En resumen, puedes tener los tonos más atrevidos, pero asegurarte de que sus valores funcionen juntos le dará a tu pieza profundidad, claridad y un fuerte impacto visual.

 

En el ejemplo anterior, me aseguré de verificar dos veces con el blanco y negro cuando trabajé en él. Es muy fácil de hacer en Clip Studio Paint y otros programas.

Proceso de ilustración principal

Finalmente llegamos a la ilustración que hice para este tutorial. Fue muy divertido usar colores brillantes y saturados. Decidí usar un estilo de arte pop para esta.

 

El arte pop, que ganó impulso en las décadas de 1950 y 1960, se inspiró en elementos visuales cotidianos como anuncios, cómics y bienes de consumo. Conocido por sus líneas audaces y colores vivos, transformó objetos comunes en arte llamativo.

 

Pondré el time-lapse al final si querías más que solo capturas de pantalla.

Bosquejo

Empecé por bloquear su pose con líneas sueltas. Concéntrese en capturar el gesto general: su espalda recta, piernas dobladas o cruzadas y rostro girado hacia el espectador. Mantenga las cosas fluidas y relajadas. A continuación, esboce las proporciones básicas utilizando formas simples como círculos y óvalos para construir la cabeza, el torso y las extremidades. Mantenga las líneas suaves y ajústelas según sea necesario.

 

Al esbozar el rostro, marque suavemente las guías para ayudar a colocar los ojos, la nariz y la boca. Dado que está mirando de frente, la simetría es importante. Mantenga el cuerpo y la ropa simples al principio, bloqueando las áreas principales antes de preocuparse por los detalles.

 

Consejo general: no piense demasiado en los detalles al principio; concéntrese en el flujo y la estructura generales. Mantenga las líneas sueltas y fluidas, y refine solo cuando sienta que la forma es la correcta.

 

Para el pincel, como siempre, usé un pincel mezclador redondo duro normal. Lo mantuve grande para no entrar en detalles. También comencé con un fondo gris para asegurarme de que no fuera demasiado fuerte en los ojos.

A continuación, elegí un esquema de color triádico porque me permite trabajar con solo tres colores principales y, al mismo tiempo, ofrecer un gran contraste. Opté por el violeta, el amarillo y el cian, colores clásicos que se suelen ver en el arte pop y que realmente le dan a la pieza ese aspecto vibrante y audaz.

Para agregar color debajo de la capa de boceto en Clip Studio Paint, comience por asegurarse de que la capa de boceto esté en la parte superior. Cree una nueva capa debajo de ella para colorear. Seleccione el pincel o la herramienta de relleno y comience a aplicar color en esta nueva capa. Los colores aparecerán debajo de las líneas de boceto, que permanecerán visibles. Para evitar dibujar accidentalmente en el boceto, bloquee la capa de boceto. Continúe refinando los colores en la nueva capa hasta lograr el aspecto deseado. Este método le permite mantener el boceto intacto mientras experimenta con los colores.

Refinando, refinando, refinando.

 

Examina los aspectos que te gustaría mejorar. Reflexiona sobre lo que aprecias de la imagen e identifica las áreas que podrían necesitar mejoras. Considera agregar sombras u otros detalles para realzar la obra de arte. Aquí es donde tu creatividad realmente puede brillar. Hazte varias preguntas para guiar tu proceso. A menudo sigo pintando y ajustando hasta que siento que la imagen está mejorando.

Agregar un contorno brillante alrededor del personaje puede mejorar significativamente el contraste y darle a la imagen una calidad más gráfica. Esta técnica ayuda a que el personaje se destaque más prominentemente contra el fondo, creando una distinción clara y atrayendo la mirada del espectador directamente hacia el sujeto. El contorno llamativo no solo aumenta el impacto visual, sino que también agrega un aspecto estilizado y cohesivo a la obra de arte, enfatizando la forma y la silueta del personaje.

La incorporación de patrones de semitonos puede agregar una calidad gráfica sorprendente a su imagen. Los semitonos utilizan puntos u otros patrones para simular sombreados y degradados, lo que le da a su obra de arte un aspecto distintivo de inspiración retro que recuerda a los cómics clásicos y los medios impresos. Al variar el tamaño y la densidad de los puntos, puede crear la ilusión de profundidad y textura mientras mantiene una apariencia limpia y estilizada. Esta técnica no solo mejora la sensación gráfica, sino que también agrega interés visual y una sensación de contraste dinámico, lo que hace que su imagen sea llamativa y visualmente atractiva.

 

¡Es muy fácil agregarlo en Clip Studio Paint! Hay muchas configuraciones en Clip Studio Paint, pero para esta ilustración específica decidí usar una muy simple.

Para agregar rápidamente efectos de semitonos en Clip Studio Paint mediante las propiedades de capa, comience creando una nueva capa sobre el área donde desea aplicar el efecto de semitonos. Puede hacerlo seleccionando Capa en el menú superior y eligiendo Nueva capa o haciendo clic en el ícono de nueva capa en el panel Capas.

 

Con la nueva capa seleccionada, vaya al panel Propiedades de capa. Si no lo ve, ábralo desde Ventana > Propiedades de capa. En el panel Propiedades de capa, busque la opción etiquetada Efecto. Haga clic en ella y seleccione Semitonos en el menú desplegable. Esto aplicará un patrón de semitonos predeterminado a la capa.

Solo para que sepas que usar el aerógrafo es fantástico cuando se trata de medios tonos. De esa manera, puedes controlar dónde el medio tono será fuerte y dónde será claro.

Personaliza el efecto de semitono ajustando la configuración en el panel Propiedades de capa. Puedes modificar el tamaño de los puntos, el espaciado y el tipo de patrón para lograr el aspecto deseado. Experimenta con estas configuraciones hasta que obtengas el efecto que se adapte a tu obra de arte.

 

Como puedes ver, usar aerógrafo da un efecto agradable al pasar de puntos grandes a pequeños. ¡Me encanta ese efecto!

 

Usé una frecuencia de 5 para mostrar cómo son los puntos en la imagen, pero el número dependerá de tu lienzo y de qué tan grandes los quieras también. Me gustan los números más bajos para mantenerlos visibles. Sé que a otros artistas les gusta mostrarlos mucho más.

Si es necesario, ajuste la opacidad de la capa o el modo de fusión para integrar el efecto de semitono sin problemas en su ilustración. Puede hacerlo en el panel Capas seleccionando la capa y modificando sus propiedades.

La forma en que logré mi efecto fue mediante Superposición. A veces también me gusta usar luz suave o multiplicar. Si el efecto es demasiado fuerte, siempre puedes reducir la opacidad.

En este ejemplo, decidí comprobar la forma del personaje, que es lo primero que la gente ve y lee. Me pareció que las piernas se fusionan demasiado, por lo que parece que es una sola pierna grande. No parece que estén lo suficientemente separadas, por lo que no hay una lectura clara.

Al mover un poco la pierna y agregar un pequeño espacio en el centro, se le da más fuerza a la legibilidad y mejora la composición. ¡Pequeños detalles como ese ayudan mucho a mejorar la obra de arte!

También agregué reflejos a la ropa y al cabello. En este caso, para implementar mejor los colores, agregué reflejos azules/cian de las paredes. La luz se reflejará en el entorno, por lo que en este caso también ayuda porque los colores son más cohesivos :)

¡Agreguemos un poco de dispersión subsuperficial! Es un término muy elegante para referirse a la luz que atraviesa los objetos. Si se trata de piel, la luz se volverá naranja y roja debido a la sangre. ¡Es un truco simple para hacer que tu ilustración destaque!

En el lado izquierdo agregué un bonito toque de luz saturado entre la parte de sombra y la de luz. Admito que lo uso demasiado para mis obras, pero me encanta el efecto.

Agregué algunos para la ropa, los brazos, la cara y algunas otras manchas. Una forma muy sencilla de hacerlo es crear una nueva capa. Establezca el modo de saturación y elija el color más brillante/saturado. De esta manera, la capa solo afectará la saturación.

 

Si el efecto es demasiado fuerte, siempre puede reducir la opacidad.

Como se mencionó anteriormente, es importante verificar que la imagen esté en blanco y negro al realizar la ilustración. Hacerlo es muy sencillo. Simplemente crea una nueva capa, configúrala en modo Color y luego agrega relleno negro o blanco puro.

 

Esto convertirá tu imagen en blanco y negro y mostrará si tienes algún problema de contraste. En este caso, hay una cierta combinación entre el cinturón y la falda. Cambié un poco los colores y también agregué una línea de separación entre los dos por ese motivo.

 

¡Asegurarse de que la cara y el cabello se destaquen también es importante! Cuando se usan colores súper brillantes, puede que no sea la parte más importante porque todos los colores se separarán entre sí de todos modos. Sin embargo, es bueno que lo compruebes tú mismo.

Algunos toques finales para mí son los filtros de Nitidez y Ruido.

Hice un tutorial aparte sobre los nuevos filtros que se agregaron en Clip Studio Paint. Te recomiendo que lo consultes si aún no lo has hecho.

 

Los filtros no son la parte más importante de la pintura, pero ayudan mucho a mejorar mucho el resultado final.

Adiós

Muchas gracias por leer y seguir mi recorrido. Aquí está el vídeo time-lapse de la pintura;

Si quieres ver más y echarle un vistazo a mi arte, aquí tienes mis enlaces :)