Que vous dessiniez un simple portrait, une scène d'action ou que vous vouliez simplement avoir un personnage cool, vous devrez commencer par la pose.

 

Les poses sont l'une des étapes de base lors de la création d'une pièce et apprendre à les utiliser efficacement peut changer radicalement l'approche que vous adoptez.

 

Dans cet article, nous passerons en revue quelques trucs et astuces solides qui peuvent aider n'importe qui à mieux réussir la pose parfaite.

1. Structure corporelle

Pour qu'une pose fonctionne, vous avez besoin d'un bon corps avec lequel travailler.

 

Apprendre à partir de références est l'un des meilleurs moyens non seulement d'améliorer la précision de votre personnage, mais également d'améliorer vos compétences avec la figure humaine en général.

 

L'utilisation de vos propres photos, modèles vivants ou même des photographies d'Internet peut considérablement améliorer et donner le ton à la pièce dans son ensemble.

 

Bien sûr, tout le monde peut dessiner sans référence, et certains décident également d'utiliser des modèles 3D, comme ceux fournis dans Clip Studio Paint. Cependant, l'apprentissage des fondamentaux, même s'il ne s'agit que de la surface, apportera toujours le plus d'améliorations.

2. Cadrage de la scène

Que devriez-vous mettre au centre de votre pièce ?

 

Le cadrage vous aide à décider du type d'accent que vous voulez, et à quel point vous faites ce cadrage grand ou petit change ce que les gens regardent.

 

Si vous gardez le portrait entier dans une scène de la tête aux pieds, alors le personnage entier et éventuellement un arrière-plan sont importants. Si vous ne faites que remonter la taille, l'accent est mis sur les vêtements, la peau, les cheveux, etc.

 

L'endroit où vous tracez votre ligne dépend du cadrage que vous souhaitez lui donner.

 

Il est important pour un artiste de décider combien il veut montrer, et apprendre à bien le faire peut aider avec d'autres avenues comme les bandes dessinées et les romans graphiques.

3. Points de vue

La perspective change considérablement l'apparence de votre pose en fonction de la quantité que vous souhaitez.

 

La perspective à 1 point est comme si vous regardiez une route désertique plate avec un ciel vide. Il n'y a qu'un seul point de fuite vers le milieu. Vos portraits classiques sur des arrière-plans plats peuvent bien fonctionner avec cela.

 

La perspective à 2 points ajoute un autre point de fuite, les deux points étant vers les bords. Cette perspective fonctionne bien pour les scènes étendues comme les paysages et aide grandement avec des zones comme les villes, les forêts et les petites villes.

 

La perspective à 3 points ajoute le troisième point, ce qui nous donne maintenant des changements de hauteur tout en conservant la perspective. Cette perspective attire nos regards et est encore plus intense. Si vous voulez faire en sorte que de grands intérieurs ou que de nombreux objets remplissent la scène en arrière-plan, ce sera le meilleur choix.

 

Choisir la perspective que vous souhaitez utiliser avant de dessiner est le meilleur moyen de garder les pièces cohérentes, mais vous pouvez certainement le faire plus tard si vous le souhaitez.

4. L'objectif fisheye

Pour ceux qui souhaitent en voir encore plus, l'objectif fisheye est l'outil parfait.

 

La perspective Fisheye est une perspective à 3 points qui va plus loin en déformant les images sur les bords dans une forme sphérique. Ce changement fait que les images vers le bord sont considérablement déformées, ce qui permet d'afficher plus d'informations sur le coût d'un pli circulaire sur tous les objets.

 

Idéal pour se concentrer sur 1 élément majeur d'une pièce tout en gardant plus d'informations. Peut être utilisé pour montrer les mains, les bras, les jambes et les pieds pour un look plus personnel.

 

C'est le type de perspective le plus difficile à utiliser, alors réfléchissez vraiment à si vous voulez l'utiliser et si vous faites quelle complexité vous voulez qu'il ait.

5. L'environnement autour du personnage

Un autre aspect important de la pose est l'endroit où cette pose est définie, l'environnement.

 

Qu'il s'agisse d'un simple arrière-plan dégradé comme une séance photo ou d'un emplacement existant complet comme le centre-ville d'une ville, la définition de l'environnement peut aider à rendre une pose plus appropriée pour le spectateur.

 

Supposons donc que vous ayez un personnage sur le point de porter un coup fatal, peut-être qu'une tempête avec un éclairage clignotant pourrait augmenter la tension. Peut-être que votre personnage est en train de paresser et de se détendre, une chambre confortable avec des couleurs chaudes peut aider à tout se sentir facile et aéré.

 

C'est l'un des aspects sur lesquels certains illustrateurs ne se concentrent pas, alors créer de bons environnements pourrait vous aider à vous démarquer de la foule.

6. L'éclairage d'une scène

Vous avez maintenant la scène devant vous, mais qu'en est-il de l'éclairage ?

 

L'endroit où vous décidez de votre source de lumière et la façon dont les matériaux réagissent à cette lumière est l'une des parties les plus importantes de toute pièce.

 

Si vous avez une silhouette qui couve dans la ville ci-dessous, vous ne voudriez probablement pas que ce soit une journée lumineuse avec à peine une ombre, s'assurer que l'éclairage soutient et améliore les principaux aspects de la pièce les rend très réussies.

 

Donc, avant d'aller trop loin, planifiez l'éclairage et essayez différents niveaux et emplacements de cette lumière.

Conclusion

Combinez tous ces éléments ensemble et je peux parier que vous deviendrez encore plus fort en tant qu'artiste.

 

J'espère que vous avez apprécié ces conseils et que vous pouvez les utiliser dans votre pratique.

 

J'espère que vous passez une merveilleuse journée et restez créatif!