Que vous dessiniez un simple portrait, une scène d'action, ou que vous souhaitiez simplement qu'un personnage ait l'air cool, vous devrez commencer par la pose.

 

Les poses sont l'une des étapes fondamentales lors de la création d'une œuvre et apprendre à les utiliser efficacement peut changer radicalement l'approche que vous adoptez.

 

Dans cet article, nous allons passer en revue quelques conseils et astuces solides qui peuvent aider quiconque à s'améliorer pour trouver la pose parfaite.

1. Structure Corporelle

Pour qu'une pose fonctionne, vous avez besoin d'un bon corps avec lequel travailler.

 

Apprendre à partir de références est l'un des meilleurs moyens non seulement d'améliorer la précision de votre personnage, mais aussi d'améliorer vos compétences avec la figure humaine en général.

 

Utiliser vos propres photos, des modèles vivants ou même des photographies d'Internet peut améliorer considérablement et donner le ton à l'ensemble de l'œuvre.

 

Bien sûr, n'importe qui peut dessiner sans référence, et certains décident également d'utiliser des modèles 3D, comme ceux fournis dans Clip Studio Paint. Cependant, l'apprentissage des fondamentaux, même s'il ne s'agit que de la surface, apportera toujours la plus grande amélioration.

2. Cadrage de la Scène

Quel devrait être le point central de votre œuvre ?

 

Le cadrage vous aide à décider du type d'emphase que vous souhaitez, et la taille de ce cadrage modifie ce que les gens regardent.

 

Si vous gardez l'ensemble du portrait dans une scène de la tête aux pieds, alors le personnage entier et éventuellement un arrière-plan importent. Si vous ne faites que la taille, alors l'accent est mis davantage sur les vêtements, la peau, les cheveux, etc.

 

L'endroit où vous tracez votre ligne dépend du cadrage que vous souhaitez lui donner.

 

Il est important pour un artiste de décider de ce qu'il veut montrer, et apprendre à bien le faire peut l'aider dans d'autres domaines comme les bandes dessinées et les romans graphiques.

3. Points de Perspective

La perspective modifie considérablement l'apparence de votre pose en fonction de l'effet souhaité.

 

La perspective à 1 point est comme si vous regardiez une route de désert plate avec un ciel vide. Il n'y a qu'un seul point de fuite vers le milieu. Vos portraits classiques sur des arrière-plans plats peuvent bien fonctionner avec cela.

 

La perspective à 2 points ajoute un autre point de fuite, les deux points étant vers les bords. Cette perspective fonctionne bien pour les scènes expansives comme les paysages et aide grandement avec des zones comme les villes, les forêts et les petites villes.

 

La perspective à 3 points ajoute le troisième point, nous donnant maintenant des changements de hauteur tout en conservant la perspective. Cette perspective attire nos yeux et est encore plus intensive. Si vous voulez créer de grands intérieurs ou beaucoup d'objets remplissant la scène allant vers l'arrière-plan, ce sera la meilleure option.

 

Choisir la perspective que vous voulez utiliser avant de dessiner est le meilleur moyen de garder les œuvres cohérentes, mais vous pouvez certainement le faire plus tard si vous le souhaitez.

4. L'Objectif Fish-Eye

Pour ceux qui souhaitent en voir encore plus, l'objectif fisheye est l'outil parfait.

 

La perspective fisheye est une perspective à 3 points qui va plus loin en déformant les images sur les bords selon une forme sphérique. Ce changement fait que les images vers le bord sont considérablement déformées, permettant d'afficher plus d'informations au prix d'une courbure circulaire sur tous les objets.

 

Idéal pour se concentrer sur un élément majeur d'une œuvre tout en conservant plus d'informations. Pourrait être utilisé pour mettre en valeur les mains, les bras, les jambes et les pieds pour un aspect plus personnel.

 

C'est le type de perspective le plus difficile à utiliser, alors réfléchissez bien si vous voulez l'utiliser et, si oui, quelle complexité vous souhaitez qu'il ait.

5. L'Environnement Autour du Personnage

Un autre aspect important de la pose est l'endroit où elle est située, l'environnement.

 

Qu'il s'agisse d'un simple fond dégradé comme une séance photo ou d'un lieu existant comme le centre-ville, définir l'environnement peut aider à rendre une pose plus appropriée pour le spectateur.

 

Donc, si vous avez un personnage sur le point de porter un coup fatal, peut-être qu'un orage avec des éclairs pourrait augmenter la tension. Peut-être que votre personnage se prélasse et se détend, une chambre confortable avec des couleurs chaudes peut aider à rendre tout facile et agréable.

 

C'est l'un des aspects sur lesquels certains illustrateurs ne se concentrent pas, donc créer de bons environnements pourrait vous aider à vous démarquer de la foule.

6. L'Éclairage d'une Scène

Maintenant, vous avez la scène devant vous, mais qu'en est-il de l'éclairage ?

 

L'endroit où vous décidez de votre source de lumière et la façon dont les matériaux réagissent à cette lumière est l'une des parties les plus importantes de toute œuvre.

 

Si vous avez une silhouette qui observe la ville en contrebas, vous ne voudriez probablement pas que ce soit une journée lumineuse avec à peine une ombre. S'assurer que l'éclairage soutient et améliore les aspects majeurs de l'œuvre les rend très réussis.

 

Alors, avant d'aller trop loin, planifiez l'éclairage et essayez différents niveaux et emplacements de cette lumière.

Conclusion

Combinez tous ces éléments et je parie que vous deviendrez un artiste encore plus fort.

 

J'espère que vous avez apprécié ces conseils et que vous pourrez les utiliser dans votre pratique.

 

J'espère que vous passez une merveilleuse journée et restez créatif !